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2012-01-15T02:06:00.000+01:00

IL BLOG NON VIENE PIU' AGGIORNATO

DAL 15 GENNAIO 2012 E' ON LINE

I MIGLIORI VOTATI DA VOI

2012-01-11T21:44:00.001+01:00

DISTORSIONI READERS' POLL 2011

1) THE BLACK KEYS "El Camino"
MOGWAI "Hardcore will never die but you will"

2) CRYSTAL STILTS "In love with oblivion"

3) PJ HARVEY   "Let England shake"
WILCO   "The whole love"
LOW "C'mon"
THE VACCINES   "What did expect from the Vaccines?"
VERDENA   "Wow"

4)  RADIOHEAD   "The King of the limbs"
WIRE   "Red barked tree"
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART   "Belong"
FLEET FOXES "Helplessness blues"

5)   THURSTON MOORE   "Demolished Thoughts"
  TY SEGALL  "Goodbye bread"
THE HORRORS  "Skying"
GIUDA "Racey roller"
AUSTRA "Feel it break"
  PETE & THE PIRATES "One thousand pictures"
NO STRANGE "Cristalli sognanti"

6)   TOM WAITS  "Bad as me"
  BON IVER   "Bon Iver"
PETER MURPHY "Ninth"
  THE FALL  "Ersatz G.B."
THE MONSTERS "Pop up yours"
  M83 "Hurry up, we're dreaming"
ANNA CALVI "Anna Calvi"
SQUADRA OMEGA "Squadra Omega"
DIRTBOMBS "Party store"
PEAWEES "Leave it behind"
  INTELLECTUALS "In the middle of darkwhere"

7) LOU REED/METALLICA "Lulu"
IDOL LIPS "Scene repulisti"
  ACID BABY JESUS   "Acid Baby Jesus"
  BLOODSHOT BILL   "Thunder and lightning"
  THE GRAVEMEN  "The gravemen"
  BARN OWL  "Lost in the glare"
SOVIET SOVIET "Summer Jesus" Ep
JACK OBLIVIANS "Rat city"
  DIRTY BEACHES  "Badlands"
  ADOLESCENTS   "The fastest kid alive"
STRANGE FLOWERS "The grace of losers"
THE OUT KEY HOLE "Dreams in waking state"
MIKAL CRONIN "Mikal Cronin"
ANUSEYE "Anuseye"
  THE DEATH OF ANNA KARINA "Lacrima pantera"
ATLAS SOUND "Parallax"
SEASICK STEVE "You can't teach an old dog new tricks"
ZEN CIRCUS "Nati per subire"
MARIANNE FAITHFUL “Horses and High Heels”
ONE DIMENSIONAL MAN "A better man"

SCOTT MATTHEWS: "What The Night Delivers" (Uscita: 5 settembre 2011, San Remo)

2012-01-06T16:31:00.003+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Accantonate ormai le classifiche di fine anno come quasi sempre accade ci si ritrova tra le mani il classico disco passato inosservato che inevitabilmente è sfuggito alle nostre orecchie. E’ il caso di questo terzo lavoro del cantautore inglese Scott Matthews da non confondere con l'australiano Scott Matthews di cui io stesso qualche tempo fa vi ho parlato. Non è solo il nome ad accomunare i due artisti ma anche il numero di pubblicazioni, 3 per l'esattezza, di cui l'ultimo pubblicato nel 2011. Parto subito col dire che questo "What the Night Delivers" è il miglior album del cantautore inglese. Spesso accusato di ricordare troppo lo stile vocale di Jeff Buckley con questo nuovo lavoro Scott Matthews dimostra di possedere tutte le carte in regola per porsi all'attenzione di molti. Messe ormai da parte alcune "infelici" incursioni pop rock ("Elsewhere" del 2007), il nuovo lavoro suona ora maturo e intenso come non mai. "What the Night Delivers" è un disco che ci racconta la notte, con i suoi paesaggi lunari e il suo fascino misterioso. Un folk malinconico dal sapore crepuscolare tinge di colori ammalianti le 10 composizioni di un album magnetico, dove non mancano momenti di suggestione Drake-iana. Le splendide armonie create dalla chitarra di Matthews si fondono con la sua voce, timida, tenue, per creare uno strato sottile di pura emozione, ampliato da un'orchestrazione che vede l'inserimento anche di sitar e tabla: la notte in tutta la sua bellezza incantata.

Michele Passavanti

San Remo Records/Scott Matthews

LAURA: “Twelve hundred times” (Uscita: 14 ottobre 2011, Autoproduzione)

2012-01-05T20:30:00.000+01:00

Laura è una band post-rock proveniente da Melbourne, in Australia, con una decina di anni di attività alle spalle e quattro uscite musicali all’attivo. “Twelve Hundred Times” è il loro terzo album. L’essenza del disco è ben rappresentata dalla copertina dell’album che mostra una immagine al microscopio di un granello di cenere vulcanica ingrandita 1200 volte e caratterizzata da un’ampia varietà di sfumature di grigio e di colori freddi, quasi una olografia. La band ha raccontato
di essere rimasta impressionata dalle immagini dell’ eruzione e dell’esplosione di cenere del vulcano islandese Grimsvotn. Ogni evento drammatico porta sempre con sé le condizioni per una rinascita ed è noto che le terre attorno ai vulcani sono particolarmente fertili. E’ questa la visione su cui ruota “Twelve Hundred Times”, un disco dalle atmosfere grigie e cineree. La luce è offuscata da una polvere sottilissima di cenere. Tutto è terribilmente controllato nella drammaticità e nella desolazione e non vi è spazio alcuno per l’emotività. Ma una rinascita sorge sempre sulle ceneri di eventi terribili, almeno questa è la speranza. Un album cupo e raffinato, forse un po’ fiacco nella seconda parte, ma con molti momenti di grande spessore come il brano d’apertura Visitor, la potente e malinconica This Grey Earth (da apprezzare il video ufficiale della band) e la conclusiva New Safe Confinement.

Felice Marotta

Laura

BRETT ANDERSON: “Black Rainbows” (Uscita: 4 ottobre 2011, Ba Songs, Emi)

2012-01-05T19:00:00.009+01:00

# Cautamente Consigliato

A distanza di quattro anni dalla sua ultima fatica solista ed a ridosso dell'uscita del disco degli Suede di cui fa parte, torna Brett Anderson con “Black Rainbows”, un disco composto da dieci tracce di pop melodico, languido e vagamente melanconico, nobilitato dalle sue distintive doti vocali. Chi scrive ha sempre apprezzato gli Suede per le doti strumentali e compositive del transfuga Bernard Butler,
sicuramente una spanna sopra i suoi colleghi, ma che comunque non farà parte della band. E qui verte il problema: Anderson ha sempre propeso per una deriva molto pop, diventata forte anche nei dischi degli Suede post-Butler, e nei suoi dischi solisti ha premuto l'acceleratore in questo senso, producendo musica innocua se non addirittura fastidiosa. Fortunatamente in questo disco le melodie sono piacevoli e si lasciano ascoltare, soprattutto nella prima canzone Unsung, nella piacevolmente rockeggiante The Exiles ed in Crash about to happen. Detto ciò, non si può parlare di disco brutto ma neanche di un capolavoro: è una fatica musicale dignitosa e sicuramente superiore ai dischi solistici precedenti, che si può ascoltare con soddisfazione. Aspettiamo sicuramente con più interesse il nuovo lavoro degli Suede. Cautamente consigliato

Vincenzo Erriquenz

Brett Anderson

MAGNETIX: “Drogue Electrique” (Uscita: 11 Ottobre 2011, Slovenly Records)

2012-01-05T18:00:00.000+01:00

Esce per l’etichetta americana Slovenly Records “Drogue Electrique”, nuovo disco del duo francese Magnetix, gruppo che fonde garage rock e rumoristica elettronica riletta secondo un dettato estetico che si rifà alle atmosfere fantascientifico-apocalittiche della science fiction più radicale. Così sul sito della band i Magnetix si presentano, con parole che sembrano uscite direttamente da un romanzo di William Gibson o dal più famoso fumetto cyberpunk francese,
quel Metal Hurlant che ha avuto così tanta influenza sulla fantascienza degli ultimi anni:

“2023 : On a suffocating and collapsing planet, the human evolution no longer exists and heads faster and faster into a growing regression [...] Humans will always need solid and liquid substances to satisfy their affective and addictive deficiency. Beyond its own perversity, electricity supplying machine factories will quickly turn into "sensual factories". La "drogue électrique", E.D, is now insufflated into every individual's decadent everyday life. Day after day la drogue électrique stretches out the little rationality remaining into a neurotic web that lets all its bases go off one after the other”

Ma come si trasformano in musica queste premesse “ideologiche”? L’attitudine preme verso il low fi più spinto, con le chitarre iper-fuzz in primissimo piano, che fagocitano spesso e volentieri il resto degli strumenti, relegando spesso la batteria in lontananza, letteralmente sovrastata dal reverbero, e fondendo il garage (o meglio avant-garage) di base con una certa attitudine shoegaze (come una sorta di Vaselines sotto steroidi, o, al contrario, di Davie Allan sotto extasy). La voce metallica e monocorde (che alterna nel cantato inglese e francese), inoltre, crea un effetto di distacco di marca dark-wave, producendo stridori che si vanno ad aggiungere al turbine di distorsioni di cui il disco abbonda. Il suono prodotto dalla band ricorda vagamente certe incursioni crampsiane verso il lato più tribale e selvaggio del garage rock, strade già percorse anche dai Gun Club, solo per aggiungere un altro, pur vago, parametro di confronto (si prendano in considerazione brani come Rest of my life, LR 6 o Spider in the corner). Il tutto è però portato alle estreme conseguenze, e a tratti esasperato e percorso da avanguardismi rumoristici alle volte un po’ fini a loro stessi. In Velvet eyes emerge, già dal titolo, l’altra grande influenza del gruppo, i Velvet Underground appunto. Il pezzo è una ballata-litania Nico-style cui manca solo la viola acida di John Cale a cesellare il tutto. Un disco tutto sommato onesto, ma che certo non cambierà le sorti del rock europeo, e in cui lo spirito “fantascientifico” sa più di retrò che di sguardo verso il futuro.

Luca Verrelli

Slovenly Recordings/Magnetix

VIL ROUGE: “Immacolato caos” (Uscita: 10 ottobre 2011, Horus/Audioglobe)

2012-01-05T12:37:00.002+01:00

Sulla leggerezza. Così si potrebbe intitolare un fantomatico trattato circa l’opera prima di Vil Rouge, se mai si volesse intraprendere un’impresa calligrafica tanto assurda. Ma a ben sentire, l’onirico e l’immaginifico permeano i testi della giovane cantautrice toscana, che usa questa chiave per aprire all’ascoltatore una finestra sul suo intimo, reale sentire. E riesce a convincere: salde sono le radici
di una nuova pianta nata nel panorama musicale, un percorso compositivo che può sicuramente maturare in frutti rossi e succosi. Calibrandomi sull’onda di “Immacolato caos” e pensando ad un’immagine che lo descriva, mi lascio suggestionare da un’Alice nel paese delle meraviglie che per inseguire il Bianconiglio è finita in un bosco di cristallo, dove bisogna muoversi con discrezione per non frantumare tutto ma, allo stesso tempo, tendendo l’orecchio si ode il vento far suonare ogni petalo. E la musica, accuratissima per scelte espressive ed esecuzione, in questo lavoro gioca un ruolo fondamentale, come la colonna sonora di un film sostiene la descrizione dei vari scenari. Allora le tessere cadono davvero in Effetto domino, così come pure le illusioni: “C’era una volta una bambina che camminava nel bosco, di notte, e mano nella mano col suo lupo non visse felice e contenta, ma visse”.
Capire che le favole non esistono e le paure vanno affrontate, è quasi una scoperta piacevole, se a dirtelo è la voce pura di Vil ne Il lupo. All’improvviso però i toni si stemperano e si accende un’Abat-jours nell’intimità della propria stanza, dove ritagliare pezzi di vecchie foto per costruire i ricordi, con Nina Simone seduta sul bordo del letto.

Se poi dormire è difficile perché siamo troppo stressati da ciò che non ci serve, basta provare a sintonizzarsi su René’s lullaby: una Sirena ci rassicurerà dicendoci che in fondo va tutto bene. Il pezzo più penetrante dell’album, a mio avviso; lo si incontra nuovamente anche come ghost track in una versione più sporca. A seguire Controgravità, Immacolato caos, title track in punta di pennello, lascia una scia rossa jazzata che poi diventa sempre più nera, elettrica e rockeggiante e Unimpressive, unico pezzo in lingua inglese scritto, suonato e cantato da Sir Rick Bowman, fratello di Vil, con cui duetta. Si arriva così a Leggenda di Natale, cover di un brano non conosciutissimo di De Andrè: confrontarsi con lui è sempre molto ardito, ma la scelta fatta è buona e la voce lavora bene arricchendolo con un tocco voluttuoso. Burocrazia emotiva è un’altra highlight del disco, musicalità trascinante e buon testo:
“Disteso al centro del mondo ne ottieni solo il contorno, sei solo proiezione destinata a vivere in fondo, come una firma a garanzia schiva di tutta questa burocrazia emotiva”.
Per finire senza far rumore Le ultime parole che ho per te, una classica ballata. Un disco molto femminile quello di Vil Rouge, ovvero Valeria Caliandro, che dalle prime note mi ha fatto pensare come attitudine a Cristina Donà, così come pure a Mara Redeghieri ai tempi degli Üstmamò. Grande l’apporto dei musicisti della line-up, Jacopo Ciani, Luca Cantasano, Cristiano Bottai e Elvira Muratore ospite in alcuni brani. Undici istantanee appese al filo per dirci che anche le bambole crescono.

Valentina Loretelli

Foto Live: Christian De Martino

Vil Rouge My Space

MOVIES: "Ligabue Campovolo" il film in 3D

2012-01-04T18:00:00.000+01:00

Ecco tornare sul grande schermo un genere tramontato, quello del “rockumentario” in voga principalmente negli anni settanta. “Ligabue Campovolo” racconta il grande concerto di Luciano Ligabue organizzato il 16 luglio scorso, serata conclusiva del trionfale tour Campovolo 2.0, nell’area dell’aeroporto di Reggio Emilia,

dinanzi a 120 mila fan. Il film coprodotto da Riservarossa e F & P Group (distribuzione Medusa), sa sapientemente miscelare le immagini del concerto (regia di Cristian Biondani) e quelle di un docufilm (regia di Marco Salom), in un viaggio all’interno della vita del rocker emiliano, dove grazie alla tecnica 3D (prima volta utilizzata per un live italiano) lo spettatore viene letteralmente catapultato sul palco, vivendo in prima persona le emozioni del concerto. Immagini del backstage e soprattutto di vita, di Ligabue nella sua Correggio con i suoi amici d’infanzia, ben si fondono quindi a quelle dello spettacolo, in una sorta di biografia musicale, per un evento musicale assolutamente unico, al quale migliaia di persone accampate con sacchi a pelo e tende, hanno assistito giungendo da ogni parte d’Italia. Le sequenze del live elettrico, alternano le esecuzioni delle hit storiche del cantautore alla presentazione di tre inediti (M’abituerò, Sotto bombardamento, Ora e Allora) rimasti fuori produzione nei precedenti album, ma anche ai primissimi concerti che lo hanno visto suonare all’interno di una piccolissima tecnostruttura situata a trenta metri da dove, vent’anni dopo, è stato allestito l’immenso palco di oltre novanta metri di Campovolo. Ottima prova quindi, per un progetto decisamente ambizioso, con una regia discreta e mai invasiva malgrado l’uso del 3D, senza eccessivi effetti, che sa cogliere la spettacolarità di quel concerto trasmettendo tutta l’energia che solo il grande Liga sa trasmettere al suo pubblico.

Claudia Mastrorilli

Le Luci della Centrale Elettrica: "C'eravamo abbastanza amati" (Uscita: 2 dicembre 2011, allegato a La Repubblica XL di dicembre 2011, Dischi La Tempesta))

2012-01-04T17:00:00.001+01:00

Davvero singolare la figura del cantautore ferrarese Vasco Brondi, classe 1984, che si fa notare a soli 23 anni con uno splendido demo autoprodotto, col bizzarro ma significativo art-name Le Luci della Centrale Elettrica, che conquista rapidamente consensi nel circuito indie fino all'album d'esordio a nome "Canzoni da spiaggia deturpata" (2008), prodotto e suonato anche da Giorgio Canali con le sue tipiche chitarre grattate e contenente le stesse 10 songs del precedente solo presentate in ordine diverso.
Non sto qui ad entrare nella discussione se sia meglio il demo o meglio l'album che ha tristemente riempito le pagine web, ognuno terrà la sua opinione, meglio parlare del disco successivo "Per ora noi la chiameremo felicità" (2010) altrettanto riuscito come l'altro: a livello musicale però non si nota la benché minima evoluzione, un gran bel disco, splendidi pezzi ma poco coraggio nel cambiare timbro sonoro, i soliti testi frammentati con pezzi di liriche incollati tra di loro, davvero originali e unici nel panorama nostrano, molto rappresentativi del decennio zero e della cosiddetta nuova leva cantautoriale. Ritengo questi due(tre) lavori tra le cose migliori prodotte recentemente dalle nostre parti, la mia quindi non è una critica al lavoro di Vasco, solo una constatazione e una speranza a continuare su questa strada magari con soluzioni diverse.

Adesso a fine 2011 Brondi ci omaggia a sorpresa con questo interessante ed originale ep di 8 tracce, "C'eravamo abbastanza amati", in allegato al mensile della Repubblica XL, che si presenta con una copertina stilizzata ad immagine e somiglianza di quella dello splendido "Rid of me" dell'amata PJ Harvey. Come spiega il nostro nell'intervista inclusa "avevo questa canzone (la title track ndr) per le mani e mi piaceva inciderla quanto prima", quindi invece di uno scarno singolo Vasco ha pensato bene di buttare dentro anche 3 covers di altrettanti brani significativi che per lui e per il suo percorso artistico hanno rappresentato qualcosa. Davvero particolari e molto riuscite le rendition di Summer on a solitary beach (Battiato), Emilia Paranoica (CCCP) Dolce amore del Bahia(De Gregori), con la voce di Brondi perfettamente a suo agio, nel brano dell'ex band di Ferretti; interessante il confronto con la dirompente versione che sempre quest'anno ci hanno proposto Angela Baraldi e Massimo Zamboni. Vasco la rielabora a modo suo, alla grande, non facendoci rimpiangere il mitizzato originale dei (poco alla lunga) fedeli alla linea. Bello l'inedito che intitola il disco mentre altri quattro canzoni completano il disco, tre registrate dal vivo a Verona il 3 settembre di quest'anno, Piromani si eleva su tutte, cattivissima, otto minuti deliranti da incubo metropolitano, da citare anche Oceano di gomma cantata con Manuel Agnelli degli Afterhours, titolari del pezzo stesso. A chiudere il tutto anche una nuova versione di L'amore ai Tempi dei Licenziamenti dei Metalmeccanici, titolo e canzone bellissima, in questa veste davvero magica con la voce sdoppiata dall'eco, insomma una delle cose migliori incise delle Luci della Centrale Elettrica, un pezzo simbolo di quest'era italica disastrata. Vasco Brondi promuoverà il disco in una tournée di circa tre mesi, da dicembre a fine febbraio da nord e sud, una ventina di date per farsi conoscere da chi ancora non lo ha ammirato on stage od un' ottima occasione per rivedere uno dei migliori talenti della nostra scena indie.

