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# Consigliato da DISTORSIONI
Se siete lettori ed amici di DISTORSIONI sapete che, pur trattandosi fondamentalmente di un rock-magazine, ho sempre voluto estenderne lo spettro estetico ed informativo ad altre valide forme espressive musicali; così si giustifica abbondantemente la nuova denominazione scelta e coerentemente con essa il JAZZ godrà presto di più spazio su queste colonne, alcuni suoi periodi temporali/sviluppi stilistici in particolare che mi stanno molto a cuore, come il jazz di
Chicago degli anni '70 che fa riferimento all' Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) (fondata dal compositore/pianista Muhal Richard Abrams ed ancor oggi attivissima: Kalaparush Maurice McIntyre, Anthony Braxton, Don Moye, David Murray, Oliver Lake etc ... ) e la scena radicale europea fiorita sempre tra i '70 e gli '80 dello scorso millennio. Tranci vibranti di storia musicale che ho avuto la fortuna di vivere orgogliosamente in tempo reale pur vivendo nel profondo sud, grazie a tempestive rassegne culturali tenutesi in quegli anni così profondamente 'politici'
ed alternativi (quando questo termine aveva ancora un senso!), nei quali anche la musica ed il jazz in particolare avevano connotati pesantemente 'politici', sia che si trattasse di musicisti di colore che avevano fatto loro ed estremizzato i fieri contenuti di affrancamento culturale e sociale del free-jazz e di icone come Ornette Coleman, John Coltrane, Pharoah Sanders, Cecyl Taylor, che di artisti europei impegnati in una lucida e creativa 'anarchizzazione' sonora. Ebbi in quegli anni la possibilità di accostarmi dal vivo ad alcuni illustri esponenti di quelle 'eroiche' scene: parlo di artisti incredibili come Peter Brotzmann, Alex Von Shlippenbach, Hank Bennink, Steve Lacy, Marc Charig, ma anche di validissimi italiani come Gaetano Liguori,
Giancarlo Schiaffini e del mio concittadino Roberto Ottaviano. 
Alla vigilia quindi di un mio massiccio 'recupero' di materiale jazz (creativo) dei decenni di cui sopra ed aspettando fiduciosamente altri contributi collaborativi, ho pensato di proporvi in modo molto informale una prima Jazz-Selection (ne seguiranno altre se la rubrica incontrerà il vostro gradimento!) di dieci brani messi gentilmente a disposizione di DISTORSIONI da una mia giovane amica jazzomane (anche), Marina Mercorillo, conosciuta attraverso un social network che tutti voi conoscete benissimo. 
Si tratta di brani di artisti 'apparentemente' molto distanti esteticamente, 
come John Coltrane, Paolo Fresu, Pharoah Sanders, Soft Machine, Joachim Kühn, Chick Corea, Jan Garbarek, brani accomunati da 'arditi' salti cronologici e stilistici; non credo comunque questo possa rappresentare un ostacolo ad una loro fruttuosa, attiva, godibile fruizione da parte vostra: il fil rouge che li attraversa é anche il buon gusto e la passione per il jazz di qualsiasi latitudine della mia (nostra) amica Marina Mercorillo. E vi sembra poco? (Wally Boffoli)
Trespassers William live
Fra la fine degli anni sessanta e l’inizio dei settanta il Messico vide fiorire un numero considerevole di gruppi rock che si richiamavano alle analoghe esperienze musicali e culturali che si stavano verificando sia nei vicini Stati uniti che in Inghilterra. Fu una breve, ma intensa stagione, durante la quale musicisti provenienti soprattutto dalla capitale e dalle città del nord, Guadalajara, Tijuana, poterono esprimersi con grande libertà facendo nascere una vera ondata musicale rivoluzionaria che 
trovò il suo momento culminante l’11 settembre 1971
nel festival rock di Avandaro, quando ad ascoltare alcune delle principali rock band messicane si radunarono circa 250.000 giovani provenienti da tutto il Paese. Giovani che non erano lì solo per ascoltare rock, ma per testimoniare i loro ideali di pace e libertà, contro la repressione e la violenza poliziesca. 
