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# Consigliato da DISTORSIONI
# Consigliato da Distorsioni
Dietro al progetto I Break Horses si nascondono i nomi di Maria Linden e Fredrick Balck. La prima si occupa delle musiche mentre lui invece della parte testuale. Entrambi di Stoccolma si sono conosciuti qualche anno fa grazie ad un forum per ipocondriaci. Maria Linden racconta: "Sul forum dove ci siamo conosciuti parlavamo dei sintomi di un cancro che pensavamo di avere entrambi. Così abbiamo scoperto di avere interessi musicali e amici in comune, che ci hanno poi fatto incontrare di persona".
In Europa la musica propende sempre verso la tendenza del momento, viaggia con i ritmi forsennati, consumistici e impersonali della moda e ne subisce gli stessi dettami. In piena fase di rock’n’ roll revival i saccenti del mestiere hanno acceso i riflettori su alcune “scene” esterne al vecchio continente per mostrarsi alternativi e ben sintonizzati. Tutto questo per lo più è servito ad alimentare il calderone del mainstream o 
Le rievocazioni sono tipicamente cicliche, legate ai tempi periodici delle generazioni. Abbiamo già avuto modo di parlare del recupero delle sonorità dark-wave degli anni ’80 mescolate allo shoegaze degli anni ’90 in occasione dell’uscita del bellissimo “Common Era” dei Belong. In questa circostanza fa piacere anche segnalare il pregevole “Cold” dei pesaresi Be Forest, giovanissima formazione rock che nel 2011 ha avuto modo di mettersi in mostra vincendo la sezione “miglior gruppo” 2011 del M.E.I. di Faenza .
The Pains of Being Pure at Heart sono un indie band di New York formatasi nel 2007 con un sound spiccatamente brit-pop o shoegazer se preferite. Dopo un ep di 4 pezzi nel 2007 ha debuttato con l’omonimo album 2 anni dopo ottenendo i favori di pubblico e critica. Un disco che all’epoca sorprese tutti, con quelle atmosfere care alle bands d’albione di 20 anni fa: il sound di TPOBPAH infatti è sempre molto melodico, mai troppo ruvido, e dopo quel sorprendente debutto i ragazzi ci riprovano con la sempre difficile opera seconda. 
C'è un vento gelido e tagliente che soffia in "Tunnel Blanket". Un disco del genere potrebbe tranquillamente provenire dalla zona più fredda del pianeta terra. E invece non è proprio così. I This Will Destroy You arrivano da una delle zone più calde degli states, il Texas. Il gruppo, formato da Chris King e Jeremy Galindo, Donovan Jones al basso e tastiere, Alex Bhore alla batteria, si riunisce intorno al 2004 per pubblicare l'anno successivo un eccellente EP dal titolo "Young Mountain" che li metterà subito sulla giusta strada. 
Dalla fredda Svezia, madre di potenti garage bands come Nomads, Hives, Gluecifer e Hellacopters, ecco arrivare questo fiammeggiante lavoro di tutt'altro registro. Diciamo subito che ci muoviamo in ambito neo-psichedelico, i riferimenti non possono che essere My Bloody Valentine, Slowdive, Brian Jonestown Massacre e via citando, tuttavia non si tratta di un disco derivativo, infatti i nostri hanno quel tratto personale che divide le produzioni scarse da quelle di qualità. Originari di Stoccolma sono al secondo album, oltre ad aver partecipato alle compilations “Revolution in Sound” e “Psichedelica 4”.
Stella Diana, ovvero stella del mattino, è il nome attribuito al pianeta Venere durante lo Stilnovismo, movimento poetico italiano sviluppatosi sul finire del Duecento. Con questo nome si indicava quindi la stella che annunciava il mattino, la nascita di un nuovo giorno. Gli Stella Diana si portano dietro un nome abbastanza ambizioso, che racchiude anche qualche responsabilità. Nati da un idea di Dario Torre e Giacomo Salzano, il progetto ha visto successivamente l'innesto in formazione nel 2002 di Raffaele Bocchetti alla chitarra elettrica e del batterista Massimo del Pezzo nel settembre del 2005.