Ricardo Martillos

Le Luci della Centrale Elettrica official site

PROFILES - MOD CULTURE - THE SMALL FACES: "All Or Nothing"

2012-01-04T14:04:00.001+01:00

Per i non più giovani il nome di STEVE MARRIOTT rimane e rimarrà prima di tutto avvinghiato a filo doppio agli SMALL FACES, prima ancora che agli HUMBLE PIE, meraviglioso ensemble in attività tra la fine dei 60 ed i primi 70. Steve Marriott morì nel 1991 a soli 43 anni e non di decesso naturale: un destino amaro
accomuna alcuni dei nostri eroi giovanili, quando non è di droga o alcool, si tratta di circostanze violente o strane, in questo caso l’incendio del cottage di Marriott. Una morte che certamente Steve non meritava, aveva lavorato, inciso, si era esibito sino alla fine, sempre motivato da un’insana passione per la musica forte e viscerale, blues e rythm & blues innanzitutto, che lo consumava sin da quando era uno dei mods più amati della Swinging London. Inconfondibile, unica quella voce da teen-ager perennemente incazzato, giocata ai limiti delle sue possibilità tonali, quasi isterica; sapeva essere però anche malinconico, carezzevole, come Roger Faltrey, Eric Burdon, Mick Jagger, Steve Winwood, come loro Steve esprimeva sino in fondo con la sua espressività esasperata le frustrazioni e la rabbia della generazione inglese dei sixties

THE SMALL FACES e la scena Mod inglese
THE SMALL FACES, la band rivale degli WHO, che dominavano la parte di Londra opposta a quella est dove vivevano ed agivano Marriott e c., particolari che abbiamo appreso in seguito: in Italia noi che usufruivamo da molto lontano della rivoluzione musicale e di costume beat anglosassone non facevamo molto caso alle etichette ed al differenziarsi delle frange ribelli giovanili in mods, rockers, teddy boys, molto forte nel Regno Unito (come poi stigmatizzato da film quali “Quadrophenia”). In Italia la cultura beat uniformò un po’ tutto e fu vissuta (non sempre) soprattutto in termini di abbigliamento e di nuove fogge - a caschetto, lunghi - dei capelli, aspetti indubbiamente importanti anche per la cultura mod inglese: gessati, cravatte strette, camicie dal collo rotondo erano i capi preferiti di Townshend, Daltrey, Marriott, Lane, una certa eleganza classica di estrazione piccolo o medio borghese, come la provenienza sociale di molti di loro. Qualche anno dopo tutto sarebbe stato spazzato via dalla straccioneria multicolore hippie! L’unico che si preoccupò di informarci ufficialmente dell’esistenza dei mods fu un certo Ricky Shayne che riscosse un certo successo in Italia con un brano che s’intitolava appunto Uno Dei Mods. Altre caratteristiche generazionali della cultura Mod come l’amore per le anfetamine ed il rhythm & blues americano, il detroit-sound della Tamla Motown, rimasero in Italia quasi del tutto sconosciute. Saldo cordone ombelicale invece con l’Italia degli anni ’60 l’adozione ufficiale come mezzo di locomozione da parte dei mods di Lambrette e Vespe di fabbricazione nostrana, opportunamente e maniacalmente accessoriate di decine di specchietti retrovisori, un marchio di fabbrica che resisterà tenacemente nei decenni successivi, parallelamente ai ripetuti mod-revival. Gli Who e gli Small Faces dunque furono nella prima metà degli anni ‘60 i capostipiti potenti e più qualificati del mod-sound, profondamente influenzato dalla musica nera, soprattutto rhythm & blues e soul, ma lo erano ad onor del vero il 99,9 % delle bands anglosassoni della prima metà 60. Sul versante mod c’erano naturalmente e per altri versi i Kinks dei fratelli Ray e Dave Davies, che si spostarono quasi subito però sul versante della satira sociale: altre ottime o buone bands, certamente minori rispetto ai capiscuola, The Poets, Amen Corner, Timebox, Eyes Of Blue, Mockingbirds, The Attack ed altre scivolate in ambito freak beat come i Birds di Ron Wood, The Creation, Mark Four, The Syn, The Fairytale, Loose Ends furono riconosciute nel loro valore, riabilitate e ristampate tempo dopo grazie allo strenuo lavoro degli addetti ai lavori, degli appassionati e delle bands neo-mod anglosassoni (Jam, Merton Parkas, Secret Affair, Chords, Purple Hearts) che a partire dal declinare dei 70 e nei primissimi anni 80 diedero vita a vivaci revival mod. Per avere un quadro esauriente e ben coordinato dell’estrema fertilità e creatività musicale dei sixties inglesi si consiglia la ristampa del 1998 su 5 cd da parte della Deram dei Decca Originals, divisi in “The Mod Scene”, “The Freakbeat Scene”, “The Northern Soul Scene”, “The R&B Scene” e “The Beat Scene”, 125 brani in tutto corredati da ottime liner notes, il tutto a cura di Dorian Wathen, John Reed e Phil Smee: alcune delle bands interessate compaiono in suddivisioni diverse della scena, e questo dimostra come fosse e sia impossibile racchiuderle in un genere preciso, e come in quella scena fantastica ci fosse un continuo e fluido ricambio di approcci ed influenze musicali.

Small Faces: il periodo Decca
Un fil rouge collega le diverse generazioni mod: i primi Who incidono ad esempio Please Please Please i I Don’t Mind di James Brown nel primo album “My Generation” (Decca, 1965), la gloriosa Heat Wave di Martha & The Vandellas, uno degli inni della Tamla Motown: brano che fu rivisitato dai Jam di Paul Weller (strenui continuatori della tradizione mod) nell’album “Setting Sons” (Polydor, 1979), elettrificato a dovere ed interpretato con furore virile. Ma già nel loro secondo album, “This Is The Modern World” (Polydor, 1977) i Jam avevano resuscitato un altro indistruttibile hit r&b di scuola Stax, In The Midnight Hour di Wilson Pickett. Dal canto loro gli Small Faces violentarono con furia l’elegante Shake di Sam Cooke in "Small Faces", 33 giri targato Decca (1966): e non esagero perché la furia iconoclasta che caratterizzava gli Small Faces nel 65-66 non aveva rivali, e li portava ad introdurre nella tradizione tutto un campionario di chitarre ed organo sferraglianti, ritmi serrati mozzafiato, superando in tribalità e violenza espressive gli stessi Who che in alcuni casi (e mi prendo tutta la responsabilità di ciò che scrivo) in confronto a loro erano delle mammolette. Ci sono degli episodi sul primo 33 giri degli S.F. assolutamente selvaggi, giocati a volte su uno o due accordi martellanti sino allo sfinimento, come Come On Children, Don’t Stop What You Are Doing, in cui Marriott sembra il maestro di cerimonie di un rito bianco forsennato, ad altissima temperatura, con ineffabili cali e picchi d’energia sudata. I suoi compagni di band, Ronnie Lane, Ian McLagan, Kenny Jones facevano da cassa di risonanza ai richiami invasati di Marriott, alle sollecitazioni continue a muoversi, a fare sesso, a vivere in modo ribelle! Il basso martellante di Ronnie ‘Plonk’ Lane, l’organo inquieto ed avventuroso di Ian McLagan, la batteria caracollante di Kenny Jones erano assolutamente funzionali alla grinta priva di compromessi e negroide ed alla chitarra sferzante di Steve Marriott. Preme sottolineare il ruolo di primo piano dell’organo di McLagan, caldo ed avvolgente, artefice primario delle torride atmosfere mod-rock di tanti brani, anche strumentali, quali You Need Loving, Tin Soldier, Own Up, What’cha Gonna About It, Itchicoo Park; è proprio grazie ad artisti come Mc Lagan e Brian Auger che lo strumento organo (modificato in alcuni casi con effetti come il Leslie) ha trovato una sua precisa collocazione, delle nitide coordinate, nel panorama della musica rock e pop dei 60, 70 giù giù sino ad oggi. Al primo omonimo bellissimo album per la Decca seguono una serie di stupendi 45 giri (tutti grandi successi), quali Watcha Gonna Do About It? (65), le arcinote Sha Lala La Lee, Hey Girl, All Or Nothing, (n° 1 nelle classifiche), My Mind’s Eye (tutte del 67), Here Comes The Nice (67), ed un album “From The Beginning” (67) che ha il grande merito di mettere insieme tutti i singles di successo usciti tra il 65 ed il 67.

Small Faces: il periodo Immediate
Ma nel 1967 la svolta: firmano per l’etichetta Immediate, fondata e gestita da Mick Jagger, Keith Richards ed Andrew Loog Oldham, per la quale incidevano artisti come Chris Farlowe ed uscirono con un 33 giri pieno di chitarre acustiche, clavicembali, mellotron, pianoforti e fiati. Nel 2002 esce “THE SMALL FACES: First Immediate LP, 35th Anniversary Edition" (Castle Music - Sanctuary Record) e viene così festeggiato alla grande la ricorrenza. Vi rimando al mio articolo scritto in quell’anno. Uscito in America con il titolo “There Are But Four Small Faces” l’album è davvero un giro di boa nella visione musicale tipicamente mod-r&b con cui i quattro avevano raggiunto il successo nel periodo Decca '65-'66. La violenza dei primordi era temperata a favore di brani tristi, ballate malinconiche, e qualche bagliore psichedelico, segno dei tempi che si approssimavano. L'album, uscito il 23 Giugno 1967, é un primo tentativo abbozzato di STEVE MARRIOTT e c. di concept-album e di soffice psichedelia attraverso le melodie accattivanti e dilatate di Feeling Lonely, Become Like You, Eddie's Dreaming, Up The Wooden Hills To Bedforshire, Green Circles. Scrive David Wells nelle preziose note dell'esauriente booklet di questa ristampa imperdibile:
‘Nel 1967 The Small Faces stanchi dei clichés di 'mods scapestrati' in cui la Decca li aveva ingabbiati e dei dissapori/incomprensioni con i managers della potente etichetta Don Arden e Tito Burns firmano per la nascitura Immediate sulla scia di altri artisti come Chris Farlowe ed Amen Corner. Una dichiarazione di rinnovato feeling positivo dopo la depressione che aveva attanagliato la band alla fine del rapporto artistico con la Decca, degli Small Faces rivitalizzati e di nuovo con tutti i cilindri che girano a mille'.
E' il tastierismo immenso ed innovativo di Ian McLagan, un maestro in tutti i sensi, a coadiuvare Marriott, e vocalmente il poderoso bassista Ronnie 'Plonk' Lane con piglio delicato e sardonico in molti brani (quelli succitati). La vecchia insana passione mod di Steve per il r&b emerge ancora prepotentemente in Have You ever Seen Me e Talk To you, altri due robusti smash-hits r&b; il suo inconfondibile ardore rock sigla poi degli autentici classici come My Way Of Giving, Get Yourself Together ripresi nelle decadi successive da bands essenziali quali Only Ones e Jam. Get Yourself Together, reinterpretata dai Jam in gioventù si può ascoltare nella raccolta “Extras”. Il fascino, il carisma discreto e prepotente nello stesso tempo, l'influenza di questo album giunge sino agli anni 90, in alcune produzioni garage americane della In The Red Records (Now Time Delegation) e della Estrus. Esempio lampante l'efficace cover di un nume del garage americano, Tim Kerr nell’album “Total Sound Group” dello strumentale Happy Boys Happy, con l'hammond felice di McLagan protagonista assoluto riportato fedelmente.

Gli Small Faces sopravviveranno ancora due anni, sino al 1969: brano chiave per la loro evoluzione artistica fu Itchicoo Park, grande successo negli USA, freschissimo, a dimostrazione della classe eccelsa raggiunta dal binomio Marriott-Lane. L’inciso della song era bellissimo e psichedelico, con la novità del ‘phasing’ applicato alle voci, all’organo ed alla batteria. Ma il regalo più bello ai loro fans gli Small Faces lo fecero nel 1968 con l’album “Ogden’s Nut Gone Flake”, ineccepibile sotto tutti i punti di vista e dimostrazione dell’alto livello artistico/ispirativo/di sound raggiunto in pochissimo tempo. “Ogden’s Nut Gone Flake” fu uno dei primi album-concept, tendenza che si sarebbe allargata a macchia d’olio, che narrava stralunate vicende giovanili con un’accentuata dose di grottesca ironia. E’ passato alla storia anche per la copertina circolare a forma di tabacchiera. Il sound del gruppo in questi solchi è devastante ed insieme raffinato: prima di tutto la famosa Lazy Sunday, che sembra la continuazione di Itchicoo Park, una spiritosa ed insolente performance di Steve passata alla storia. All’intro strumentale Ogden’s Nut Gone Flake, dal sapore molto psichedelico (o freak beat che dir si voglia), con tanto di archi, fa seguito la violenta e passionaria Afterglow e la ballata quasi demenziale Rene. Song Of A Baker porta un’incredibile ventata hard che testimonia la potenza strumentale dei tardi Small Faces. Le fa eco con uguale impatto emotivo sull’altra facciata Rollin’ Over. La seconda side è un susseguirsi molto creativo di soluzioni acustiche e deliziosi quadretti pop. Nel 1969, il de profundis, l’uscita del doppio vinile “Autumn Stone”, sorta di Greatest Hits contenente anche due live tracks registrate in Germania. Subito dopo l’inquieto Steve Marriott inizia un’altra esaltante avventura, quella degli HUMBLE PIE, ne parleremo diffusamente in un’altra sede. Ian McLagan, Kenny Jones e Ronnie Lane si uniscono invece a Rod Stewart ed a Ron Wood (provenienti dal Jeff Beck Group) e mettono su i FACES, altra band cardine inglese degli anni 70. I 70 inoltre assistono ad una reunion degli Small Faces ed all’uscita di due dischi passabili, “Playmates” (1977) e “78 In The Shade” ma nulla di più.

Per coprire il periodo Decca si consigliano i 2 cd di “The Decca Anthology 1965-1967 “(Decca, 29 Aprile 1996), per il periodo Immediate imperdibile il box set di 4 cd “Immediate Years” (Charly Records, 23 Feb 1995).

Wally Boffoli

Small Faces

SMALL FACES DISCOGRAPHY
# Consigliato da DISTORSIONI

Singles

Albums

# Small Faces (1966)
# From the Beginning (1967)
# Small Faces (1967)
# There Are But Four Small Faces (1968) (edizione USA di Small Faces del 1967)
# Ogdens' Nut Gone Flake (1968)
# The Autumn Stone (1969)
 Playmates (1977)
 78 in the Shade (1978)
Live
 Live UK 1969 (1978)
 BBC Sessions: 1965-1968 (2000)
° Autumn Stone (2000)
 Nice (2001)
Raccolte
The Autumn Stone (1969)
 In Memoriam (1970)
 Wham Bam (1970)
 Early Faces (1972)
 The History of Small Faces (1972)
 Archetypes (1974)
 Amen Corner & Small Faces (1975)
 Rock Roots (1976)
# Immediate Years Box 4 cd (1995)
# The Decca Anthology 1965-1967 2 CD (1996)
 Itchycoo Park (1999)

DIAMONDS - Red House Painters: “Down Colorful Hill” (1992, 4AD)

2012-01-03T22:10:00.010+01:00

Sei pezzi,sei canzoni, sei sospiri. E non puoi chiedere di più. Mark Kozelek ed i suoi Red house painters consegnano alla storia uno dei più grandi capolavori di folk-(post) rock minimalista di sempre. Potremmo citare i soliti Codeine per quanto riguarda l'atmosfera rarefatta che si respira e gli American music club più intimisti ed ancora non avremmo individuato appieno la grandezza di questo disco. 24 è il primo pezzo dell'album, dilatatissimo, con pochi tenui accordi di chitarra e sonnolenti rintocchi di basso. I colpi della batteria
si contano sulle dita di una mano. Sopra a tutto questo arriva la splendida voce di Kozelek, priva quasi di emozione eppure così drammaticamente malinconica e disperata. Una disperazione così totale che si trasforma in modo di essere. Rassegnazione non è ancora la parola giusta. Medicine bottle, il secondo brano, è la canzone più lunga del disco. I colpi secchi e precisi della batteria sono da manuale. Il basso è cupissimo e la voce ancora una volta intona quasi un mantra di desolazione. Un viaggio nella solitudine più profonda e angosciante. Kozelek sembra camminare come un funambolo sopra il baratro, potrebbe cadere da un momento all'altro ma non sembra preoccuparsene. Parla apertamente di suicidio come di una possibilità. Ma è stanco, così stanco che il togliersi la vita si svuota di qualsiasi significato. La terza traccia, la title track per essere precisi, segue il passo ed il ritmo di una marcetta che quasi si scontra con il dolore profuso nelle altre canzoni rendendo il brano uno dei più teneri e commoventi di tutto il disco. Japanese to english è forse il capolavoro assoluto dei nostri. Di certo può fregiarsi dell'arrangiamento più complesso. Da ascoltare e riascoltare. Il tema iniziale si spande sulla solita landa desolata per poi accendersi a circa metà percorso e quindi ritornare al punto di partenza.

La musica dei Red house painters si può definire "semplicemente complicata". Il minimalismo non deve trarre in inganno in quanto siamo di fronte a partiture folk-rock certamente rarefatte ma superbe. Lord kill the pain è il pezzo più ritmato, quasi suonato allegramente. Un intermezzo che spiazza l'ascoltatore,ormai a questo punto totalmente immerso nella malinconica atmosfera di "Down colorful hill". Infine è Michael a chiudere il disco con commovente semplicità, proprio come era iniziato. Una disarmante canzone dedicata ad un amico('my best friend', dice Kozelek) scomparso che ancora una volta arriva, con naturalezza, dritta dritta al cuore e all'anima di chi ascolta. La musica mai sopra le righe dei Red house painters è perfetta. Ci vuole una grande forza di volontà e di concentrazione per suonare in questo modo senza perdersi d'animo. La stessa intensità e partecipazione è richiesta all'ascoltatore. Si è persa l'abitudine di ascoltare musica, da soli, nella propria stanza, fondendosi con essa. Non vedo in che altro modo si possa ascoltare e assimilare un disco come questo. Possiamo reagire in due modi. Possiamo pensare che sia "troppo" e, presi dalla paura, dichiarare che Kozelek è soltanto un frocio depresso e che questa musica è per froci depressi, e così mettere nel lettore un vecchio cd dei Metallica o degli Slayer e correre ad iscriverci ad una palestra di pugilato per sentirci "veri" uomini. Oppure, coraggiosamente, accettare senza mezze misure le nostre debolezze e contemplare l'abisso che Kozelek e soci ci mostrano.

Andrea Fornasari

Mark Kozelek

The Drift: “Blue Hour” (Uscita: 4 Ottobre 2011, Temporary Residence)

2012-01-03T21:30:00.000+01:00

“Blue Hour”, terzo full-length dei californiani Drift, è un album indelebilmente segnato dalla perdita del trombettista ed amico Jeff Jacobs. La presenza di Jeff si avverte in quasi tutti i brani dell’album, in quelli che risaltano per l’assenza di quel groove avvolgente che caratterizzava i precedenti lavori (chi ha dimenticato le atmosfere di “Memory Drawings”?), in quelli invece dedicati espressamente all’amico perduto. Senza Jeff Jacobs,
il suono di “Blue Hour” si sviluppa necessariamente per sottrazione. Abbandonate quasi del tutto le sonorità dub and jazz, Danny Grody (chitarra/tastiere), Rich Douthit (batteria) e Trevor Montgomery (basso) accentuano il carattere ipnotico del loro sound attraverso ritmiche ossessive e dilatazioni esasperate. L’album inizia con il groove incalzante ed ripetitivo di Dark Passage che rievoca le immagini noir in bianco e nero dell’omonimo film con Humphrey Bogart e Lauren Bacall, mentre Bardo I (e successivamente Bardo II) sviluppano un ambient molto minimale ed ascetico, una sorta di esperienza intermedia tra due vite terrene. Le immagini cinematiche ed i ritmi martellanti sono ripresi in Horizon e successivamente in Continuum, mentre The Skull Hand Smiles/May You Fare Well e la conclusiva Fountain sviluppano sonorità diluite e spacey che sembrano fluttuare indefinitamente. Un album che non delude.