Ma il rock fino a quel momento era rimasto immune dalla censura, del resto il Messico è uno strano paese, terra di esuli, ospitale verso i ribelli in fuga da regimi dittatoriali, capace di commissionare opere con cui abbellire le sue città ad artisti rivoluzionari 
come Diego Rivera o Siqueiros, di mostrarsi fieramente indipendente verso l’ingombrante vicino gringo e nel contempo di tollerare la feroce violenza dei fazenderos contro i campesinos, con un partito che lo ha governato ininterrottamente per quasi tutto il secolo in modo cinico e senza farsi troppi scrupoli, né nel far dilagare la corruzione, né nell’uso della violenza. 
Ebbene quel raduno rock fu la goccia che fece traboccare il vaso, i “chavos de onda” ,“i ragazzi della onda” (Chavo de onda è una delle canzoni più famose dei Three souls in my mind i quali ad Avandaro dedicarono agli studenti massacrati a 
giugno dalla polizia una cover di Street fighting man), che vi parteciparono e la loro musica furono accusati di essere dei drogati, degli ubriaconi dediti alle orge e al sesso più sfrenato, corruttori dei più profondi valori della morale e della cultura; dalla radio, alla televisione, dai giornali agli uomini politici fu invocato l’uso della censura, e per il rock messicano fu l’inizio della fine, bandito dalle radio, dalla tv, dai locali più 
importanti per i concerti, dai
contratti discografici i musicisti si ritrovarono senza soldi e costretti a cambiare mestiere o genere musicale: esemplare il caso de La Revolucion de Emiliano Zapata, forse il gruppo allora più famoso, che abbandonarono il rock per darsi ad un facile pop commerciale. Sulla musica della nuova onda messicana scese l’oblio, fino alla riscoperta degli ultimi anni, avvenuta prima negli Stati Uniti e in Europa che in patria: gli Lp, molti introvabili e con quotazioni altissime sul 
mercato del collezionismo (il disco dei Kaleidoscope pare arrivi anche a 5.000 dollari!), oggi vengono ristampati e possono essere finalmente apprezzati per il loro valore musicale. 
Con i musicisti e i brani presenti in questa selezione proverò a dar conto della ricchezza del panorama musicale messicano e stimolare la curiosità di chi ancora non la conoscesse: si va dal pioniere Javier Batiz (Coming Home da "Coming Home", 1969), considerato il miglior chitarrista messicano e maestro di Santana a band influenzate da ritmi black, con sezioni fiati che innervano la loro musica come i 39.4,:“Behind the mask” (EP, 1971) o i più hippie Peace and Love, dei quali abbiamo scelto una cover di I like Marijuana ("Avandaro", 2004") di David Peel registrata ad Avandaro, agli psichedelici Kaleidoscope (Colours”, da “Kaleidoscope", 1969), 
gruppo con influenze zeppeliniane di grande spessore, 
Tra il 1977 ed il 1978 in pieno boom punk, qualche loro brano rimase 'intrappolato' nelle varie "Punk-Collection" che allora circolavano, ricordo Baby Jane (Bishop, Nesbitt, Reed, Simmons) (from "Be Seeing You, 1977, United Artists") in particolare: stesso caso successo a rockers quali 
Larry Martin Factory, Graham Parker, Eddie & The Hot Rods, Ian Dury. In realtà alcuni di loro col punk avevano ben poco a che spartire; ma si sa, in quegli anni in Inghilterra (la Stiff Records) ed in Italia (soprattutto la RCA) non si andava tanto per il sottile e la tendenza a 'cavalcare la tigre' faceva magari comodo oltre che alle etichette agli stessi artisti che ne approfittavano per uscire allo scoperto dopo una dura gavetta.
Tutti i particolari della vicenda sono narrati nell'imperdibile film di Julian Temple, Oil City Confidential uscito a marzo del 2010. 
& blues misto a rock & roll, molto vicino a quello suonato dai primi Stones, Animals e Pretty Things; i maestri? Gli stessi: Chuck Berry, Howlin' Wolf, Jimmy Reed, Bo Diddley etc.; nei loro albums dei '70 ed '80 Brilleaux e c. suoneranno classici come Route 66 (Troup), Checkin' On My Baby (S.B.Williamson), Boom Boom, Dimples, Mad Man Blues (J.L.Hooker), I'm A Man (B.Diddley), Dust My Broom (E.James), Rolling and Tumblin' (Morganfield).