Curioso destino quello di un genere musicale di essere definito dall’atteggiamento immobile tenuto dai musicisti i quali rimanevano in tale posizione osservando il pavimento della scena (o piuttosto le proprie scarpe) mentre suonavano, giustificando in tal modo, del tutto inconsapevolmente, il termine che ne è derivato: “Shoegaze”. A questo proposito, onde non generalizzare eccessivamente, vanno fatte un paio di precisazioni. A coniare inizialmente il termine con cui venne poi identificato il genere musicale in questione fu la rivista britannica “Sounds”, seguita a ruota da numerose altre riviste di settore. Il termine esatto adoperato in tale occasione fu
‘shoegazer’ riferito per l’appunto a colui o coloro che adombravano sulla scena quella postura caratteristica volta a 'guardare le scarpe'. Solo in seguito tale parola, nella parlata quotidiana venne troncata e divenne ‘shoegaze’ o ‘shoegazing’ con il significato non tanto di colui che 'guarda le scarpe' ma di genere riferito a coloro che volgevano lo sguardo in basso, sul pavimento.
da molte e talvolta opportune obiezioni che si potrebbero fare sulla genesi reale del genere shoegaze. La storia della musica è un campo disseminato di molti semi ed è spesso assai difficile conferire una patente di originalità ad un frutto maturo senza correre il rischio di dimenticare tutti i frutti maturati precedentemente verso cui si rimane in una qualche misura debitori.
universalmente riconosciuto nel fissare le origini di questo particolare genere musicale pur non disdegnando un paio di veloci considerazioni personali (peraltro condivise da più parti).
trattasse di un’ 'invenzione' senza alcuna sostanziale connotazione di novità, ascrivibile soltanto a certa stampa che con compiacimento (ogni novità vale pur sempre qualche copia venduta in più) coglieva ogni possibilità per suscitare curiosità attorno a nuovi movimenti e musicisti. La definizione data al genere ebbe tuttavia successo e questo nonostante risultasse assai poco gradita agli stessi protagonisti. Le caratteristiche più evidenti e identificative dello shoegaze comprendevano una manipolazione in special modo delle chitarre fino a creare quel tipico muro di suoni che costituisce una delle particolarità del genere e che per l’appunto induceva i musicisti coinvolti ad un controllo costante degli effetti che ne scaturivano da cui l’esigenza di volgere lo sguardo verso il basso. 
Suoni che sfociavano in distorsioni, riverberi, improvvisi scivolamenti nel silenzio e lenta 'ricostruzione' del muro sonoro quasi si trattasse di suoni appesi ad un orizzonte lontano, nuvole gonfie di pioggia, stratificazioni avvolte dalla nebbia con le voci degli interpreti dai toni spesso sognanti, evocativi e quasi privi di consistenza pur se in un percorso musicale che si trascinava in avanti come un drappo infinito. Il tutto teso a 'riformare' quasi la consuetudine di trovare nelle note melodie frutto di accordi tradizionali, ormai del tutto assenti.
Volendo identificare in questa breve ricognizione dello shoegaze un punto di partenza e quindi una band-un disco ritengo che si possa facilmente convenire che gli autentici pionieri del genere furono i My Bloody Valentine con il loro primo album dal titolo “Isn’t Anything” (1988, Creation). Un album complesso, probabilmente non di facile presa, ricco di architetture spesso distanti fra loro ma 
è tra questi solchi che il mondo dell’epoca ha visto nascere un suono nuovo tanto da conferire ai My Bloody Valentine il ruolo di iniziatori del genere shoegaze. Un esempio evidente è rappresentato da questi due brani tratti dall’album (Nothing Much to Lose - All I Need) nel quale lo shoegaze delle origini trova la sua piena realizzazione. E il brano successivo Lose My Breath vede i My Bloody Valentine prefigurare tutte le caratteristiche peculiari di un genere che ben presto vedrà lo shoegaze approdare in territori avvolti da una luce sfocata, perennemente avvolti da una nebbia impenetrabile in cui solo il suono sembra concedere una possibilità alla vita.
Ammesso e non concesso che i Bloody Valentine abbiano ottenuto a ragione la palma di ‘fondatori’ del genere shoegaze non si può assolutamente tacere il fatto che ancor prima del loro album suddetto, già nel 1985 esordiva una band scozzese, The Jesus and Mary Chain dei fratelli William e Jim Reid con un album, “Psychodandy” (1985, Blanco Y Negro) che va considerato una pietra miliare per le innovazioni che ne sono derivate e per aver tracciato, senza dubbio alcuno, la via maestra dello shoegaze.
numero di distorsioni sono le caratteristiche peculiari di un sound completamente virato verso un percorso fino ad allora ignoto e che indusse a considerare gli strumenti (e la chitarra in primo luogo) come fonte di suoni ben lontani dalla tradizionale costruzione armonica sebbene un evidente debito in tal senso vada pagato a band come i Velvet Underground ma ecco che rischieremmo di fare un percorso a ritroso nella storia della musica.
shoegaze con i componenti della band che hanno già lo sguardo rivolto verso il basso, concentrato sugli strumenti. Album che non è affatto esagerato definire leggendario .