Felice Marotta

Temporary Residence

Liturgy: “AESTHETHICA” (Uscita: 5 maggio 2011, Thrill Jockey)

2012-01-03T21:00:00.000+01:00

Il black metal è un genere in continua evoluzione, basato su un nucleo forte che affonda le radici nelle forme molteplici dell’oscurità (sia essa il male, l’odio, il demonio, la natura oscura, l’esoterismo, etc.) ma capace nel tempo di estendersi e trasfigurarsi in direzioni tra loro molto diverse. In questo panorama cosi ampio e variegato, spicca “Aesthethica”, ultimo album dei newyorkesi Liturgy. Già dalla copertina ci si rende conto che questo
album costituisce qualcosa di completamente nuovo: due croci nere su sfondo bianco, una croce (presumibilmente) cristiana in posizione verticale ed una anticristiana in posizione rovesciata, disposte in una composizione a formare un quadrilatero, quasi un modulo elementare decorativo. E’ proprio questo carattere ornamentale che impone il lato dissacratore dei Liturgy, che a dispetto del proprio nome, ironizzano e decostruiscono l’essenza stessa della religione, sia essa basata sul culto oscuro (che ispira da sempre il black metal) sia quella basata sul culto tradizionale. La decostruzione avviene attraverso la sconsacrazione del rito e della liturgia (si ascolti True will), che riduce la religione a forma completamente vuota, ad elemento puramente decorativo ed estetico.

Hunter Hunt-Hendrix, front-man dei newyorkesi Liturgy, parla espressamente di “Transcendental Black Metal” e di “annichilimento estatico”, citando tra i propri influssi “filosofici” proprio quel Deleuze che teorizzava la realizzazione di costruzioni aperte, non-lineari, rizomatiche, attraverso la decostruzione delle strutture e delle forme tenute insieme normalmente dal potere reazionario (ivi inclusa la religione). Generation costituisce il vero e proprio manifesto del “Transcendental Black Metal”, brano che si sviluppa attraverso una ripetizione esasperata di un modulo sonoro che varia impercettibilmente nel tempo (il richiamo a “Differenza e ripetizione” di Deleuze non sembra casuale). Le geometrie decostruttive di brani come Returner sono il punto di non ritorno che prendono avvio dall’esaltazione dell’oscuro e del negativo per arrivare all’esaltazione del barocco e della potenza espressiva ed affermativa. “Aesthethica” si sviluppa dunque come un album di transizione che parte dalle forme rituali e per certi versi canoniche del black metal, per arrivare alle forme frattali più minimaliste e sperimentali.
Le cose migliori sono certamente le sperimentazioni strumentali in cui, oltre al Generation già citato, vanno sicuramente segnalati anche Red crown e Veins of god, quest’ultimo vicino a forme di minimalismo sludge ed Harmonia, ispirata al naturalismo rurale dei Wolves In The Throne Room. Un lavoro importante questo album dei Liturgy, che i devoti appassionati al black metal guarderanno giustamente con sospetto per quella carica anti-reazionaria che mina alle fondamenta il carattere rituale e devozionale del genere, ma che va invece visto con particolare interesse per quella enorme carica di “apertura” e di secolarizzazione che normalmente prende vita dopo lunghi periodi di oscurantismo.

Felice Marotta

Thrill Jockey

Terminal Sound System: "Heavy Wheater" (Uscita: 1 maggio 2011, Denovali)

2012-01-03T20:00:00.002+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Il progetto Terminal Sound System nasce nel 2003 per iniziativa di Skye Klein, ex-componente degli Halo, band australiana doom-sludge caratterizzata da una pesantezza particolarmente oscura e malsana. Di quella esperienza i Terminal Sound System recuperano soprattutto l’essenza noise e drone, dando vita a sonorità
elettroniche in cui prevale l’aspetto dissonante e caotico, ben esemplificato dalla copertina di “Compressor” (2007), che mostra una audiocassetta a bobina distrutta con il nastro completamente aggrovigliato. Con questo ultimo "Heavy Wheater" i Terminal Sound System abbandonano la cacofonia caotica dei loro precedenti lavori per costruire brani più ariosi e ambientali, ben rappresentati dall’immagine di copertina che mostra questa volta un paesaggio naturale in cui lo sguardo è catturato da pesanti nuvoloni illuminati da una luce molto intensa. E’ infatti ampio lo spettro di questo "Heavy Wheater", che oscilla dalle sonorità ambient molto evocative di Run Just Run, al maestoso ed arioso Lords Of The Living. Masters Of The Dead, dal drone-noise industriale di Long Division al trip-hop malsano di Tides. "Heavy Wheater" è una sorta di black-box davvero sorprendente, piena di atmosfere luminose e di buie tempeste. Consigliato.

Felice Marotta

Denovali

THE UNTHANKS: “The Songs of Robert Wyatt and Antony and the Johnsons, Live From The Union Chapel (Diversions vol.1)” (28 Novembre 2011, Rough Trade)

2012-01-03T14:23:00.022+01:00

# Consigliatissimo da DISTORSIONI

Le sorelle Rachel e Becky Unthank, titolari di uno dei migliori gruppi di folk oggi in circolazione, ci offrono, dopo “Last” uscito in primavera, il secondo album di un prolifico 2011 che le ha viste impegnate in diversi progetti che la serie Diversions, a partire da questo, intende testimoniare. “The Songs of Robert Wyatt and Antony and the Johnsons, Live From The Union Chapel" ripropone il live di due
concerti tenuti a Londra nel dicembre 2010 nel corso dei quali The Unthanks, per l’occasione accompagnati da un quartetto d’archi, si sono cimentati con le canzoni di due grandi autori come l’immenso Robert Wyatt, nove brani tratti da "Comicopera", "Rock Bottom", "Shleep", "Dondestan", "Cuckoland" ed Antony Hagerty, cinque brani da “I Am A Bird Now” e uno dal singolo “You Are My Sister”. Il disco ha avuto l’approvazione sia di Wyatt che ha dichiarato che in un’isola deserta porterebbe “le interpretazioni cristalline delle Unthanks, molto semplicemente io e Antony siamo stati benedetti dagli angeli”, sia di Antony “sono lusingato e confuso, le loro voci sono così pure”.
Non era facile confrontarsi con due personalità musicali così spiccate e per certi versi ingombranti, ma le nostre intraprendenti sorelle dopo le cover già inserite nell’album “Bairns”, sotto la spinta di Adrian McNally, pianista, produttore, batterista e eccellente arrangiatore nonché marito di Rachel, si sono cimentate con successo nell’impresa reinterpretando le canzoni dei due musicisti sotto la luce del loro folk da camera impreziosito dalle voci limpide e vulnerabili delle due sorelle, dando vita ad una musica che si libra lieve grazie anche al violino, al piano e alla tromba che fanno da eccellenti coprotagonisti delle due voci. Voci che se non hanno la drammaticità e l’intensità di Antony o la suggestione dolente di Wyatt, vibrano della grazia e della delicatezza luminosa della tradizione del folk d’Albione. Dovendo scegliere fra le quindici tracce, le cover di Antony & The Johnsons si fanno preferire per la carica emotiva e la straordinaria sintonia che le Unthanks mostrano con la musica del californiano, si ascolti You Are My Sister nella quale le voci delle due sorelle raggiungono vette sublimi nei loro duetti o For Today I Am A Boy sommessa e sofferta, punteggiata da timide note di piano. I brani tratti da Robert Wyatt appaiono forse più convenzionali, ma fra queste ci sono almeno due perle: le stupende versioni di Free Will And Testament e di Sea Song, quest’ultima dall’andamento lento e col suono del piano, della fisarmonica, del violino e della tromba che di volta in volta ne sottolineano la tristezza, cantate in modo splendido col pathos che merita la musica dell’ex Soft Machine. In conclusione una diversione pienamente riuscita e un’ora di musica di grande classe, un plauso agli arrangiamenti di Adrian McNally, che emoziona e tocca le corde più profonde del nostro animo.

Ignazio Gulotta

The Unthanks

Ben Frost & Daniel Bjarnason: “Sòlaris” (Uscita: 7 novembre 2011, Bedroom Community)

2012-01-02T19:30:00.001+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Posto di fronte alla domanda su quale fosse stato il motivo per il quale avesse ritenuto necessario ripensare la scrittura della colonna sonora di “Sòlaris” di Andrej Tarkovskij (1972), Ben Frost rispose che il motivo principale era stata la delusione di fronte alla colonna sonora originale di Eduard Artemyev, troppo legata al carattere fantascientifico del film e troppo poco a quello psicologico. In effetti l
o stesso Tarkovskij più di una volta dichiarò di essersi pentito di non esser riuscito a naturalizzare il carattere fantascientifico dal film, cosa che invece fece compiutamente nel suo più imponente “Stalker” (1978). Il film di Tarkovskij del 1972, basato sull’omonimo romanzo di Stanislav Lem, descrive le vicende di un equipaggio di una base spaziale che ruota attorno al pianeta Sòlaris, corpo celeste costituito da un immenso oceano senziente, capace con il suo campo gravitazionale e magnetico di materializzare in simulacri i ricordi degli astronauti, mettendo allo stesso tempo a nudo il loro inconscio e le verità più profonde. Per scrivere la colonna sonora di “Sòlaris”, Ben Frost, compositore australiano di musica elettronica residente da tempo in Islanda, ha chiesto la collaborazione di Daniel Bjarnason, compositore islandese di musica classica contemporanea, noto per i buoni riscontri ottenuti con il suo ultimo “Processions” (2010). Questo “Sòlaris” è un lavoro che si discosta decisamente dalle angosciose ricerche sulle macchine che Ben Frost ha sviluppato nei suoi due precedenti notevoli album “Theory Of Machines” (2006) e “By the Throat” (2009). Tuttavia le macchine non sono assenti del tutto in questo “Sòlaris”, basta ascoltare Simulacra I e Saccades per ritrovare quell’insistente e intermittente rumore di fondo, generato dai motori che mantengono in vita l’equipaggio intorno dell’orbita del pianeta.

La persistenza di questo ronzio pulsante si fonde con la pervasività glaciale del rumore cosmico. Scava nell’animo e trascina lungo i sentieri oscuri della follia (si pensi solamente al brano Unbreakable Silence). A differenza di quanto fece Stanislav Lem che costruì il suo romanzo intorno alla distanza abissale che separa la mente umana dalle cose umanamente inconoscibili (sia esso il pianeta Sòlaris, l’altro o dio), Tarkovskij utilizzò il film per descrivere l’uomo di fronte alle forze immense che lo sovrastano. Sòlaris è il luogo della singolarità fisica, il luogo dell’incontro dell’uomo con l’infinitamente grande. Come può un uomo entrare in comunione con un qualcosa di oscuro ed impenetrabile, capace per quella sua spropositata potenza di disumanizzarlo? E’ questa la domanda. D’altro canto, proprio per effetto di questa violenza, Sòlaris diviene il luogo in cui l’uomo è costretto ad indirizzare lo sguardo verso il proprio inconscio (We Don't Need Other Worlds, We Need Mirrors).
I simulacra sono le immagini della memoria che ci sforziamo di non perdere, che desideriamo durino in eterno. E sono questi i fantasmi che Ben Frost & Daniel Bjarnason hanno cercato di afferrare, costruendo veri e propri simulacra sonori, improvvisando i brani con il piano e la chitarra durante le proiezioni del film ed inserendo questo materiale in un programma software di trascrizione, in cui sono state volutamente accentuate le interferenze e gli errori, come se questi costituissero le naturali distorsioni e le errate interpretazioni della mente e della memoria. La trascrizione digitale è stata poi successivamente ritrascritta in una partitura per strumenti d’orchestra tradizionali ed eseguita dalla Cracovia Sinfonietta. Questo processo di dissolvimento e successiva materializzazione dell’immagine/suono ha prodotto un lavoro glaciale, indecifrabile ed affascinante, che accentua il carattere disumano della rappresentazione del rapporto dell’uomo con il sacro (Cruel Miracles). In questo processo di annichilimento, l’uomo si rifugia nella propria memoria e nel proprio inconscio, unico vero mondo trascendente in cui è possibile ridare vita e rendere corporee le immagini oramai debolissime di quelle persone che nel passato si è fortemente amato. Un album davvero notevolissimo.

Felice Marotta

Bedroom Community

Saccades

THE BATS: “Free All The Monsters” (Uscita: 25 ottobre 2011, Flying Nun/Goodfellas)

2012-01-02T19:15:00.002+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

The Bats sono in giro da un sacco di anni, trenta, per la precisione. In tutto questo tempo hanno pubblicato solo otto dischi, spesso con lunghi intervalli, durante i quali si sono occupati di vari progetti solisti, del proprio lavoro e delle proprie famiglie. Quest'attività quasi amatoriale si è svolta sempre nel solco del “Dunedin sound”, la scena legata alla città neozelandese da cui prende il nome
e che affonda radici nei lontani anni '80, di cui i nostri pipistrelli sono a buon diritto membri fondatori. Quasi ovviamente questo album è stato registrato nelle vicinanze di Dunedin, in un ex manicomio vittoriano abbandonato, chiamato Seacliff. Inquadrare musicalmente l'album non è difficile: ballate, qualcuna con un leggero tocco di psichedelia, rette dal “jingle jangle” della chitarra e dalla voce suadente di Robert Scott, come sempre affiancato da Kaye Woodward alla solista e ai cori, elementi essenziali del suono del gruppo, per la capacità di spezzare il tono sempre piuttosto monocorde delle canzoni. Basso e batteria si limitano a fare da sottofondo.
Nulla di nuovo, vien da dire. Ma tutto molto bello. Triste anche, o quantomeno malinconico, roba da pioggia oltre i vetri appannati del vostro cottage sulle coste battute dal vento e dalle onde procellose dell'oceano. D'altronde il filo conduttore del disco è la presa d'atto del tempo che passa, il ritrovarsi nella “mezza età” e l'accettazione di quanto ciò sia ineluttabile. Le prime tre canzoni sono un ottimo viatico per chi voglia addentrarsi nelle calme atmosfere dei nostri: Long Halls, con i suoi arpeggi in minore, Simpletons, tutta cantata in coro da Robert e Kaye, un inno alla nostalgia e all'attesa, Free All The Monsters, che decolla sull'onda della chitarra solista, mentre esorta a liberare tutti i mostri, ora. Il disco prosegue poi sulla stessa falsariga, sia dal punto di vista qualitativo che da quello sonoro, anche se alcuni pezzi meritano una particolare menzione: It's Not The Same, con l'acustica di Kaye in evidenza, In The Subway, forse il mio pezzo preferito, con un tocco di feedback sulla voce di Scott, Fingers Of Dawn, sul difficile ma inevitabile esercizio di affrontare ogni giorno quanto ci tocca, On The Bank, ancora una ballata delicata quanto incisiva. Insomma, un disco delicato, che non aggredisce le orecchie con suoni distorti o dissonanti, ma le accarezza con armonie malinconiche quanto azzeccate.

Luca Sanna

Flying Nun Records

LIVE REPORT - Jonathan Wilson: “Revival di classe” (21 Novembre 2011, Hoxton Square Bar and Kitchen, London)

2012-01-02T15:00:00.000+01:00

Stasera Jonathan Wilson chiuderà con questo concerto nella sala “Hoxton Square Bar and kitchen” il suo tour Europeo. Un tour clamoroso che lo ha visto spalla in quello inglese dei Wilco e aprire il concerto di Roy Harper per il Royal Festival Hall. Bisogna anche aggiungere che Jonathan Wilson e’ stato incensato dalla stampa britannica e europea come “la nuova sensazione musicale”: sue interviste, articoli e recensioni sono stati pubblicati sui maggiori quotidiani e stampa specializzati. Uncut l’ha nominato come migliore artista emergente per il 2011 e il suo album e’ arrivato al n.4 della classifica di Mojo per il 2011. Jonathan Wilson e’ figlio degli anni 70 anagraficamente e musicalmente. Con lui sembra che la musica si sia fermata al folk rock psichedelico dei Grateful Dead, Allman Brothers, Blind Faith, Quicksilver Messenger Service. Non per nulla lo stesso Wilson ha installato il suo studio di registrazione a Laurel Canyon, nel quartiere di Los Angeles che fu la culla della scena del folk rock da Joni Mitchell a Crosby, Still, Nash & Young agli eroi del rock degli anni 70 come Jimi Hendrix, Frank Zappa, Jim Morrison. Già produttore di artisti quali Erykah Badu, Phil Lesh, Elvis Costello, Jackson Browne, Chris Robinson, Will Oldham, stasera e’ invece musicista in una sala gremita di fans e addetti allo spettacolo. Jonathan Wilson si presenta sul palco con una band di musicisti talentuosi. Il concerto ci catapulta indietro di trent’anni sulla costa californiana. Gli strumenti sono gli stessi e l’equipaggiamento che accompagna la band prende quasi la metà del palco, come si usava negli anni 70. Lo show fluisce leggero tra alcuni titoli del primo disco di Jonathan Wilson “Frankie Ray” del 2007, disco interessante passato nell’indifferenza della critica e l’ultimo “Gentle Spirit”. Gli animi s’infiammano con Desert Raven, The Way I feel, Valley. Non sorprende a metà concerto la cover dei Quicksilver Messenger Service Lovestrong. Bastoncini d’incenso che si accendono sul palco e fans incantati dal fascino e talento di questo non più giovanissimo musicista. Ci si prolunga in soli di chitarra e giri di synth che ci fanno ripiombare quasi nel mood di un concerto dei Pink Floyd. A fine concerto, un attimo di relax con i fans e il gruppo riparte sul suo furgone alla volta di un altro tour americano. Ritorneranno in Inghilterra a Gennaio 2012: spero che saremo in molti di più a celebrare queste piacevoli note nostalgiche di un’epoca ormai andata.

Myriam Bardino

Foto di Myriam Bardino

SPECIAL – Indie is not an attitude, 2^ TAPPA: “BRIGADISCO RECORDS - VISIONI ALTERNATIVE"

2012-01-02T11:07:00.104+01:00

(continua il nostro viaggio alla scoperta delle ‘vere’ etichette indipendenti italiane)

Questa etichetta discografica è alternativa non solamente perché propone delle sonorità particolari e profondamente atipiche, selezionate con fiuto e originalità indiscutibili, ma perché tra i suoi più lodevoli intenti vi è quello di ridare dignità al supporto analogico, rivestendolo di una veste curata e ricercatissima, particolareggiandolo, facendolo tornare vero e proprio oggetto di culto per appassionati
e per esteti dell’immagine. Brigadisco riporta ai contenuti artistici ed ispirati di vecchie fanzine degli anni ’70, rispolvera la cultura fumettistica e voyeuristica d’élite, dell’underground comics e del Writing. L’etichetta nasce ad Itri (LT) nel 2008, come perfezionamento ed evoluzione in sintesi degli obiettivi già da qualche anno portati avanti dall’associazione C.A.GA. (Cineteca Atomica del Garigliano). Si tratta di un’associazione culturale che dà voce, con una serie di iniziative artistiche a tutto tondo, ad espressività controcorrente, ad una tensione creativa che cerca forme comunicative atipiche e d’impatto, mettendo in evidenza una realtà territoriale suggestiva e variegata, in modo particolare nell'ambito dell'underground. Inizialmente l’associazione C.A.GA. supportava eventi come: mostre fotografiche a tema, rassegne cinematografiche, spettacoli di danza, esposizioni di fumetti, serate musicali dedicate a nuove sperimentazioni sonore etc. Da fenomeno sotterraneo però, ben presto questo gruppo di ragazzi è riuscito a dare fermento e vitalità ad una voglia latente di emergere e di imporsi all’attenzione come autentico e ben riuscito esperimento di controcultura. Molte rappresentazioni sono diventate appuntamenti ciclici attesi e di richiamo, il meraviglioso Castello di Itri è stata una delle cornici più suggestive per offrire una location d'impatto alle performances messe in atto già dal 2004. Al momento si ricordano la manifestazione Cinema al Castello e il festival Mu.Vi.Ment.S che quest’anno sono giunti alla settima edizione e il One man Act. Tra le iniziative storiche e di gran successo si ricordano anche le sei edizioni del Transhumanz (2003-2008). L’idea iniziale che ha fatto nascere lo studio di registrazione Brigastudio, è stata quella di voler accompagnare le varie iniziative svolte dando spazio a delle band, per mettere in atto, in concomitanza con l’esclusività dell’evento stesso, un loro brano inedito ed estemporaneo, offrendo al contempo la concreta possibilità di dare memoria all’esperimento. Agli inizi del 2011 lo studio di registrazione Brigastudio ha cambiato sede, diventando il mitico Brigadisco's Cave, coronando così il sogno della casa discografica di avere un vero e proprio covo/rifugio dove poter portare avanti in tutta libertà la propria sovversiva attività di brigantaggio votata alla valorizzazione di un sotterraneo patrimonio arty, di un manifesto coraggioso e rivoluzionario, ardito e spiazzante, multiforme, outsider, irregolare, dissennato, fantasioso e ispirato.