Qualcuno vuol approfondire questo loro lato più 'raw' e basico? Deve cercare "Mad Man Blues (1985, Lolita)" ed il live "Stupidity (1976, United Artists)". Anche i loro primissimi due albums "Down By The Jetty" e "Malpractice (1975, United Artists)" sono largamente illuminanti delle loro radici.
anni!) nelle hall inglesi: Lee Brilleaux, piantato saldamente al centro del palco, che sputa/vive 'febbrilmente' i brani (suda in abbondanza) e soffia con tutta l'aria che ha nei polmoni nella sua mouth-harp. Si sconvolge a tal punto da rovinare in continuazione l'aplomb inglese del suo completino approssimativo - spesso brandisce a gambe aperte il microfono come un cazzo in erezione - fuma, beve in scena tra un brano e l'altro come fosse al pub all'angolo di casa sua, a Canvey Island.
Ho avuto la fortuna di godermi i Dr.Feelgood live alle porte di Bari negli anni '80 prima che Lee Brilleaux soccombesse alla brutta bestia del cancro nel 1994: me lo ricordo seduto, solo, al bar prima di salire sul palco, fare il pieno! 
fine é stremato, rosso in viso e sudatissimo, perché lui la giacchetta non se la levava mai! Dopo la sua morte fu sostituito dai front-men Pete Cage e poi da Robert Kane (attuale cantante) ma c'é bisogno che lo dica? Non fu più la stessa cosa. Gli ultimi suoi due concerti (24 e 25 Gennaio 1994) furono immortalati nell'album "Down At The Doctors (1995, Grand)".
Il BEAT ITALIANO come saprete mi sta particolarmente a cuore (ho 2 gruppi a tema su Facebook) e la scelta per questa prima selezione, che pur non è stata facile, è caduta su questi 10 pezzi per una serie di considerazioni: ho voluto indicare alcuni brani che anzitutto non erano covers, con autori ed esecutori realmente italiani e che hanno in qualche modo operato una svolta nel modo di fare musica qui in patria. 
una cover) ho preferito il retro Datemi una lacrima per piangere (1966), scritta da NISA (ovvero Nicola Salerno) che all'epoca fungeva da autore presso la Ariston, etichetta del gruppo, ma l'interpretazione e l'arrangiamento che ne danno i quattro di Parma è incredibilmente innovativo per l'epoca: garage-beat al 100% sostenuto da una ritmica deragliante e una chitarra fuzz, piuttosto inediti per il panorama nazionale. 
e questo singolo (di cui ho scelto un solo pezzo, Le Insegne Pubblicitarie (1966) ma ne conteneva TRE originali) pur uscendo in tiratura limitata, risulta di importanza fondamentale; alcuni lo indicano come il primo disco psichedelico uscito in Italia e di fatto, per essere datato 1966, risulta senza precedenti: il testo affronta il tema del consumismo e della alienazione moderna, ma il tappeto sonoro è stralunato e lisergico, con cambiamenti di tempo repentini e bizzarri.
Altro gruppo non molto fortunato furono i milanesi MESSAGGERI e questo brano Qui (1967) doveva seguire un primo singolo inciso nel 1965, in cui già erano nette le loro radici 'byrdsiane', ma purtroppo non venne mai pubblicato (se non molto dopo in una compilation postuma): l'impressione è quella di trovarsi di fronte ai BYRDS in versione locale, il suono è folk rock della miglior specie, con intrecci vocali e strumentali sublimi. 
Dei NOMADI ho scelto uno dei frutti migliori delle loro collaborazioni con Guccini: l'immortale Noi non ci saremo rimane tra i classici della canzone di protesta, ma in un contesto folk-beat dove non c'era spazio per la retorica o per il conformismo. 
Situazione simile anche per i RAGAZZI DEL SOLE, leggendario gruppo torinese di cui abbiamo già parlato ampiamente in questa sede (con una intervista esclusiva all'ex tastierista Piercarlo Bettini), ascoltare Atto di Forza n.10 (1966) per credere !
Sempre da Padova ecco i ROYALS con Una porta chiusa(1966), anche loro molto influenzati dal folk-rock (oltretutto avevano il manager in comune con i NOMADI) ed infine un 
altro classico del garage-beat italiano, Era un Beatnick (1966) con i torinesi TESTE DURE, fondati dal chitarrista Bruno Avanzato nel 1963 e arrivati ai primi posti nel grande concorso Rapallo Davoli all'inizio del 1966 (così come gli stessi CORVI di Parma).