Una citazione va fatta anche per un’altra band fondamentale che merita indubbiamente un posto nel novero del movimento shoegaze per quanto non ascrivibile a questo genere: i Cocteau Twins. Questa band scozzese, formatasi nel 1979 e quindi molto prima che il movimento shoegaze prendesse piede, aveva già elaborato toni e sonorità che possono considerarsi antesignani del genere. Il secondo album della band in particolare (priva ormai del batterista Will Heggie), dal titolo
“Head over heels” (1983, 4AD) vede Elizabeth Fraser protagonista di un simbolico trapasso dalla dark wave ad atmosfere quanto mai rarefatte con il connubio fondamentale dei muri sonori apportati dalla chitarra di Robin Guthrie. Un album emozionante che contiene già evidenti le impronte del genere shoegaze in divenire nelle sue espressioni più malinconiche ed intimiste ma anche e soprattutto nell’approccio sonoro di Robin Guthrie.
Il primo album in questione è “Nowhere” dei Ride (1990, Creation). Originari di Oxford, i Ride sono stati inizialmente fra i rappresentanti più interessanti della scena shoegaze britannica per passare poi, dopo alterne vicende, a percorrere strade ben diverse. L’album in questione, che costituisce il debutto discografico della band, rimane ad ogni modo fra i capisaldi e certamente uno dei più distintivi del genere shoegaze. Val la pena sottolineare a questo punto che 
All Music Guide ha definito “Nowhere” fra i più importanti in assoluto nella storia dello shoegaze. 
Fra le mille bands che hanno lasciato una traccia indelebile nel panorama dello shoegaze non ci si può esimere dal citare ancora gli Slowdive (quella che personalmente ho amato di più) che incarnavano anche nel nome tutte le caratteristiche del genere. I primi due album della band sono fra i “punti cardinali” dello shoegaze, da più parti considerati fra i più belli in assoluto, e hanno lasciato una traccia profonda in molte bands che ne hanno seguito le orme. Gli Slowdive si formarono nel 1989 e pubblicarono il loro primo album "Just for a Day" nel 1991 per la Creation Records, ormai alle soglie della parabola discendente dello shoegaze.
La band chiuse il suo percorso artistico nel 1995 con il suo terzo ed ultimo album che è stato a lungo al centro di una controversia circa le coordinate stilistiche adottate dalla band in quell’ultima occasione. Da quella magnifica esperienza nacquero poi i Mojave3. Ma questa è già un’altra storia.
paio di brani alle tastiere oltre che in veste di produttore dell’album. Il disco ebbe anche una sua versione per il mercato statunitense. Paragonati agli stessi My Bloody Valentine o ai Cocteau Twins gli Slowdive riuscirono a toccare con “Souvlaki” uno dei vertici assoluti dell’esperienza shoegaze. Brani come Machine Gun (con la voce eterea e sognante di Rachel Goswell e un muro sonoro da mettere i brividi), la brevissima Here she comes (con l’inconfondibile voce di Neil Halstead e le tastiere di Brian Eno) o 
la straordinaria Souvlaki space station e When the sun hits sono vere e proprie gemme del firmamento shoegaze, ormai parte della storia della musica.
Con le date e le determinazioni cronologiche si rischia di prendere sempre dei sonori abbagli, specie se l’argomento è quello di una storia della musica. Non va di certo diversamente con la necessità di stabilire la fine del genere shoegaze propriamente detto, senza tenere conto di tutte le derivazioni e le influenze posteriori. In linea di massima però lo shoegaze trova il suo punto d’arrivo nel secondo, straordinario, sofferto album degli irlandesi 
My Bloody Valentine che dopo aver dato l’avvio al genere, simbolicamente ne determinarono anche la “fine”. “Loveless” (1991, Creation) dato alle stampe alla fine del 1991 costituisce il raggiungimento dell’espressione massima del genere tanto da essere universalmente riconosciuto come l’album nr. 1 dello shoegaze e fra i più grandi della musica in generale. Un album avvolto da un’aura di leggenda, con una certosina ricerca di soluzioni sonore innovative, incisioni interminabili, snervanti sessioni di registrazione, difficoltà di ogni genere, non ultime quelle 
economiche per gli elevati costi di produzione e realizzazione del disco. Un album che, a prescindere dal genere di riferimento, tutti gli amanti della musica dovrebbero aver ascoltato nella vita almeno una volta. Il disco iniziava con questo brano, Only shallow, sintesi perfetta del genere shoegaze in uno stato di grazia.
Trespassers William live