BRIGADISCO, un catalogo da ascoltare e da sfogliare!
Alla fine del 2008 esce così la prima compilation su CD di 17 brani inediti frizzanti quanto eterogenei "Poliuretano", elaborata con il supporto tecnico del fonico Fabio La Rocca. Si tratta per lo più di registrazioni di inediti eseguite presso il Brigastudio e due live al Museo del Brigantaggio e Castello di Itri. Altro tratto distintivo della compilation n.1 è l’inizio della preziosa collaborazione con il fumettista Rocco Lombardi, noto iniziatore della punk zine 'Lamette'. Nasce quindi l’immagine della Brigadisco stessa, rappresentata dal Brigante Nucleare (parodia fumettistica della fusione d'intenti tra Brigastudio e C.A.GA) che farà capolino in tutte le uscite annuali della label: l’ultima è la numero tre "Ulula" (Aprile 2011). Tra le partecipazioni assolutamente più rivelanti nell’ambito delle tre compilation finora editate vanno senz’altro menzionati gli anconetani Lush Rimbaud, R.U.N.I., la band sud pontina Ava Kant, Aidoru, Talibam!, Mattia Coletti e Luca Venitucci. Il romano Luca Venitucci, da buon affezionato e sostenitore delle iniziative di Brigadisco, ha presentato il suo nuovo disco, interamente prodotto e registrato da Brigadisco, in anteprima il 29 dicembre p.v., nell'ambito del festival Mu.Vi.Ment.S. L'uscita del suo lavoro è prevista per gennaio 2012, la veste grafica del disco sarà invece -in via eccezionale- delegata alla danzatrice e fotografa romana Samanta Marenzi, carissima e stimata conoscenza dell'artista. Da segnalare sono inoltre le due ultimissime uscite di due interessantissimi lavori sempre a firme multiple, come ormai consolidata tradizione collaborativa della Brigadisco, che tende ad ampliare ed integrare svariati campi di interesse: "Don Vito/Bogong in Action", split vinile 7", (Brigadisco, Lemming Records, Tremor Panda No-Fi, Whosbrain Records, Hum Hanf Eat Her, Hysm, Novembre 2011) e Cani Sciorrì "Parte III" in vinile 12" +CD (Brigadisco, Escape from Today, Sonatine, Tanto di Cappello, El Paso, Smartz). Tra le tante iniziative sostenute dalla casa discografica vanno infine menzionate, sempre in collaborazione con 'Lamette Comics', le pubblicazioni "Non senza mano cattiva" (Febbraio 2011) libroquadrotto di 24 pagine, illustrato da Rocco Lombardi ed in edizione limitata a 200 copie e due volumi curati da Simone Lucciola dal titolo "Guida al frastuono più atroce", in cui vari fumettisti italiani tentano di raccontare a loro modo il rock (vol. 1/2009 & vol. 2/2010).

Tetuan - "Tela" (I dischi del Minollo, Timpan, Brigadisco, Only Fucking noise, Release 1 Gennaio 2011)
Il disco di esordio di questo trio marchigiano ha un suono granitico e a tratti oscuro e ossessivo. Ci vogliono senz'altro più ascolti per poterlo assimilare e per entrare nel claustrofobico intreccio di noise e math rock in cui la ripetitività e le ritmiche asimmetriche e opprimenti finiscono per trovare un'armonia contagiosa e ammaliante, trascinando in un vortice inquietante quanto affascinante e irresistibile. Sperimentazioni insolite ma ben costruite nella loro complessità, in tutte le sette tracce si finisce per seguire un percorso preciso fatto di vuoti rarefatti, preludi di attesa e di un certo sibilante senso di spleen decadente, roboanti crescendi che sembrano esplosione di malesseri incontenibili o vie di fuga immaginifiche in cui l'uso di dissonanze e tocchi di insolita fantasia, appaiono come vibranti e pulsanti squarci di luce nelle tenebre, voglia di imporsi sopra le tinte fosche di un manto grigio che a tratti rende tutto ovattato e deforme, ma poi finisce per incanalare la tensione nervosa accumulata verso un'energia che diventa incontenibile e al tempo stesso contaminante. Una lezione di avanguardia inaspettata e un piglio sicuro nel dosaggio strumentale che lasciano piacevolmente convinti che si tratti di un esordio promettente per questa band fermana. La Chambre è contraddistinta da una progressione legnosa e martellante e da tocchi aspri e abrasivi, ad effetto la voce che passa da un sussurro sparuto ad un grido rabbioso e aggressivo sostenuta da un vorticoso rullante di batteria. Dylan dog è un dialogo acido tra basso e chitarra smorzato da metronomici tocchi ai piatti fino ad una degenerazione esplosiva quanto travolgente. Atmosfere oniriche e minimali in Omega, ricadute slow in Apolide. La tregua è uno dei pezzi meglio costruiti che riporta alle sonorità post-rock degli Slint. Sicuramente fruitori insaziabili della musica proveniente da Pittsburgh (Don Caballero) e dalla costa occidentale degli Stati Uniti (gli Shellac di Steve Albini), i Tetuan propongono con questo lavoro una "Tela" originalissima che può essere letta da diverse angolazioni. Un abbozzo etereo destinato ad essere riveduto e corretto, minimalismo esistenzialista, magma visionario e primordiale che prende forma nell'afflato di vibrazioni caotiche e contrastanti, materia grezza e incolore che si anima di vita e si plasma con impeti emozionali. Da segnalare poi, per la compilation n.3 della Brigadisco "Ulula" (Aprile 2011), il loro pezzo Delta del Niger, con un basso cavernoso e una batteria sincopata, una tensione opprimente e un dilagare catartico di ritmi e power chord che trascina inesorabilmente verso un fragore intenso e liberatorio. Lo sbocco di un fiume come conato estremo di apertura, rottura di ogni costrizione e fuoriuscita inarrestabile di tensioni emotive. Passaggio in un tunnel oscuro, proiezione nell'ossessione alienante di un incubo, fusione artaudiana di ogni forma rappresentativa per arrivare ad un approdo sofferto che lascia inevitabilmente spossati e destabilizzati. Certamente sonorità non accessibili a tutti i palati ma in grado di soddisfare ampiamente e rendersi più che interessanti per gli estimatori del genere.

Musica da Cucina/Above the tree - "s/t" (Musica per Organi Caldi, Peolpefromthemountains, Brigadisco, Boring Machines, Marinaio Gaio, Uaooo!!!, Lotar, Shipwreck, Dicembre 2009)
Un disco oramai introvabile ma che non poteva assolutamente esser taciuto per meglio inquadrare le caratteristiche stilistiche a cui Brigadisco ha aderito fin dai suoi esordi, uscita numero nove in tiratura limitata a 500 copie per il vinile 12" che, dopo lunga ed insistente contrattazione, sono riuscita ad ottenere. Registrato nella meravigliosa atmosfera senza tempo del Castello Medievale di Itri e mixato nel primo Brigastudio di Itri con la supervisione di Fabio La Rocca. E' forse uno dei lavori più rappresentativi e più strettamente ed affettivamente appartenenti alla progettualità e alle finalità della label. Non ha un titolo, ha solo un meraviglioso scratch board del magistrale Rocco Lombardi che parla più di ogni parola possibile, si tratta di uno split tra Above the Tree e Musica da Cucina, due realtà che sono cresciute e maturate nel tempo e che godono di un'ampia considerazione critica e che con i rispettivi ultimi lavori (quello di "Musica da Cucina -s/t-" per Long Song Records è del 17 Novembre 2011, per Above the Tree a gennaio 2012, per la bolognese Locomotiv Records Wild, uscirà una sua collaborazione con Matteo Sideri e a marzo 2012, con Miacameretta una musicassetta di materiale inedito) hanno dimostrato la raffinatezza e l'originalità delle loro doti musicali. Qui contribuiscono con due facciate equamente divise che accolgono cinque brani per Above the Tree e due suite per Musica da Cucina. L'incanto che rende unico questo lavoro e che accomuna le differenti particolarità delle due realtà artistiche è sicuramente l'acustica offerta dal luogo, la palpabile e surreale atmosfera di misticismo e misterioso incanto. Un riverbero che tra luci ed ombre, rintocchi e rarefatti silenzi, trasporta fuori dal tempo per assorbirci completamente nel fluire ipnotico delle note. Magia. L'arpeggio della chitarra acustica di Marco Bernacchia, sigla Above the Tree, ha la forza evocatrice di un madrigale romantico dei tempi dell'accademia dell'Arcadia e nello stesso tempo induce in una sospensione marziale e aliena che è quasi una poetica contemporanea e intimistica dello smarrimento, di un ritrovato stupore, di una riscoperta atavica di radici nascoste. In Bluesz il blues minimale richiama sentori di musica popolare nel canto cupo e nelle interferenze noise ricavate da marchingegni inusuali. Una voce disturbata, echi e tocchi chitarristici intervallati, rendono molto bene l'essenza di Silent Song (Castle Version), rimodellata appositamente per la cornice del Castello. A!O!O! ha una costruzione enigmatica e ardita almeno quanto il suo titolo, Black Seahorse ci riporta ad un weird folk che si snoda in un'ambigua versatilità tra barocco e androide futuristico. Sicuramente geniale, ispirato e talentuosamente alternativo questo artista che ha dato vita ad altri progetti interessanti come M.A.Z.C.A., Gallina, Al!arm, e che dal vivo arricchisce di phatos e fiabesco lirismo le sue performance. In questo split gli strumenti improvvisati di Bernacchia entrano in sintonia perfetta e sublime con le mura del castello, il suo ego musicale stesso si libra in una interazione perfetta che è puro incanto. Musica da Cucina invece ci fa immergere in un'ambientazione irreale quanto raccolta e intima, catapultandoci in una rappresentazione tutta da seguire e da gustare fino ad un pieno coinvolgimento e partecipazione. Una specie di sperimentazione culinaria che prevede l'impiego dei cinque sensi e il completo estatico rapimento della nostra attenzione. Risultato: una tavola imbandita di gustosi manicaretti da consumare a lume di candela in una terrazza lambita dal soffio leggero del vento e dai rassicuranti suoni dell'estroso polistrumentista Fabio Bonelli. Quella notte il castello di Itri ha aperto il suo cuore al vento, Il vento muove appena, sono poster istantanei vibranti e trasognati di loop esoterici di massa. Un alchimista con i suoi alambicchi a servizio di un teletrasporto in paesaggi nebbiosi e torpori lisergici evocati da un clarinetto sibilante e da svariate chincaglierie gastronomiche. Terapia anestetizzante e rigenerante che attraverso la musica ci conduce alla scoperta di nuove e più profonde dimensioni ad essa liberamente accostabili. Ed aprire gli occhi diventa uno sforzo. Un disco da custodire gelosamente per appetiti fuori dalle regole, in ogni senso!

Fuzz Orchestra/Hiroshima Rocks Around, vinile 7", "Svegliati e uccidi/Catfish from hysteria" (Uscita: 10 Febbraio 2011, Brigadisco, Escape For Today)
Questo disco riporta su vinile 45 giri due tra i più sorprendenti e significativi pezzi presenti nella compilation Brigadisco n.2 "Rigadritto!" (Aprile 2010). Si tratta di un disco bianco accompagnato da una cover ancora una volta siglata da Rocco Lombardi che è letteralmente da prendere e mettere in cornice, l'unico problema è che si rimarrebbe eternamente indecisi se scegliere la facciata esterna con il brigante che cavalca il pesce gatto o quella interna con una metamorfosi che ne riassume in unica figura le due entità -nonchè le due essenze del disco stesso- in un unico inquietante personaggio! Il contenuto dei due singoli è una commistione perfetta e letteralmente esplosiva. Fuzz Orchestra con il suo noise rock propulsivo e il tocco trasversale di psichedelia molto free e molto deviata, si contraddistingue per questa voce che sembra uscire da una radio mal sintonizzata che nel narrarci una noir story di nichilistica evasione, fa combattere in un duello all'ultimo sangue scariche di batteria e distorsioni malate di chitarra. Il crescendo è soffocante ed il muro sonoro e ridondante, scandito da echi di canti che evocano B-movies di drammi siciliani di vendetta e gelosia, conclude nel caos più opprimente. Non si fa nemmeno in tempo a riprendere fiato - per fortuna bisogna girare il disco!- che subito i romani Hiroshima Rocks Around, come a rispondere alla sfida lanciata da Milano sanguinaria, ci fanno immergere in una apnea devastante di rumorismo noise che con una forza magnetica indicibile finisce per appiccicarci contro un ostacolo sonoro insormontabile. Quasi masochisticamente veniamo violentati da questo mostro mutante che emette insieme ad urla atroci dei mugolii irresistibili. Avanguardia rumorista e no wave assorbita a grandi dosi dalla Providence di Arab on Radar e Lightning Bolt. Tuttavia le rozze figure assurdiste, gli sgargianti colori acidi tracciati da un basso e da una batteria incontenibili quanto fantasiosi, da rantoli di un sax irriconoscibile, riescono a mitigare il parossismo a vena arty, ad incanalare l'attitudine eversiva in un metal core che è parodia ironica e scanzonata delle nostre deviazioni. Un disco che si contraddistingue per l'eccellente livello della registrazione.

Father Murphy "Brigadisco's Cave #6", Vinile 12", (Uscita: Agosto 2011, Brigadisco)
Per omaggiare la suggestione del nuovo Brigastudio Due dell'etichetta, che da inizio anno 2011 si è trasferita presso un vecchio frantoio in pietra dotato di caratteristica grotta con soffitto a volte, arrivano niente pò pò di meno che loro!
La band di Treviso in tutta la sua mesmerica e solenne presenza, regala un live prezioso e indimenticabile, una gemma che racchiude l'incanto di un raccoglimento, di un rituale d'iniziazione, di un occulto rapimento estatico. Una gemma che come tale non poteva che rivestirsi di una veste splendente, quella destinata a dare lustro e carisma al cerimoniere. Un Artwork degno dei collezionisti più raffinati, che solo in via del tutto eccezionale e come segno di totale fiducia verso Rocco Lombardi, lascia in sospeso l'estetica dell'artista americano Vinh Ngo, da sempre intimamente collegato al concept ideologico spirituale dei Father Murphy. Il disco è stato prodotto in 500 esemplari serigrafati a mano, di cui 389 copie standard con la copertina stampata in panna e 111 in edizione limitata a tre colori e vinile bianco marmorizzato rosso. Poco più di mezz'ora di concerto (dal live del 1° Marzo 2011) per dipanare sette brani, provenienti dai loro lavori più significativi, che tuttavia si amalgamano in un ensemble compatto e ritoccato con sapienti liberi snodi estemporanei, armonizzati ed entrati in alchimia perfetta con il luogo, con il covo, con la nicchia trepidante che li ha rianimati delle suggestioni e del misticismo del momento. Ciò che colpisce è la forza evocativa di questi suoni scurissimi e alteri che trovano nella grotta l'elemento simbiotico naturale in cui sviscerarsi. La lentezza, a tratti quasi disarmante, in cui rimangono sospesi, per poi penetrare l'essenza più profonda del nostro immaginario. Un weird doom scarno e ossessivo, poliritmia tribale e ipnotica, un cantato growl ed una carica crescente e opprimente di aspettazione aspersa come innanzi all'oracolo delle rune. Until the path is no longer ha un incedere tra il folk e il black metal e prevale l'uso di queste corde arpeggiate riverberanti e graffianti, la lugubre coralità da messa nera. Intervalli sospesi, attesa, cori mantrici, spirali oniriche come conversioni sincretiche ed occulte del sentire in So now you have to choose between my two black lungs. Libero fluire dell'inconscio, raccordo tra radici e ascesi in un'unica liquida profondità Never forget you have a choice e Hide yourself in the woods. Morbosi, trascinati, deviati in You got worry, secondo dei tre brani tratti dall'ottimo EP "No room for the weak" (Aagoo Records, Boring Machines, 2010). Apoteosi del delirio We now pray with two hands, we now pray with true anger, ci riconsegna intatta la visionarietà e il talento del trio di reverendo Federico Zanatta alias Freddie Murphy (fondatore del Madcap Collective), Chiara Lee e il vicario Vittorio Demarin. Un cammino sofferto e sentito che si snoda lungo una costruzione lacerante e fortemente alienata che già con "...and he Told us to the to turn to the sun" (Aagoo, Boring Machines, Dicembre 2008) aveva fatto intravedere una svolta ineluttabile verso sonorità avulse da ogni ortodossia, votate ad una rivelazione concettuale dal sapore eretico, ma pur sempre perdizioni scelte consapevolmente come in una ribellione sacrificale al piattume della normalità. Intensi, anacronistici, assolutamente da conoscere per convincersi che anche in Italia l'esclusività di certe sonorità può riuscire ad attecchire.

Father Murphy/How Much wood would a woodchuck chuck if a woodchuck could chuck wood?: "Jesus/ Humpty Dumpty, vinile 7"" (Uscita: Luglio 2011, Brigadisco, Aagoo, Anant!, Boring Machines, La Delirante, Madcap Collective)
Ancora una volta un insieme di collaborazioni con etichette 'amiche', nel pieno rispetto dello stile conviviale che Brigadisco mette in atto per concretizzare le sue aspirazioni e le ambizioni fuori dalle righe. Questo split propone una cover stravolta quanto pregevole ad opera dei Father Murphy della Jesus dei Velvet Underground. L'atmosfera sognante ed idilliaca dei VU viene soppiantata da un preludio temporalesco, la strumentazione è martellante e oscura, la voce femminile flebile e sparuta affiora come quella di un uccello palustre che squarcia le tenebre. Un ambient noise perseverante sulla scia di vuoti malinconici ed incalzanti percussioni che ci ricordano il folk gotico e dark dei Death in June e Sol Invictus, lo slow core di Black Heart Procession, l'incedere free-form di This Heat e Liars. Humpty Dumpty invece è il pezzo della band torinese dal nome impronunciabile abbreviato - si fa per dire- in HMWWAWCIAWCCW?
Una voce catacombale, accordi di chitarra acustica secchi, riverberi sonori e cori. Folk minimalista e cadenzato capace di accordarsi perfettamente con lo spirito di raccoglimento etenista dei Father. Litanie pagane provenienti direttamente dai lembi più indefiniti della nostra psiche, quando si cerca di stabilire un contatto con entità extra sensoriali o si cerca semplicemente di sovrastare la semplice fenomenologia del nostro esistere.

Romina Baldoni

* Ringrazio ancora una volta Antonio De Luca, autentica guida informativa di questo affascinante viaggio e Mauro Modugno, della Brigadisco Records, per tutto il materiale messo a disposizione e per il paziente lavoro di integrazione delle fonti reso in tempo (quasi) reale

Brigadisco Records
Brigadisco

ANDRE WILLIAMS and the GOLDSTARS: “Nightclub” EP (Uscita: 13 dicembre, Pravda Records)

2012-01-01T23:55:00.007+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI
Nonno è tornato. Dove fosse stato possiamo ben immaginarlo, le passioni del vecchio porco non vanno molto oltre le donne, gli abiti eleganti, le donne, il bourbon, le donne, i sigari e.. le donne. Ah, certo, anche il vecchio e autentico rhythm’n’blues. Ed è così che di tanto in tanto, in momenti come questi ripesca la sua dentiera da dentro il bicchiere e
accompagnato da una gang di teppistelli che potrebbero essere i suoi nipoti, si ripresenta per ricordarci i “sani” valori della vita. In vari si sono alternati nel ruolo di backing band; non dimentichiamo (e come potremmo?) Mick Collins e Dan Kroha per quell’album sensazionale che fu “Silky”a segnare la sua svolta “punk”, ma anche Countdowns, Green Hornet, Compulsive Gamblers, Sadies, The Diplomats of Solid Sound, e sono solo alcuni. Questa volta è il turno dei Goldstars da Chicago. Così come per R.L. Burnside, Rufus Thomas, Andre Williams è un altro dei tanti riferimenti che le nuove generazioni di revival bands hanno riportato in auge da un passato nel quale molto probabilmente sarebbero rimasti sepolti, magari cercando di sopravvivere in qualche roulotte abbandonata, arrangiandosi con qualche sporadica apparizione in bettole maleodoranti. E allora, dopo più di 50 anni di onorata carriera, lasciamo che si goda questa meritata gloria. Anche se negli ultimi tempi ha più che altro riproposto una non sempre convincente parodia del mito di se stesso (come pure per il singolo remake Fight for your rights dei Beastie Boys, e It’s a long way to the top degli Ac/Dc sempre con i Goldstars, in cui si gioca la carta della cover inaspettata à la Johnny Cash ma con esiti meno sorprendenti), la sua è sempre la lezione di uno che quella strada, non solo l’ha percorsa, ma ha contribuito a tracciarla. Quest’ultimo “Nightclub”, Ep di 5 brani risolleva le sorti del vecchio. Sebbene al suo passaggio lasci una scia di profumo di marca a cui non eravamo proprio abituati, è sempre capace di sollevarci il morale, guidando la nostra immaginazione tra fumosi locali notturni, lap dancers, banchi appiccicosi arginati da scomodi sgabelli, e ormoni in giostra. I Goldstars garantiscono il loro valido sostegno in maniera energica quanto serve, insieme ad una sezione fiati di due elementi che dona un tocco di swing ‘n’ soul raffinato e sfarzoso, mentre la classe inconfondibile della voce del godfather conquista ancora una volta. Andre Williams è come il rock’n’roll, lo guardi in faccia, e come puoi prenderlo sul serio? It’s only Andre Williams but I like it.

Federico Porta

Agile, Mobile, Hostile: A year with Andre Williams

MUSIC FICTION: "ALMOST BLUE", racconto in quattro pagine by Rocco Sapuppo

2011-12-31T18:30:00.005+01:00

Pagina 1
Non appena il micidiale miscuglio di eroina e cocaina, il cosiddetto famigerato “speedball” iniziò a fare effetto e a circolargli nel sangue, le ombre della notte avevano appena invaso il lurido appartamento d'una sporca nebbia fuligginosa, qua e là raccesa da slinguate di porpora luminosa, proveniente dall'insegna del funesto Hotel, il più malfamato locale della città, dove si poteva comprare la morte per pochi dollari. Con la vista ancora annebbiata dalla scarica elettrica datagli dalla droga, e come trattenuto da una mano invisibile
sul ciglio dell'abisso, mentre, invece, v'era già dentro, in preda a un cupo attonimento, a una stuporosa e luttuosa aspettazione di chissà cosa, Blue si piazzò davanti allo specchio, la sigaretta accesa nella mano ossuta e grinzosa anzichenò, vestito solo d'un grottesco paio di pantaloni di plastica arancione, una maglietta nera, sdrucita sugli omeri, col simbolo della Verve Music, e cominciò a parlare con se stesso, ma come dall'altro lato della morte. La radio nazionale, nel primo canale, gli stava dedicando uno speciale, un florilegio dei più noti tra i suoi innumerevoli brani di successo; in quel momento preciso, come una lunga e lenta litania in un crepuscolo d'autunno, quella che era stata la sua tromba inarcava le sue note d'oro, quasi a voler che le stelle si sciogliessero in pianto nel cielo, fino a formare, rosa dai petali di tenebra, la struggente melodia di Alone Together. A lui, però, non importava nulla, ormai, nulla più gli importava. Continuava a fumare la sua sigaretta, le cui spire di fumo ovattavano di bianca lanugine l'aria intorno, creando architetture cangianti in quel buio, arabeschi di un mondo che svaniva, trascinandosi dietro, col vecchio Blue, un universo di ricordi, di memorie spezzate, di gioie e umiliazioni, e di fantasmi naufragati nel suo cuore come in un mare immaginario e oscuro. Ombre, ora disperse, gli danzavano nell'anima come schegge insanguinate, ombre che gli erano state amiche e che ora svanivano così com'erano venute, foto sbiadite tornate a galla dal niente, a bruciargli con dolcezza la vita.

Pagina 2
'' Ricordi, Blue, di quella volta che Miles venne a sentirti suonare, una sera di pioggia al Birdland? Come, sedendosi dinanzi a te, ti osservasse con occhi feroci, iniettati di sangue? Quella sua rabbia cupa, invincibile perché muta, inespressa se non dal lampo d'odio di quegli occhi freddi come il ghiaccio, simili a una mattinata d'inverno o a una distesa di brina in un campo dell'Oklahoma. Era irato con te perché Down Beat ti aveva giudicato il miglior trombettista del mondo, davanti a lui e a Brownie. Pensava che ciò fosse avvenuto perché tu eri bianco, e loro due negri. Credeva molto in questo genere di cose, e forse aveva ragione, ma faceva male a prendersela in quel modo, poiché tutti sapevano che era lui il più grande, e un trofeo del cazzo, a parte le maggiori vendite dei dischi, non avrebbe spostato di una virgola la questione. Miles, però, era freddo come il ghiaccio e odiava il prossimo e la vita. Tu eri il nemico. Anche tu eri carico d'odio, ma solo verso te stesso. Miles si sedette dinanzi a te e distese verso di te il lenzuolo gelato dello sguardo. Ne fosti talmente intimorito, tu così fragile, che in seguito cominciasti a bucarti per sopportare il peso e il gelo di quegli occhi. Inutile dire che quella notte non imbeccasti una nota...Fu il peggior concerto della tua vita e per un po' ci stesti molto male. Poi, dimenticasti Miles e il gelo dei suoi occhi, ma ormai sopraffatto da quell'altro gelo''. La radio, intanto, passava la sua versione di Born To Be Blue, mentre sottili fili di nebbia picchiavano lievemente contro i vetri della finestra i polpastrelli ingialliti, e qualche gatto miagolava nelle strade intorno. Born To Be Blue - disse a quell'altro affondato a metà nello specchio - che pezzo meraviglioso! E che classe quei due ragazzi, Kenny e Bob, alla chitarra e al piano. E anche tu sembravi toccato dalla grazia, allora, era il '64, i tempi di “Baby Breeze”, una voce dorata, tutta broccati e velluti, e che morbido timbro... Le parole sembravano perle sortite da ostriche di luce. Adesso ti cascano di bocca come rondini ubriache''.

Pagina 3
'' Ricordi, Blue, le corse in macchina sulla spiaggia, e le scopate al chiaro di luna, con l'oceano che ti ronzava nelle orecchie, come dentro enormi conchiglie? E il povero Dick, il più grande pianista della storia del jazz, scaraventato in cielo da un'overdose, che diventò blu,in tua presenza, prima di morire, e tu scappasti come un ladro dalla finestra, e poi vivesti sempre con questo pazzo rimorso: di avergli rubato il respiro, e di vivere indegnamente al suo posto? E il grande Phil, quel siciliano della minchia, tutto naso e capelli, alto due palmi, che puzzava di pecorino e pasta alle sarde e di cipolla muffita sotto le ascelle, ma che quando suonava il sax univa la Terra al Cielo e creava armonie di paradiso? E Philly Joe, Paul, Herbie, Pepper, Art, Bill, ombre portate portate via da una brezza bambina, serica e lieve come la chioma di una fanciulla dagli occhi di luce? E Bird, il grande Bird, amico e maestro, che elemosinava l'ingresso al più famoso locale di New York intitolato a lui! Che dolore la sua scomparsa, per tutti noi che avevamo iniziato a suonare grazie a lui. Io, tu, John, Gerry....Gerry, un genio assoluto che era capace, però, di romperti i coglioni anche sulla marca del dopobarba che usavi o delle sigarette che fumavi! Cazzo! Ma andavamo forte, allora, andavamo come treni carichi di fica! E poi loro, le tue donne, a metà tra vestali e puttane, ricordi? Halema, Carol, Ruth, Diane. Certo, sei stato un bel bastardo. Hai succhiato loro il sangue e le hai gettate via come gusci vuoti, come inutili involucri. Tranne Diane...Oh, Diane, dove sei? Sì, buttate via. Tu avevi la tua tromba, riposavi nell'eterno di un “a solo”. L'incanto di un tappeto di note saturò la stanza, si distese nell'aria con vellutata mollezza, tra spire di fumo e odori forti di bourbon: era una versione di Trenet, Que Reste-T-Il De Nos Amours, ora divenuto I Whish You Love...”chissà dove mormora il vento...”, ricordi?"

Pagina 4
'' Ricordi, vecchio Blue, di quando ti spaccarono i denti, e per due anni non potesti più suonare, e per guadagnarti da vivere facesti anche il benzinaio? Mentisti a tutti, dicendo che cinque enormi negri ti avevano aggredito senza motivo e ti avevano ridotto in quello stato? E, in realtà, erano stati i pushers che non avevi pagato per la “roba” che t'avevano procurato? Oh, caro, vecchio Blue, che figlio di puttana sei stato! Mentivi come respiravi, ma la verità ti germogliava dalle note come un giardino di rose''.
Si alzò per andare a vuotare la vescica; barcollando verso il bagno, pensò che forse un'altra dose non gli avrebbe fatto male, anzi, gli avrebbe alleviato di molto il dolore di essere al mondo, naufrago senza speranza in quel mare di disperazione in cui aveva trasformato la sua vita, relitto che nessun tipo di marea, ormai, voleva più accogliere e trascinare con sé. Accese la luce del cesso, pisciò con indolenza e, guardandosi allo specchio, si sputò in faccia, tanto gli faceva schifo quel viso di scheletro, quel teschio pauroso su un corpo di ragazzo; si sentì una sorta di Minotauro il cui labirinto era proprio quel cesso. Avesse avuto un filo da seguire, per poterne evadere, una qualunque Arianna...Oh, Diane, dove sei? Oppure no, il filo c'era. La via di fuga era lì, sotto gli occhi, morto prematuro: quel soffio di neve che anelava ad ardere come un grido di fuoco nel suo sangue. Tornò dinanzi allo specchio, vicino alla finestra, ma non pote' vedervisi, perché ormai era divenuto un'ombra. Le tempie gli bruciavano come festuche, il petto sussultava d'agonia, dacché la morte vi aveva deposto le sue uova. La radio continuava a suonare Summertime. Il cielo mandava bagliori rossastri nel buio e un forte lezzo di putrefazione saturava l'aria notturna. La radio suonava Summertime e Blue, dimenticando d'indossare le ali, volava via dalla finestra.
Prima di chiudere gli occhi, col sangue che gli cantava canzoni d'amore nell'orecchio, Blue pensò a quel quadro del Beato Angelico, Gli angeli trombettieri, del 1477, custodito al Washington Museum Of Arts, e desiderò suonare una delle trombe di quegli angeli, immaginando che da quella tromba, invece che note, sarebbero volate via farfalle, come petali di rose.

Rocco Sapuppo

Almost blue
Almost doing things we used to do
There's a girl here and she's almost you
Almost all the things that your eyes once promised
I see in hers too
Now your eyes are red from crying
Almost blue
Flirting with this disaster became me
It named me as the fool who only aimed to be
Almost blue
It's almost touching it will almost do
There's a part of me that's always true...always
Not all good things come to an end now it is only a chosen few
I've seen such an unhappy couple
ALMOST Me/You/Blue

RETROMANIA - THE OFFHOOKS: “Outside Looking In” (1990, State Records)

2011-12-31T17:00:00.004+01:00

L’oscura storia degli Offhooks di Edinburgo è strettamente legata a quella dei signori del beat locale, ovvero i Thanes, anche se sarebbe più verosimile dire il contrario. Gli Offhooks nascono infatti un paio di anni prima, con una formazione che comprende Lenny Helsing (batteria), Calvin Burt (voce), James Daly (basso) e Clive Fenton (chitarra). All’ epoca si chiamano Canadian Destinations e suonano oscure cover di beat europeo, australiano e americano. Cambieranno nome un paio di volte, prima di scegliere quello con cui si
consegnano alla “storia”. Le cover aumentano, ma anche gli abbozzi scritti dal gruppo cominciano a prendere forma e a trasformarsi in canzoni. Ed è a quel punto che la storia degli Offhooks si intreccia con quella dei Green Telescope, prossimi a diventare The Thanes of Cawdor e quindi, semplicemente Thanes. Mal Kergan, batterista dei GT, viene chiamato a diventare il bassista degli Offhooks (mentre il giovane Barry Stark diventa il secondo chitarrista, NdLYS). Calvin Burt e Lenny invece invertono i loro ruoli diventando batterista e vocalist tra le fila dei Thanes. Non ci avete capito un cazzo. E anche loro, all’epoca, cominciano a capirci pochino. Pubblicano un mini-LP per la DDT nel 1988 e, nello stesso anno, registrano due fantastiche cover di You ‘re on my mind (Birds) e Suicide (Royal Flairs) per il settimo volume di Raw Cuts. Due anni dopo è la volta del primo album vero e proprio, registrato in soli due giorni di Marzo del 1990 ai Chamber Studios di Edinburgo.

Solo, la macchina si inceppa. E tutto, all’ improvviso, scompare. Inghiottito da un inspiegabile buco nero. Scompare l’ etichetta (la Nightshift), scompaiono gli Offhooks, scompare il disco. Ptooofffff! Via, tutto scomparso.
“Outside Looking In“ riaffiora undici anni dopo, dal nulla in cui era finito, in 500 copie numerate e stampate su vinile da 180 grammi grazie alla State Records, l'etichetta gestita da Mole e Marty degli Higher State che ha prodotto alcune piccole gemme di cui nessuno pare accorgersi (Paul Messis, Groovy Uncle, Hidden Masters). Un grande album che gli appassionati del dutch beat, ad esempio, non dovrebbero lasciarsi sfuggire considerando che pezzi come You know my meaning (con "quel" giro di basso in classico stile Appie Rammers, NdLYS), la straordinaria Don 't say you know me (solcata da un'armonica devastante), Deaf Ears o Marion sono tormentati dagli spiriti degli Outsiders. Un brano come Wait è invece puro nettare Stones periodo 66/67 così come pezzi come Pass the time, Diana o Outta Luck sono invece più vicini al classico garage-sound americano ma sempre con uno spirito molto vicino al Maximum R'n'B europeo degli anni Sessanta, come poteva esserlo quello dei Tell-Tale Hearts. Un autentico masso staccatosi dalle pareti rocciose del 60s punk e che ha finalmente arrestato la sua corsa schiacciandoci come piccole larve di afidi.

Franco "Lys" Dimauro

State Records/The Offhooks

PIETRE MILIARI - THE VELVET UNDERGROUND – "White Light/White Heat" (1968, Verve)

2011-12-31T17:00:00.003+01:00

Titolo bianco-anzi-bianchissimo e copertina nera-anzi-nerissima per il secondo disco dei Velvet Underground. E’ l’ insegna della clinica newyorkese dove il rock ‘n roll degli anni Sessanta viene ricoverato nel 1968 per uscirne cadavere. Non prima di venire seviziato, torturato e amputato a dovere. “The Velvet Underground and Nico” era stato un suicidio commerciale. “White Light/White Heat“ ha tutta l’ aria di essere un suicidio e basta. Perché è un disco altrettanto violento ed oltraggioso ma
stavolta è orfano di qualsiasi patrocinio “di classe”: Andy Warhol e Nico hanno accompagnato la barella fino al corridoio della sala operatoria, poi hanno abbandonato l’ ospedale lasciando l’ equipe dei dott. Cale e Reed libera di tormentare quel corpo agonizzante. "White Light/White Heat" è un abominio di crudeltà. Liriche e musicali. Speed, chirurgia transgenica, decapitazioni, drag queens, pompini, omicidi, sborrate, sangue. Non manca niente della “poetica” Reediana dentro questo disco che è un abuso alle orecchie vergini degli adolescenti dei Sixties. Una roba da voltastomaco che costringerà Cary Kellgren a chiudersi in bagno a vomitare al terzo minuto e mezzo di Sister Ray, lasciando la band nell’ anarchia per altri quattordici minuti, con le manopole girate al massimo, l’ organo stuprato dalla distorsione e nessun’ ombra di basso. Nessuna regola. Perché non si registrerà nessun’ altra take per quel pezzo. Ognuno faccia ciò che vuole. Ognuno per sé e per nessun altro. Perché loro sono i Velvet Underground, non i Tre Moschettieri.

E’ un disco che richiede fegato e volumi altissimi malgrado nessun moccioso figlio di puttana potrà mai ascoltarlo se non con i potenziometri al minimo quando a casa girano mamma e papà. Perché qui non c’ è I want to hold your hands ma un branco di marinai che abusano di otto trans e ne fanno a pezzi qualcuna. E neppure quando
l’ impianto hi-fi di casa è spento sanno bene dove nasconderla quella cazzo di copertina nera come il veleno, in mezzo a quella discoteca casalinga piena dei colori abbaglianti dell’ estate dell’ amore e dell’ iridescente beat anglosassone. John Cale ha lasciato a casa la viola e sul nuovo album si diverte a massacrare tastiere e basso o a cantare impassibile alcune delle liriche più bizzarre di Reed come The Gift, macabramente ispirata a The Lottery di Shirley Jackson o l’ operazione chirurgica di Lady Godiva ‘s Operation. Tutto (ad eccezione della brevissima Here she comes now che taglia idealmente in due il disco) è hard qui dentro: linguaggio e musica sono le cose più devastanti e oltraggiose che l’ America possa tollerare all’ epoca. Provate a sentire l’ assolo di chitarra che squarcia la carne di I heard call my name, il basso tridimensionale e free di Cale sulla coda della title-track, la tastiera mastodontica che sommerge come un immenso schizzo di sperma il corpo sfatto di Sister Ray, il disgustoso impasto di chitarre che cola su uno dei due canali stereo di The Gift mentre John Cale racconta con la flemma di un imbonitore televisivo la storia carica di humour nero di un improbabile “regalo” giunto alla fidanzata di un tal Waldo Jeffreis: cos’ altro
c’ è di così morbosamente eccessivo e pesante in quel 1968 che doveva essere
l’ alba del nuovo mondo e che invece è l’ anticamera dell’ abisso? Buona immersione. L’ ossigeno nelle bombole è quasi terminato. Ho paura che stavolta dobbiate fare senza.

Franco Lys Dimauro

The Velvet Underground

SANDRO PERRI: “Impossible Spaces” (Uscita: 18 Ottobre 2011, Constellation Records/Goodfellas)

2011-12-31T16:00:00.003+01:00

# Consigliatissimo da DISTORSIONI

Dopo quattro anni di assenza dalle scene, ritorna Sandro Perri con “Impossible Spaces”, uno dei dischi più interessanti del 2011 che riconferma l’importanza di quest’artista nel panorama musicale canadese e internazionale. Già conosciuto dalla comunità di Toronto per gli altri suoi progetti Polmo Polpo e Glissandro 70 alla fine degli anni 90, Sandro Perri ha intrapreso in questi ultimi vent’anni dei
percorsi musicali completamente diversi tra di loro, che lo hanno portato ad esplorare le terre musicali della musica elettronica, jazz, psichedelia, noise, classica, rock. Il suo nuovo disco “Impossible Spaces” si propone come un compendio elegante di tutte le sue conoscenze e stili musicali. Ascoltare questo disco e’ come seguire un’albero genealogico della musica con fasi e tempi tra loro diversi. Quando si pensa di aver percepito uno stile, un’associazione musicale con un’altro gruppo o artista ecco venir fuori un altro suono. A ogni successivo ascolto l’ascoltatore rimane sempre più affascinato da nuovi dettagli che portano alla scoperta di un album che esplora inediti virtuosi territori o spazi musicali ritenuti impossibili, come vuole lo stesso titolo dell’album “Impossible spaces”, Spazi Impossibili.

Un’assolo di chitarra e sassofono si susseguono nel brano iniziale Changes, dove durante i primi quattro minuti predomina un gioco di chitarra elettrica che s’intreccia alla soave voce di Sandro Perri che qui ricorda vagamente Marc Bolan. Gli ultimi quattro sono lasciati a una piccola jam session puramente strumentale di funk psichedelico. Changes certamente riferiti ai cambiamenti avvenuti nella crescita musicale che Sandro Perri ha sperimentato in questi anni ‘Could- could be changes... maybe we change’ (ci possono essere cambiamenti, forse noi cambiamo). Love&Light ricorda un po’ le atmosfere del connazionale Patrick Watson con Perri che flirta musicalmente con la bossa nova e la tropicalia degli anni 60. Segue How will I, dedicata alla riflessione personale e all’esperienza della separazione, del vuoto creato dalla prematura scomparsa di un suo amico e collaboratore morto di leucemia a soli trent’anni. Il testo recita: 'Hand in my hand, shoulder to shoulder / Today, it looks like love is bolder'(mano nella mano, spalla contro spalla. Sembra che oggi l’amore abbia preso un maggior rilievo). Anche qui la canzone si sviluppa su due parti, la prima dolcissima e la seconda cresce seguendo nuove tonalità e nuovi ritmi. Gli ultimi tre minuti che finiscono con un synth impazzito sono assolutamente mozzafiato, soprattutto se avete una predilezione per certe sonorità legate agli anni 70.

La leggiadra Futreactive Kid e la strumentale Futureactive Kid II si sviluppano attorno alla tematica dell’eterno confronto del valore dell’apertura verso il mondo esterno, verso gli altri da una parte e del bisogno di solitudine, introspezione e silenzio dall’altro. In Wolfman sentirete suggestioni sonore che variano da Neil Young a Bad Brains, non una facile accoppiata ma il risultato e’ incantevole. L’album si chiude con Impossible Spaces i cui testi sono stati scritti da Sandro Perri e il suo compianto amico Jordan Somers. Dopo un sentiero di dubbi e domande sul senso della vita, Sandro e Jordan incitano alla vita e all’esplorazione dei limiti del possibile tenendo stretto il bagaglio del passato. Delle lezioni e un disco preziosi da tenere stretti al cuore. La grafica dell’album e’ stata curata dalla stesso Sandro Perri. La copertina del cd e’ in carta riciclata al 100%. Disponibile anche in vinile dal peso di 180 grammi di cui la prima versione (ancora disponibile) include un poster colorato ed un coupon per il download gratuito del disco su MP3.

Myriam Bardino

Constellation Records/Sandro Perri

DIAMONDS - THE BEASTS OF BOURBON: "Sour Mash" (1989, Red Eye)

2011-12-31T15:40:00.003+01:00

L’ ultimo capolavoro della stagione d’ oro del rock australiano si intitola “Sour Mash” ed è nero come il bitume. Proprio mentre Nick Cave guarisce gradatamente dal licantropismo della giovinezza e i Gun Club abdicano dal ruolo di leader del revisionismo roots degli anni Ottanta, i Beasts of Bourbon escono fuori con un disco che affonda i piedi nelle latrine del blues più orrido ed osceno. Il canto di Tex Perkins è un gargarismo etilico che insudicia il corpo già sconcio di canzoni come
Playground o These are the good old days. Il ritorno delle Bestie, dopo la separazione che era seguita alla pubblicazione di “The Axeman ‘s Jazz”, si consuma in una giostra di blues sfigurati che rimandano alle gesta di un vecchio serial killer come Captain Beefheart. Analogo è il gusto per lo sfregio, per la deturpazione e per il vilipendio alla sacralità del blues. Un oltraggio lungo 52 minuti e 15 canzoni. Registrato in soli due giorni agli Electric Avenue Studios di Sydney con James Baker costretto a suonare nel pianerottolo per sfruttare l’ eco naturale della tromba delle scale, “Sour Mash” trasforma l’ hillbilly rinsecchito e il country disidratato del primo album in una catramosa poltiglia blues. Una ghiandola gonfia di fiele che schizza il suo veleno bilioso. Un’ arteria recisa da cui sgorga sangue iniettato di bourbon. Percorso da una perversione accidiosa e misantropa, Sour Mash è un decalogo sulla sepoltura del blues e sull’ oltraggio necrofilo alla sua ultima, definitiva dimora.

Franco Lys Dimauro

Beasts Of Bourbon

VERDENA: “Wow” (Uscita 18 gennaio 2011, Edizione deluxe: 20 settembre 2011, Universal Records)

2011-12-31T12:03:00.001+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

E' uscita lo scorso settembre l'edizione deluxe dell'album “Wow” dei bergamaschi Verdena, accompagnato dal dvd “Amatour” contenente registrazioni video del tour 2011. La riedizione del disco a pochi mesi di distanza dalla sua uscita dà il segno del successo dell'album che è tutto sommato sorprendente. Non perché “Wow” non sia un bell'album, tutt'altro, ma non è certo un disco facile
, di quelli che ci si aspetta scalino le vette delle classifiche di gradimento. Eppure così è stato. Non è un album facile perché il suono di “Wow”, dominato da atmosfere hard psichedeliche, è tendenzialmente cupo, a tratti claustrofobico, con linee “dark” molto marcate. I pezzi appena appena più “luminosi” si contano sulle dita di una mano, come Mi coltivo (tra i migliori dell'album), Attonito, E' solo lunedì, Rossella roll over (che, per inciso, comincia con una citazione di Ob-la-di Ob-la-da dei Beatles). Questi sono anche i brani più apprezzabili e non certo perché siano meno “dark” ma perché offrono qualche variazione rispetto all'impatto generale dell'album che alla lunga, trattandosi per di più di un doppio contenente 27 tracce, diventa un po' monocorde e evidenzia la mancanza di una direzione precisa. Poi a volte il suono si fa anche più melodico, in pezzi come Castelli per aria, Sorriso in spiaggia, Tu e Me, Nuova luce, Canzone ostinata.

Il risultato complessivo è comunque indubbiamente molto buono, soprattutto perché un lavoro come “Wow” spicca nel panorama italiano. Al quinto album, uscito a distanza di quattro anni dal precedente “Requiem”, i Verdena hanno evidentemente assorbito appieno l'esperienza risultata dalla collaborazione passata con personaggi di grande caratura del rock italiano come Giorgio Canali (CCCP, CSI, PGR) e Manuel Agnelli degli Afterhours. E, senza andare a cercare paragoni lontani (tra tutti, ci starebbero i Radiohead in versione più psichedelica, all'estremo nel bel singolo Razzi Arpia Inferno e Fiamme), proprio ai primi Afterhours, quelli di “Germi”, il suono di “Wow”è per molti versi avvicinabile. In realtà, i 27 brani di “Wow”, i cui testi sono stati tutti scritti da Alberto Ferrari, cantante e chitarrista del gruppo, che ha anche prodotto il disco, inglobano tanti riferimenti, strizzano l'occhio a generi diversi e sperimentano mescolanze tra suoni, e lo fanno anche egregiamente, ma proprio per voler inglobare tanto, il risultato è poco distintivo e poco personalizzato alla prova del doppio album. Difficile da etichettare un lavoro come “Wow” (ma questo non sarebbe certo un male) ma difficile anche da considerare come un traguardo. Semmai è un punto di partenza, di certo un punto di svolta, dal quale percorrere una strada propria.

Rossana Morriello

Verdena

LIVE REPORT - “Kirlian Camera + Satanismo Calibro 9“ (9 Dicembre 2011, Zoe Club, Milano)

2011-12-30T18:42:00.019+01:00

Seconda mia tappa del Dark Tour di dicembre che mi porta allo Zoe Club per una serata quantomeno particolare se non affascinante. Arrivo in un locale che per quanto piccolo, non è ancora pieno e ho il tempo di fare un giro tra i banchi che vendono dischi di musica electro, dark et simili trovando anche alcune cose interessanti. Intorno alle 22.30 inizia il set dei Satanismo Calibro 9, collettivo a proposito
del quale ammetto la mia assoluta ignoranza, ma che mi ha stupito per la particolarità della proposta non tanto a livello “musicale”, perché qui si va ben oltre tra un personaggio vestito da prete che intona litanie distorte ed un gruppo di loschi figuri incappucciati a declamare frasi tra il blasfemo, l’irriverente e l’invito alla riflessione, mentre sullo sfondo (peccato un pò troppo lontano rispetto al pubblico) scorrono immagini tratte da documentari e films a tema sacro e dissacrante. Sono poi venuto a scoprire che questo gruppo raramente si esibisce dal vivo ed i loro dischi hanno un discreto seguito “di culto” ma, onestamente, non mi sento in grado di esprimere un giudizio che vada oltre termini tra il perplesso e l’interessante. L’evento però, almeno per il sottoscritto, è rappresentato dal ritorno a Milano dopo quatto anni, dei Kirlian Camera, lo storico gruppo ora con Elena Fossi e Angelo Bergamini membro/fondatore originale dal 1983. La band, in formazione a quattro e rigorosamente senza batteria, sale sul palco intorno alle 23.20 davanti ad un pubblico non certo numeroso, ma non per questo si risparmiano dimostrandosi dei seri professionisti e proponendo uno show che ha spaziato da loro vecchi successi quali Heldenplaz o Eclipse, piuttosto che cover di brani quali Hymn degli Ultravox o una Comfortably Numb resa davvero in pieno stile Kirlian Camera, con in primo piano una Elena Fossi davvero in gran spolvero, e senza dimenticare brani dall’ultimo lavoro del gruppo, “Nightglory” che certo non brilla per originalità all’interno della produzione della band, ma si conferma comunque un ottimo prodotto “di genere” con alcuni brani di sicuro interesse. Il sound certo non è aiutato dall’acustica del locale che impasta un po’ i volumi rendendo il tutto un po’ troppo piatto per un suono che, probabilmente, necessità di spazi più aperti per rendere al meglio. La band suona in tutto una quindicina di brani in un’ora e mezza, inclusi gli encore che li hanno visti entrare ed uscire dal backstage per ben tre volte, richiamati a gran voce da un pubblico che, per quanto sparuto, non ha disdegnato gli apprezzamenti nei loro confronti. Ecco, la seconda tappa del tour è terminata, torno a casa soddisfatto per aver potuto osservare un mito della musica italiana probabilmente più riconosciuto all’estero che in casa nostra (ma non è l’unico caso) in perfetta forma e in un contesto “intimo” che sicuramente meriterebbe una cassa di risonanza maggiore ma sì sa … siamo in Italia!

Ubaldo Tarantino
Video di Ubaldo Tarantino
Foto di Viola Violetta

THEE CORMANS: “Halloween Record W/Sound Effects” (Uscita: 11 Ottobre 2011, In The Red Records/Goodfellas)

2011-12-30T18:10:00.013+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

La In The Red records non è mai stata un’etichetta che ha privilegiato, nella sua storia, un approccio “filologico” al garage rock. Basta sfogliare il suo catalogo per rendersi conto di come la linea editoriale della label californiana abbia puntato tutto su una (re) visione contemporanea e, molto spesso, sperimentale del garage rock (e non solo): dai Black Lips ai Lambs, passando per i Pussy Galore, i Volt
, Demolition Doll Rods e Dirtbombs le bands targate In the red hanno sempre puntato verso la rielaborazione di un genere molto spesso (e molto spesso a ragione) fossilizzato nella ripetizione di moduli musicali ben riconoscibili e fissi. Così facendo l’etichetta è riuscita a creare un sound ben riconoscibile, un vero e proprio marchio di fabbrica portato avanti da bands accomunate da uno stesso approccio al genere, in cui il garage rock sconfina molto spesso nel lo-fi più malato, flirta con l’elettronica e con il noise, sfornando, nella maggior parte dei casi, prodotti di “avant-garage” estremamente interessanti. Al lungo elenco di bands In the red si aggiungono ora i Cormans, quartetto californiano votato al surf strumentale rivisitato in chiave, si potrebbe dire, postmoderna (se è ancora lecito utilizzare questo abusatissimo termine), autoironica, citazionista e politicamente scorretta. "Halloween Record w/ sound effects" è un disco in cui i cardini del genere che fu dei Ventures vengono destrutturati con sapienza, e il risultato è a tratti sorprendente. La ricetta dei Cormans è presto detta: prendete Davie Allan & The Arrows, i Ventures, gli Shadows e frullate tutto con i Mummies e il lo-fi punk, una buona dose di campionamenti ed effetti sonori tratti da film horror e sci-fi (i sound effects promessi dal titolo del disco), i film di Roger Corman (ça va sans dire…), l’estetica biker un po’ cafona presa dagli exploitation movies di serie Z, mixate tutto con una buona dose di ironia e di attitudine “weird” (la mise con cui la band si presenta è inequivocabile) e otterrete il suono e l’immagine della band. La struttura dei pezzi è ridotta ai minimi termini: tutto ruota intorno ad une serie di riff stilizzati e minimali, la bassa fedeltà la fa da padrona per tutta la durata del disco, i riverberi sono alti come non mai, e contribuiscono a creare un effetto psichedelico e vagamente straniante che accompagna gli stridori cavernosi delle chitarre e i campionamenti che si intrecciano alla martellante e destrutturata esecuzione degli stereotipi della chitarra surf. Volutamente sghembi e sfilacciati, a tratti esplicitamente dissonanti (vedi Werevolves in heels: una specie di “Thurston Moore meets Davie Allan”) i Cormans offrono una rivisitazione del surf rock divertente e leggibile a più livelli, che in un certo senso fa da contraltare alla “glaciale” (ma forse altrettanto “weird”) idea del surf messa in pratica dai russi Messer Chups. Il tutto forse sa un po’ troppo di giochino intellettuale, ma l’elevata dose di (auto)ironia ed un innegabile talento per la dissacrazione riesce ad evitare che il disco risulti freddo, e fa dei Cormans una delle band migliori del garage “rivisitato” di marca In the red.

Luca Verrelli

In The Red Records/Thee Cormans

FAREWELL POETRY: "Hoping for the Invisible to Ignite" (Uscita: 26 settembre 2011, Gizeh Records)

2011-12-30T17:07:00.019+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

FareWell Poetry è un collettivo di artisti che nasce a Parigi nel 2009 attorno all’idea di un progetto sperimentale che coniugasse insieme immagini, musica e poesia. Il collettivo, nato su iniziativa di Frédéric D. Oberland e Jayne Amara Ross cui si sono aggiunti Stéphane Pigneul, Eat Gas, Stanislas Grimbert e Colin JohnCo, dà vita ad un rock strumentale che miscela insieme minimalismo classico e sperimentazione noise in costruzioni tanto stratificate quanto delicate. Dietro una facciata shoegaze e drone si nasconde un nucleo narrativo denso e poetico che si basa sull’immaginario oscuro e sensuale di Jayne Amara Ross (che ho intervistato, qui troverete l’intervista, nella quale Jayne parla dei suoi film, della sua poesia e dei FareWell Poetry). "Hoping for the Invisible to Ignite" prende avvio da As true as Troilus, brano che dopo una prima fase narrativa, si apre ad una melodia molto malinconica e suggestiva. As true as Troilus descrive la difficoltà di vivere l’autenticità, laddove la sincerità, prima di essere un patto di fedeltà verso il proprio amante, è un patto di fedeltà verso il proprio cuore. L’ermetico ed oscuro All In The Full, Indomitable Light Of Hope (part I) introduce All In The Full, Indomitable Light Of Hope (part II) vero cuore pulsante dell’album, capace di aprirti l’animo per quella straordinaria forza evocativa che mescola insieme bellezza ed emozione in un intreccio che è davvero difficile sbrogliare. Il bianco e nero dei film super 8 e 16mm che i FareWell Poetry proiettano sempre durante le loro performance non va inteso come un’operazione esclusivamente estetica. Nell’immaginario dei Farewell Poetry c’è sempre una contrapposizione, una antitesi, un bianco e nero, in cui la verità è polarizzata tra due estremi divergenti. Non è un caso che la poetica dei FareWell Poetry prenda spesso ispirazione dalla mitologia greca, da quella sterminata raccolta di narrazioni in cui la violenza e l’oscurità sono legate a doppio filo alle leggi della necessità e dei cicli naturali. Le stagioni, di cui narra Ovidio nelle sue Metamorfosi e di cui Jayne recupera le immagini con grande forza evocativa, attingono ad una energia vitale che è spesso messa in moto dalla violenza e dalla brutalità. Un intreccio che lega insieme amore e morte (ἔρως e θάνατος), vita e violenza (βίος e βία) in un groviglio che è davvero difficile sbrogliare ed in cui non esistono scorciatoie o vie di fuga. Ogni energia creativa è sempre annodata ad un risvolto oscuro, in più delle volte tragico. Questo traspare anche nel malinconico brano di chiusura In dreams airlifted out. Ma è vero anche il contrario. Anche nei periodi ciclici di oscurità, esiste sempre una luce di speranza, una promessa di energia che si agita sotto il terreno ghiacciato. E’ questa la speranza che anima intimamente il nostro inconscio e che costituisce la bellezza appassionata e malinconica di "Hoping for the Invisible to Ignite", sicuramente uno degli album più emozionanti del 2011. Imperdibile.

Felice Marotta

Gizeh Records

WOVENHAND: "Black Of The Ink" Libro + CD (Uscita: 8 Dicembre 2011, Glitterhouse Records)

2011-12-30T15:50:00.012+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Con alle spalle sei albums i Wovenhand ritornano con una preziosa sinopsi dei loro lavori precedenti: “Black on the Ink”, un EP accompagnato da un elegante libricino. Wovenhand e’ il progetto che ruota attorno alla figura emblematica di David Eugene Edwards già portavoce e leader musicale, aggiungerei, spirituale, dei 16 Horsepower. Nipote di un predicatore e cresciuto nel Colorado i suoi testi contengono
(ed hanno sempre contenuto) diversi riferimenti biblici al bene e al male, al conflitto spirituale che esiste nell'intimo di un uomo, alla redenzione e anche alla storia sanguinosa del Colorado durante la quale migliaia di indiani furono uccisi nella folle corsa all’oro dell'uomo bianco. I testi recitati sono finalmente anche su carta in questo bellissimo libricino di 110 pagine con copertina rigida, contenente tutti i testi dei Wovenhand scritti a mano e illustrati dallo stesso David Eugene Edwards. Un fine lavoro editoriale come ancora pochi ne rimangono in quest’era tecnologica. Ad accompagnare il libretto anche un cd contente una canzone di ciascun album precedente ri-arrangiata in una nuova esclusiva versione.

Myriam Bardino

Glitterhouse Records/Wovenhand

ALLAN GLASS: "Guzznag" (Uscita: 20 gennaio 2012, The Toilet Smokers Club Records)

2011-12-29T16:58:00.007+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Allan Glass è un progetto di due ragazzi di Alessandria, dediti ad un suggestivo revival di psichedelia e noise di matrice elettronica ben strutturato, questo è il loro secondo Ep dopo “Stanze con crepe”, registrato nel 2008. I Guzznag sono dei malefici folletti che popolano alcuni libri per bambini e quello
che viene fuori da queste cinque tracce è proprio un clima fatato, rumorista ed oscillatorio, tremendamente inquietante. Chitarre scarne, batteria essenziale, voci sussurrate che si amalgamano come lamenti alle sferrate distorte e pastose; non c'è un inizio e una fine, si ha come la sensazione di nuotare in un mare caratterizzato da onde alterne, dove l'abisso è più vicino di quanto si può pensare e la salvezza diventa quasi impossibile. Tracce di psichedelia di alta scuola Norvegese, (vedi Motorpsycho), ondate di elettronica malsana e volutamente difettosa, sonorità amorfe che si dissolvono in bolle di riff acidi. Un indie rock sperimentale, tutto sommato interessante e coraggioso, elaborato da chi ancora mette in primo piano la ricerca del suono più che la concretezza del melodico; un difficile e lento tragitto sonoro, che resterà ostico ai più. In alcuni tratti mi sono venuti in mente anche i Gea, loro vicini di casa, che negli anni 90 avevano fatto cose molto buone, ma che sfortunatamente, come tanti eroi del sottosuolo alternative di quel periodo, hanno raccolto molto poco. Le sole cinque tracce (di cui un intro ed un outro) già sono dure da digerire, se teniamo conto del livello di sperimentazione che gli Allan Glass ci fanno assaggiare come antipasto nel loro Ep, per tanto un intero disco potrebbe trasformare pericolosamente il progetto da interessante a noioso. Detto ciò, auguriamo il meglio alla giovane band, perchè il coraggio e la sperimentazione di questi tempi vanno premiati, anche se non tutti forse riusciranno a capire e seguire il percorso per niente facile proposto.

Luca Fiorucci

Allan Glass/MySpace

PICCHIO DAL POZZO: “Picchio dal pozzo” (Uscita: 7 dicembre 2011, Goodfellas)

2011-12-29T15:26:00.012+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Ecco finalmente la ristampa per il mercato italiano di uno degli album più importanti del progressive italiano: nel 1996 era stata la coreana Si-Wan Records a ad editarlo per la prima volta in cd dando il via al rilancio della formazione genovese, e nel 2003 la giapponese Arcangelo lo aveva inserito in un cofanetto dedicato all’etichetta Grog. I Picchio dal pozzo nascono a Genova da un quartetto di amici
che sono cresciuti a pane e musica: Andrea Beccari basso, Aldo De Scalzi tastiere, Paolo Griguolo chitarre, Giorgio Karaghsoloff fiati, poi tutti si alternano alle percussioni e alla voce, successivamente la formazione nel corso della sua breve storia si arricchirà di altri musicisti. Il disco uscirà solo nel 1976, anche se i quattro suonavano già da 5 anni insieme, per l’etichetta Grog, creata da Aldo De Scalzi e dal fratello Vittorio, un momento non troppo fortunato per il progressive che già sentiva sul collo il fiato delle nuove ondate punk e new wave che di lì a poco avrebbero rivoluzionato il mondo del rock e fatto precipitare le azioni del prog, ma oggi questo genere sembra conoscere una nuova vita e gli appassionati scavano avidamente alla scoperta di tesori del passato, e ben difficilmente si faranno scappare l’occasione di avere nella propria discoteca quest’opera. Ma veniamo alla musica, quella dei Picchio dal pozzo ha due padri putativi, uno é Robert Wyatt, al quale il disco è dedicato sotto il nome di Roberto Viatti, e l’altro il genio beffardo di Frank Zappa.

Il risultato è un disco in cui si respira libertà creativa, sottile ironia, mescolanza dei linguaggi: rock, free jazz, folk, etnica in una dimensione che li colloca vicini a gruppi come Henry Cow e Slap Happy o gli svedesi Samla Mammas Manna o i cechi Plastic People of the Universe. Ed ascoltarli oggi è un grande piacere, si rimane stupefatti per la grande varietà di suoni, per i continui cambi di ritmo e atmosfera, per le parti cantate, spesso filastrocche e ritornelli o recitativi, per i testi talvolta assurdi e affascinanti, per la tensione creativa che si coglie in ogni nota, per l'ottima tecnica di esecuzione. Ogni brano, in un album che non ha momenti di stanca e si mantiene sempre su alti livelli, ci trasmette ancora oggi la grande gioia del fare musica, il divertimento e l’affiatamento dei musicisti, la leggerezza bizzarra che li avvicina a gruppi come i Gong, la fantasia che si respira sin dai singolari titoli affibbiati alle canzoni. C’è però il rammarico che tanta ricchezza e potenzialità non furono colte dal pubblico dell’epoca e questo ha fatto che sì che l’esperienza si chiudesse dopo soli tre dischi, ma oggi, anche attraverso questa fondamentale ristampa il cui merito va tutto alla coraggiosa Goodfellas, gli amanti della buona musica hanno dato il giusto posto alla band genovese e possono godere della loro musica senza rovinarsi il portafogli, o seguire le sortite live che Picchio dal Pozzo, ora composto da sette musicisti, dedica ai loro fan. Al cd è allegata una bonus track, Seulement, registrata dal vivo nel 1979, dal meraviglioso spirito zappiano che diventerà predominante nelle successive uscite discografiche.

Ignazio Gulotta

Picchio dal pozzo/Goodfellas

DAMO SUZUKI’S NETWORK: “Sette modi per salvare Roma” (Uscita: 2 dicembre 2011, Goodfellas)

2011-12-29T14:21:00.012+01:00

# Consigliatissimo da DISTORSIONI

Questo cd, che segna il debutto discografico della formazione, è la testimonianza del concerto tenuto dal gruppo il 20 gennaio 2011 al Circolo degli Artisti di Roma, un set live vulcanico e febbrile che vede alcuni dei migliori musicisti italiani del giro alternativo accompagnare il cantante Damo Suzuki, che dopo essere stato la voce dei
grandissimi Can fino a “Future Days”, adesso gira per il mondo unendosi a giovani musicisti locali che lo spalleggiano nelle sue performances. Autentico vagabondo del rock, Damo Suzuki stupisce ancora oggi per l’inesauribile forza ed energia che la sua voce sprigiona, per l’effervescenza creativa, per l’attitudine libera e ribelle della sua musica, e questo cd ne testimonia in pieno la qualità. Grazie anche ai musicisti che lo circondano: Manuel Agnelli (Afterhours) al piano e al sinth, Enrico Gabrielli (Afterhours, Calibro 35) ai fiati, Xabier Iriondo (Afterhours, A Short Apnea) chitarra e un cordofono auto costruito, e Cristiano Calcagnile batterista di formazione jazzistica, che dimostrano un grande affiatamento nell’andar dietro al frenetico cantato di Suzuki. Il risultato è un free rock in cui gli strumenti volano liberi, si inseguono incessantemente in un continuo di fughe e intrecci sonori che fanno da ideale tappeto sonoro alla voce di Suzuki, roca, furibonda che si avviluppa in una sorta di continua cantilena che provoca uno strano effetto ammaliante e straniante allo stesso tempo. Quello di Suzuki è un cantare che prescinde dalla melodia, ma dalla potente forza espressiva che trasmette inesausta energia e una sfibrante forza emotiva che trova nei musicisti che lo accompagnano il perfetto complemento. Potremmo dire gli Zu che incontrano un David Thomas più rabbioso che mai e che si imbevono di sonorità kraut. Ascoltate i quasi 12 minuti della lunga e coinvolgente Alphabet Zoo, forse il brano più bello dell’album, con la voce che parte come uno spoken word sempre più ritmato e roco e gli strumenti che la seguono meravigliosamente scambiandosi di volta in volta il ruolo di coprotagonisti, dalla batteria, al piano, al flauto, alla chitarra fino ad un vorticoso e gioioso finale in crescendo, autentico inno alla libertà e all’improvvisazione. Certo il cd non può restituirci la presenza scenica dell’ex cantante dei Can, ma l’emozione di una serata di grande musica che va oltre gli steccati dei generi sì.

Ignazio Gulotta

Damo Suzuki/Goodfellas

SEAN BONNIWELL: (August 16, 1940 – December 20, 2011) The Music Machine and other stories

2011-12-28T19:40:00.052+01:00

Si formano nel 1965 a San Jose, California i Music Machine, la band più nota di Thomas Harvey Sean Bonniwell, carismatico cantante e chitarrista scomparso il 20 dicembre scorso all'età di 71 anni. Ma prima di formare uno dei gruppi più significativi e originali della scena garage sixties americana Bonniwell ha già alle spalle un'importante esperienza musicale e tre album per la RCA con il gruppo folk The Wayfarers. Fuoriuscito dai Wayfarers insieme al bassista Keith Olsen dà vita ai Ragamuffins con il batterista Ron Edgar.
Nel 1966 i Ragamuffins vedono l'ingresso del chitarrista Mark Landon e del tastierista Doug Rhodes e cambiano il nome in The Music Machine. Il suono scuro e dominante dell'organo Farfisa, insieme alla voce decisamente particolare di Sean Bonniwell, ruvida e graffiante ma allo stesso tempo profonda e intensa, sono ciò che caratterizza il risultato sonoro del gruppo. Un suono duro, cupo, garage punk, ma non certo grezzo e selvaggio come per molte band garage, al contrario estremamente sofisticato. Dal punto di vista estetico la band adotta un look altrettanto personalizzato e riconoscibile, con i capelli rigorosamente a caschetto e l'abbigliamento totalmente nero, e con l'aggiunta di un guanto di pelle nera indossato solo sulla mano destra da tutti i componenti. Subito dopo aver ribattezzato il gruppo in The Music Machine i cinque fanno uscire il primo singolo scritto da Bonniwell, Talk Talk, che ha un buon successo anche di classifica, regala al gruppo qualche apparizione televisiva e rimane comunque uno dei loro pezzi più rappresentativi. Il singolo anticipa l'album “(Turn On) the Music Machine”, capolavoro del garage anni '60, contenente dodici brani, di cui sette scritti da Bonniwell e cinque cover. Il suono del disco è particolarmente originale e innovativo per i tempi, i testi sono anticonformisti, e l'etichetta, la Original Sound, decide di scartare alcuni altri brani originali per inserire invece delle più “rassicuranti” cover, nella cui reinterpretazione la band dimostra comunque le sue eccellenti qualità. Le cover sono Taxman dei Beatles, Cherry Cherry di Neil Diamond, See See Rider di Ma Rainey, 96 Tears di Question Mark and The Mysterians e una versione lenta e sinuosa di Hey Joe, pezzo di Billy Roberts portato al successo da Jimi Hendrix che Bonniwell avrebbe voluto come singolo. Il secondo singolo estratto dall'album è invece, per volontà dell'etichetta, The People in Me che, pur non raggiungendo i successi di vendite del primo, Talk Talk, resta uno dei brani più belli dei Music Machine, con un vivace giro di basso a marcarne il ritmo. Ma anche gli altri pezzi dell'album come i bellissimi Trouble, Masculin Intuition, Wrong, Come On In, o i singoli usciti successivamente come la splendida Double Yellow Line o la potente The Eagle Never Hunts the Fly, intrisa di chitarre fuzz, sono testimonianza delle capacità compositive di Bonniwell e delle potenzialità della band. Potenzialità che purtroppo rimarranno da allora in poi inespresse poiché dopo un tour promozionale del disco negli Stati Uniti il gruppo si scioglie per conflittualità interne dovute principalmente alla non limpida gestione dei diritti da parte del manager, Brian Ross, e dell'etichetta.

Bonniwell prosegue la sua carriera, prima con The Bonniwell Music Machine, col cui nome esce nel 1967 l'album omonimo che però raccoglie per la maggior parte singoli registrati precedentemente con la formazione originale. Il disco non raggiunge il successo di “Turn On” e Bonniwell rompe il contratto con l'etichetta, cedendo i diritti sull'uso del nome del gruppo, ma non prima di aver fatto uscire alcuni altri singoli tra cui, nel 1968, l'ormai raro Nothing's Too Good For My Car / So Long Ago, a nome Friendly Torpedos. Ci prova ancora, due anni più tardi, come solista, col nome di T.S. Bonniwell, e pubblica con la Capitol l'album “Close”. Anche questo lavoro, dalle sonorità decisamente più pop, non dà i risultati sperati e il cantante interrompe la sua carriera musicale per dedicarsi alla meditazione e al misticismo, fino agli anni '80 quando ricompare sulle scene con gli Heaven Sent, un gruppo di musica religiosa. Negli anni '90 ritorna anche alla musica rock e collabora con diversi musicisti. Nel 1991 è ospite dell'album "Braindrops" dei Fuzztones, come backing vocalist nel brano All the King's Horses e nella cover del suo stesso singolo The People in Me, e nel 2006 compare come ospite nell'album omonimo dei The Larksmen, gruppo garage di Los Angeles, per il quale scrive anche qualche composizione e con il quale si esibisce in alcuni concerti. Nel 1996 pubblica un libro di memorie intitolato “Talk Talk - The True Life Journey Of Sean Bonniwell: A Metaphysical Pilgrimage To Truth And Beyond”, in seguito ripubblicato, in una nuova edizione rivista, come “Beyond the Garage” (di cui, per inciso, non sarebbe affatto male vedere una traduzione italiana).A partire dagli anni '80, quando in epoca neo-garage i Music Machine sono stati scoperti e rivalutati, l'album “Turn On” è stato oggetto di alcune ristampe e sono uscite diverse raccolte antologiche di loro materiale, con moltissimi inediti riportati alla luce, come "The Ultimate Turn On" uscita nel 2006. Un grande patrimonio sonoro che ha influenzato moltissime band della scena neo-garage degli anni '80, che è fonte di ispirazione ancora oggi per la nuova scena garage contemporanea e che resterà come il più prezioso dei testamenti di Sean Bonniwell.

Rossana Morriello

Sean Bonniwell Sito Ufficiale

Sean Bonniwell Discography: # Consigliato da DISTORSIONI
Studio albums
# (Turn On) The Music Machine (1966)
# The Bonniwell Music Machine (1967)
Extended plays
Talk Talk (1967)
Compilation albums
The Best of The Music Machine (1984)
The Music Machine (1994)
# Beyond the Garage (1995)
Rock 'N' Roll Hits (1997)
Turn On: The Best of the Music Machine (1999)
# Ignition (2000)
# The Ultimate Turn On (2006)
Singles
"Talk Talk" / "Come On In" (1966)
"The People in Me" / "Masculine Intuition" (1967)
"Double Yellow Line" / "Absolutely Positively" (1967)
"The Eagle Never Hunts the Fly" / "I've Loved You" (1967)
"Hey Joe" / "Taxman" (1967)

"Advise and Consent" / "Mother Nature, Father Earth" (1969)
As The Bonniwell Music Machine
"Bottom of the Soul" / "Astrologically Incompatible" (1967)
"Me, Myseld And I" / "Soul Love" (1968)
"Tin Can Beach" / "Time Out for a Daydream" (1968)
"You'll Love Me Again" / "In My Neighbourhood" (1968)
"Point of No Return" (1997)

LIVE REPORT - "Zen Circus" (19 Novembre 2011, Auditorium Flog, Firenze)

2011-12-28T18:40:00.012+01:00

Dopo l'ottimo riscontro di pubblico e critica dell'ultimo ottimo album "Nati per Subire" i pisani Zen Circus erano attesi al riscontro live da un numero sempre più crescente di appassionati. La data di Firenze nonostante la concomitanza di un incontro di calcio di cartello, ma grazie al fatto che si svolgeva di sabato sera, ha registrato un ottima affluenza anche se la Flog non era completamente esaurita, visto anche che il gruppo aveva già suonato nella vicina Livorno in apertura della tournée, e che successivamente sarà di scena ad Arezzo, sempre in Toscana.
Il pubblico presente era composto in massima parte da giovani, giovanissimi nelle prime file, molto ben preparati visto che mandavano a memoria gran parte delle songs proposte nella serata, in particolare quelle dell'ultimo album proposto nella quasi totalità. Tra una canzone e l'altro Andrea Appino presentava i brani con gustosi aneddoti, senza affondare i colpi riguardo all'attuale situazione politica italiana, talmente disastrata da meritare la compassione dei tre Zen Circus, che ritenevano sufficiente i testi delle loro canzoni quali ideali specchi della nostra realtà. Dal disco con Brian Ritchie “Villa Inferno” era naturale aspettarci i tre pezzi più attesi dalla folla di aficionados ed infatti Appino e banda hanno proposto Vent'anni, applauditissima dei teen-agers in pole position, Vana Gloria, una sorta di Violent Femmes song cantata in lingua italica come sarebbe piaciuto a Gordon Gano per finire con Figlio di puttana, all'ascolto della quale ho sentito aleggiare nella sala il fantasma di Rino Gaetano tante sono le similarità vocali e non solo in questa ballata sgangherata con lo sfortunato songwriter calabrese. Molto applaudite pure le canzoni dal precedente “Andate tutti affanculo”, dalla immancabile jam acustica della title track fino alle significative L'egoista e Gente di Merda. Simpaticissimi come sempre Andrea Ufo e Karim, quest'ultimo davvero un personaggio fuori dalle righe, con la sua batteria "minimale" come è solito definirla, posizionata in zona avanzata al centro palco a differenza del 99% degli altri gruppi che sono soliti confinarla nelle retrovie. Adesso che il trio pisano ha pare definitivamente optato per la lingua italiana i testi rivestono un'importanza fondamentale, e sembrava che anche gli spettatori presenti oltre che divertirsi a saltellare tutto il tempo lo avessero ben presente: insomma gli Zen Circus magari non saranno The Fugs italiani però il loro essere diretti e sinceri, blasfemi al punto giusto fa sì da differenziarli dalla stragrande maggioranza delle bands dell'ex belpaese. Dopo un ora circa dall'inizio spettacolo, aperto va sottolineato dagli interessanti Fast Animals & Slow Kids i tre si sono ripresentati per un generoso bis con quattro canzoni, due ripescate dal dimenticato ed interessante “Vita ed opinioni di Nello Scarpellini”, disco al quale i Circus sono particolarmente affezionati, per poi finire il tutto con Nati per subire, una song barricadera già dal titolo e che se fosse stata scritta in inglese non sfigurerebbe nel repertorio dei gloriosi Clash. Sottolineando che il lungo giro per l'Italia dei nostri risparmierà poche città da nord a sud, mi preme riaffermare il piacere di assistere ad una esibizione degli Zen Circus, il divertimento è assicurato, la bravura dei tre è fuori discussione e la loro generosità e simpatia pure, insomma un esperienza ed un’ avventura sonora e visiva che consiglio a tutti.

Ricardo Martillos

LIVE REPORT - “The Sonics” (25 novembre 2011, Bronson, Ravenna)

2011-12-28T17:18:00.030+01:00

Il 25 novembre, a Ravenna, sotto il palco del Bronson mi sono subito resa conto di quanto sarebbe stato difficile fare questo live report, di quanto sarebbe stato difficile, cioè, scindere l'aspetto oggettivamente musicale del concerto da quello emozionale (ammesso che ciò sia mai possibile in un concerto). Sì perché i Sonics sono uno di quei gruppi leggendari della scena garage-sixties americana, uno dei primi gruppi di garage originale di cui possiedo i due dischi fondamentali (rigorosamente su vinile), “Here are the Sonics” (Etiquette, 1965) e “The Sonics Boom”
(Etiquette, 1965)
, piccoli gioiellini da cui molte delle band del sixties revival degli anni '80 hanno attinto, a cominciare dai Fuzztones che detengono forse il primato dei brani dei Sonics rifatti e portati al successo. E oltretutto questa era la prima volta che riuscivo a vederli dal vivo, avendo mancato – per motivi vari – i due tour italiani precedenti. Dunque le aspettative erano non grandi ma enormi, e devo dire che i cinque musicisti non le hanno deluse, nonostante siano passati ben 46 anni da quei due dischi mitici e i “ragazzi” non siano proprio più dei teenager come allora, è chiaro. Difatti, durante il concerto evidentemente non c'è più l'aggressività e il tiro dei brani nella loro versione originale, non ci sono più quegli urli caratteristici in pezzi come Psycho o Strychine ma il live è lo stesso entusiasmante, poiché i cinque signori di Tacoma, stato di Washington, suonano bene, con passione, e portano con sé l'aura del mito, questo basta per scatenare il pubblico numeroso del Bronson di Ravenna. Dopo un paio di brani “di riscaldamento”, infatti, i più morbidi He's waiting e Money, al terzo pezzo, sulle prime note di Cinderella, gli animi si scaldano e i corpi si scatenano, in un pogo che continuerà praticamente ininterrotto fino alla fine del concerto e che avrà il culmine quando, nell'immancabile bis, i Sonics attaccano The Witch: allora sarà proprio il delirio!

Gli altri brani classici ci sono tutti, Psycho, Strychnine, Boss Hoss, Have Love Will Travel, Don't Be Afraid of the Dark, la loro micidiale versione di Louie Louie, e si alternano ai pezzi del nuovo EP “8”, decisamente più duro nelle sonorità, molto vicine a soluzioni del Detroit sound e sempre cantate dal bassista Freddie Dennis che ha una voce decisamente adatta a pezzi di rock più hard, allenata nell'esperienza quasi decennale della sua band, Freddie & the Screamers, formata nel 1987 dopo aver militato come bassista in un'altra storica band di garage-sixties, i Kingsmen, dove però entrerà solo negli anni '70. Freddie Dennis e Gerry Roslie, cantante invece storico dei Sonics, si alternano alla voce per tutto il concerto. Roslie è uno dei tre componenti originali a salire sul palco del Bronson, insieme a Rob Lind, al sax e voce, e Larry Parypa alla chitarra, poiché gli altri due membri, il bassista Andy Parypa e il batterista Bob Bennet, impossibilitati a muoversi per il tour, sono stati sostituiti rispettivamente da Dennis e da Ricky Lynn Johnson, anche lui già membro di una grandissima band della scena garage anni '60, i Wailers, anche loro di Tacoma, anche loro di quel North-West degli Stati Uniti che ha prodotto allora alcuni dei gruppi più significativi della scena garage (tanto da meritare un volume dedicato della raccolta “Nuggets” (il numero 8), e continua ancora oggi a sfornare proposte decisamente interessanti nell’ambito della scena garage contemporanea. Devo aggiungere che, personalmente, ho apprezzato molto la scelta di non ricorrere a sostituti giovani, come molti gruppi non più imberbi usano fare, snaturando subito la percezione della band, ma di ricorrere piuttosto a due musicisti che hanno condiviso bene o male lo stesso percorso dei Sonics, provenienti da altrettanto importanti gruppi dei Sixties, e che, oltretutto, in quanto a energia non hanno certo fatto rimpiangere un'eventuale sezione ritmica più giovane. Di giovani, anzi giovanissimi, oltre a molte persone tra il pubblico, c'erano i membri del gruppo di spalla, The Tunas, e non hanno lasciato traccia. Ma è anche vero che non è facile non essere fagocitati da mostri sacri come i Sonics.

Rossana Morriello
Foto di Rossana Morriello

LIVE REPORT – “HellEktro Christmas Fest”: Hocico + The First Black Pope + Ira-K Organization e Fockewulf 190 (23 Dicembre 2011, Zoe Club, Milano)

2011-12-28T14:55:00.027+01:00

E’ così giunta l’ultima data del mio “Dark Tour” che arrivato alla anti-vigilia mi vede di nuovo allo Zoe (locale “di genere” cui mi sto piacevolmente abituando anche solo per l’acustica davvero ottima se poi paragonata alla media dei locali Milanesi) per l’HellEktro Christmas Fest dove il nome è già tutto un programma! Arriviamo intorno alle 22 ed il locale è ancora semi vuoto quando inizia il set di Ira-K Organization (in teoria, da programma prima avrebbero dovuto suonare i Virtual Cage ma, onestamente me li sono persi) artista Italiano, in perfetta divisa d’ordinanza con tanto di maschera anti-gas che terrà per tutta la durata della sua performance, solitario pilota alle macchine di un sound elektro dance strumentale ma, a tratti davvero efficace, in particolare nei groove di batteria sparati a mo’ di missili sul pubblico presente per una risultante ritmata, ballabile e non noiosa. Parte interessante quindi, che dura una mezz’ora e che si chiude con l’entrata all’interno del suo set, per un paio di brani finali, dei membri dei Fockewulf 190 (nome preso da un modello di caccia-torpediniere tedesco utilizzato durante la seconda guerra mondiale) storica band Italiana del genere elettronico di ispirazione Kraftwerk nata nel lontano 1980 e riformatasi un paio di anni fa portavoce di un synth-pop con venature dark di buona fattura. Sono quasi le 23 e, mentre il locale va riempiendosi, inizia il set dei The First Black Pope, band Padovana e nome di cui avevo già avuto modo di leggere pareri positivi su alcune riviste e che ero, effettivamente, curioso di sentire. La formazione a tre (cantante, batteria e tastiere) dal look in pieno stile post apocalittico parte subito con un set molto aggressivo fatto di sonorità EBM ed Harsh vorticose dall’atmosfera quasi malsana grazie anche al cantato filtrato ad effetto “lancinante” del cantante.
I rimandi sono chiaramente proprio al gruppo che seguirà anche se non manca una certa originalità alla loro proposta. Certo però, almeno a parere personale, il set stenta un po’ a decollare per avere una decisa sferzata positiva solamente negli ultimi tre brani. Veloce cambio palco e siamo alle 23.30 quando arrivano, preceduti da un intro fatto di video proiettati sullo sfondo dalle atmosfere inquietanti, horror-splatter, i veri protagonisti assoluti della serata, i messicani Hocico.

La band dei cugini Erk Aircrag (testi e voce) e Rasco Agroyam (Synth e programmazione) non ha bisogno di particolari presentazioni. E’ una delle massime esponenti da almeno quindi anni del movimento EBM e questa sera il loro set attingerà molto dal loro nuovo lavoro appena pubblicato, il live “Blood on the Red Square” ma anche da cose più vecchie ripescate ed a richiesta del pubblico. Il concerto parte subito forte ed il duo, in particolare Erk, non si risparmia nel saltare avanti e indietro da un palco non enorme ma che permette comunque al nostro di coinvolgere il pubblico presente (che nel frattempo ha riempito il locale) guardandoti dritto negli occhi e proponendo un set aggressivo e di alto impatto ma, al tempo stesso, ballabile e coinvolgente proprio come nelle aspettative del gruppo che si propone, con la loro musica ed i loro live, di tirar fuori dal pubblico quelle emozioni represse e metterlo a confronto con la loro parte più nascosta fatta di deliri poetici, acuti EBM/Techno che sono in grado di ribaltarti dal tuo altarino, la stessa dal quale Rasco tira fuori con le sue tastiere un suono dritto e potente. Brani come, Dog eat dog, Bite me, Instinctints of perversion sono davvero hits da dancefloor di genere che riescono ad essere molto incisive anche live, così come un po’ tutta la scaletta che vede una dozzina di brani in cui i nostri non si risparmiano e danno davvero il massimo dall’inizio alla fine, indipendentemente dal fatto che il locale non sia uno spazio enorme. La soddisfazione del pubblico è notevole, tanto da richiamare i due a gran voce per gli ultimi due bis che fanno terminare il concerto intorno all’ una. L’evento continua con DJ Set ma l’età e un’influenza alle porte non mi consentono di andare oltre per una serata davvero bella e coinvolgente in puro spirito “divertimento” (sicuramente la serata che mi ha visto ballare di più ultimamente) per il quale è bastato lasciarsi prendere dal ritmo e dall’ atmosfera circostante.

Per chi non fosse un particolare conoscitore/amante del genere posso dire che c'è un'intersezione non banale e non svilente tra la cultura goth e quella techno, dovuta, ad esempio, ad alcune radici comuni (vedasi i Kraftwerk ed in generale la musica elettronica Tedesca dei primi anni ‘80) e ad alcuni comuni denominatori quali punk, cyberpunk, industrial, od a successivi incroci culturali che sono riusciti a racchiudere elementi anche molto diversi tra loro (almeno apparentemente ), dalla New Wave alla Techno, dal folk medioevale al fetish o dal manga al punk e così via. E’un po’ quello che mi è capitato di attraversare in questa quaterna di concerti del mese di dicembre, influenze diverse che portano anche pubblico eterogeneo ad unirsi sotto emozioni e sensazioni comuni, e questo va sicuramente a favore di una cultura che in Italia, al contrario di altri paesi (ad esempio la Germania) mi sembra ancora troppo ghettizzata.

Ubaldo Tarantino
Video di Ubaldo Tarantino
Foto di Viola Violetta

SONIC. ART SAXOPHONE QUARTET: Philip Glass & Michael Nyman: “Works For Saxophone Quartet” (Uscita: 14 ottobre 2011, Genuin)

2011-12-27T18:01:00.012+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Un' operazione come quella posta in essere dal quartetto di sassofoni di origine teutonica, merita il massimo rispetto. Tutt'altro che facile estrapolare dal mare magnum dell'opera di due giganti della musica contemporanea, come Philip Glass e Michael Nyman, alcuni loro geniali frammenti, sia originariamente composti per il nobile strumento in questione sia opportunamente traslati
alla bisogna, e farne degli altrettanti gioielli di matrice sonora, rinnovati nella forma e nella sostanza. I Sonic. Art Saxophone Quartet (Ruth Velten: sassofono soprano; Alexander Doroshkevich: sassofono alto e baritono; Martin Posegga: sassofono tenore; Annegret Schmiedl: sassofono baritono) riescono bellamente nell'impresa di conferire cromatismi di notevole brillantezza timbrica a dei lavori già magnifici di per sé. A cominciare dalla bellissima colonna sonora “Mishima” di Philip Glass, concepita in forma di quartetto d'archi, originariamente eseguita dal magnifico Kronos Quartet, per l'omonimo film di Paul Schrader del 1985, sulla figura del grande scrittore giapponese, morto suicida. Qui ne sono presenti, copiosamente esaltati dal suono dei sassofoni, ben sei frammenti. La geniale sostanza dell'opera di Glass ne esce, se possibile, impreziosita. Il morbido suono dei sassofoni ne esalta la vivezza timbrica e le atmosfere di ritmata cadenza coloristica rinviano all'immagine di una autentica deflagrazione di suoni in divenire virtuosistico, ai limiti dell'estenuazione sonora. Schegge di luce musicale lanciate in vertiginosa corsa contro il profilo di un crepuscolo appena annunciantesi, in forma di cieli ocra e turchini, che ci ammaliano e ci avvolgono di un manto di tenue chiarore vesperale.
Segue una bella esecuzione del Concerto per Quartetto di sassofoni sempre di Glass, 1995, composto di quattro Movimenti, molto più vicina alla tradizione interpretativa del Maestro, più aderente al canone “glassiano”, ma altrettanto suggestiva e suadente, poetica e morbidamente modulata in lievi toni aurorali.

Del grande Michael Nyman viene eseguita un'opera commovente, per quartetto di sassofoni, in quattro Movimenti, Song For Tony, concepita dal Maestro londinese per ricordare la memoria dell'amico e manager musicale Tony Simons, scomparso prematuramente nel 1992 in seguito a un male incurabile. Sui toni ora più cadenzati ora dall'incedere più lieve, (ne sia somma testimonianza sonora il secondo Movimento, ricavato da un frammento della soundtrack di “Lezioni di piano” di Jane Campion, certo uno dei frammenti più poetici) si adagia un sottile e doloroso velo di malinconia, una tristezza di fondo, la cui scaturigine è certo da ricercare nello struggimento dell'autore a causa della morte dell'amico; una sorta di muta Messa da Requiem per sassofoni, preziosa e fulgida come l'ultima luce di un tramonto sul fondo di un calice dorato. In definitiva, un lavoro che ci convince pienamente, affascinante e suadente viaggio nel pianeta fatato di due dei massimi esponenti della musica contemporanea; musica non per tutti, sia chiaro, ma di estremo fascino cromatico e raffinatezza espressiva, musica per la mente.

Rocco Sapuppo

Genuin/SONIC. ART SAXOPHONE QUARTET

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LORENZO FRAGIACOMO: “Miti Caffè” (19 aprile 2011)

2011-12-27T17:41:00.013+01:00

Lorenzo Fragiacomo è un polistrumentista e cantante che, con questo suo album “Miti Caffè”, svela una tavolozza quanto mai variegata di gusti e di stili: trovate i sapori delle marcette beatlesiane in Prega per noi, vibrafoni lounge che non stonerebbero nella colonna sonora di un vecchio film con Alberto Sordi in Second Choice, organi Hammond pieni di Leslie dal gusto molto soul in Libera Estate,
archi da colonna sonora di James Bond in Hold me Tight, swing tra Paolo Conte, Sergio Caputo e Vinicio Capossela in Segno del Destino. Testi ironici, piccanti, venati di malizia e di ironia, che evocano qua e là momenti di vacanze trascorse a La Spezia e a Cortina. In questa produzione di eccellente qualità, Fragiacomo si fa affiancare da pochi, fidati collaboratori: tromba e flicorno: Alessandro Vilevich, violini: Davide Albanese, sax: Felice Andrea Pellegrino.

Alberto Sgarlato

(streaming integrale dell'album)

EN ROCO: “Nè uomini, né ragazzi” (Uscita: 24 ottobre 2011, Fosbury/Audioglobe)

2011-12-27T16:46:00.011+01:00

Dopo il precedente album “Spigoli”, la band genovese degli En Roco torna con questo nuovo “Nè uomini, né ragazzi”, che conferma tutti i tratti distintivi del sound che già avevamo avuto modo di conoscere e apprezzare. Quindi arrangiamenti semplici e lineari, basati sull'intrecciarsi degli arpeggi delle chitarre: su di essi spiccano un bel drumming colorito e brillante, fatto di tanti piccoli tocchi talvolta dal sapore jazzistico, e la voce calda e suadente di Enrico Bosio,
che più di una volta non può non evocare nell'ascoltatore quella di Francesco Bianconi dei Baustelle. Nella scarnezza del suono, solo ogni tanto fa timidamente capolino un pianoforte flamboyante, come in Non Dimentico. E poi, non si può non prestare attenzione ai testi, le cui geometrie “sgomitano” vistosamente all'interno delle linee melodiche, con una cifra stilistica da tempo cara a molti artisti italiani, da Carmen Consoli a Moltheni. Gli episodi più riusciti del disco sono senza ombra di dubbio quelli più veloci, come Carta o I Giorni della Lepre.

Alberto Sgarlato

Fosbury Records/En Roco

FREAKY MERMAIDS: “Moonshine once betrayed me” (Uscita: 18 Marzo 2011, Quasi Mono Records)

2011-12-27T15:42:00.010+01:00

Le Freaky Mermaids sono una band di sole donne di Brescia che riscoprono i valori di una musica “pura”, acustica, genuina, garbatamente jazzy, sulla quale spicca la splendida voce di Ombretta Ghidini, principale autrice delle canzoni. Il sound ricorda i Fairground Attraction, storica band che già negli anni '80 batteva questi percorsi. L'album scorre godibile tra momenti quasi rock'n'roll venati di country e bluegrass e punteggiati di un banjo ficcante
(Desappeared), e trovate ironiche e piacevoli, come in Paso Doble, dove i vari momenti della narrazione del testo sono scanditi dall'ipotetica direzione di una maestra di danza che scandisce tutti i passi fino allo stop finale, mentre a un clarinetto che nei timbri e nelle melodie evoca persino atmosfere bretoni (da colonna sonora di “Chocolat”), risponde un ben più cupo e malinconico violoncello. A rabbit's tale, invece, sempre per restare in tema di trovate ironiche, finisce con una godibilissima citazione... Ma non ve la anticipiamo! Starà a voi scoprirla! L'episodio più sensazionale e geniale del disco è comunque On, what you have done to me!, in cui troviamo rottami metallici e sgangheratezze che non potranno non evocare a qualcuno gli Swordfishtrombones e i Rain Dogs di Tom Waits. E anche l'interpretazione vocale della Ghidini, nei panni di Tomwaitsina in gonnella, risulta credibilissima!

Alberto Sgarlato

QuasiMonoRecords

JOHN ZORN: “At the Gates of Paradise” (Uscita: 27 Settembre 2011,Tzadik)

2011-12-26T15:08:00.017+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

L’organico del nuovo lavoro di John Zorn, "At the Gates of Paradise" prevede il pianista e organista John Medeski, il batterista Joey Baron, il bassista Trevor Dunn ed il vibrafonista Kenny Wollesen. Quest’album rappresenta un momento mistico nella carriera di Zorn,
un omaggio alla poesia di Blake e alla letteratura gnostica di Nag Hammadi: per certi versi è un lavoro più maturo e con la maturità sono state abbandonate le sonorità estreme, non è rappresentato nulla di violento, macabro o negativo, anzi con questa opera John Zorn cerca la redenzione, é la musica del misticismo, dell'amore e del paradiso, eseguita con una fluidità che lascia indietro anni luce di guerriglia sonora a cui l’artista ed il dissacratore ci ha abituato. I brani sono pieni di soli emozionanti, pianoforti delicati, un vibrafono morbido e delizioso. La musica è piena di raggi luce, di penombre ed atmosfere suadenti: poco spazio è lasciato all’improvvisazione ed è splendida l’interazione tra il quartetto tra soli post-bop, jazz e minimalismo classico. Fantastico è l'intro di pianoforte di The Eternals, un momento mistico in cui si susseguono in un crescendo drammatico ed emozionale di pianoforte, basso e vibrafono; in Song of innocence potrete ascoltare suoni intrisi di luminosità e di innocenza infantile; A Dream of nine nights con il suo finissimo intro di piano è una ballata ipnotica, calda ed avvolgente che evolve in un crescendo di improvvisazione di piano e batteria e vibrafono, Song of experience con il suo il pulsare caldo di basso e vibrafono in un mix di Jazz e Bossanova completa il percorso di questa ultima opera di Zorn. At the Gates of Paradise è forse tra le sue composizioni più accessibili ed illuminanti e proprio per questo rappresenta un altro spunto interessante che ci regala questo eclettico artista newyorkese.

Ivan Tarricone

Tzadik/John Zorn

HANNI EL KHATIB: “Will The Guns Come Out” (Uscita: 27 Settembre 2011, Innovative Leisure/Goodfellas)

2011-12-26T14:05:00.013+01:00

Da un tizio che si chiama Hanni El Khatib ci si aspetterebbe un disco di musica raì, o una compilation di pezzi tradizionali dei monti dell'Atlante. Niente da fare: il giovanotto in questione è nativo di San Francisco (ma papà è Palestinese e mamma Filippina) e ha abbandonato una carriera da disegnatore pubblicitario e il suo giro di skaters in favore di una promettente carriera musicale. Quindi non sentiremo il lamentoso suono dell'oud, ci aspettano invece un chitarrone
e una vociaccia gracchiante, il tutto accompagnato sporadicamente da una batteria pestata. In effetti il nostro Hanni è una specie di cantautore garage/rock/blues, le sue canzoni sono scheletrici inni che lui stesso definisce “knife fight music”, più o meno “musica per lotta al coltello”. Per essere più chiari, diciamo che il ragazzo si pone nel solco, abbastanza frequentato ultimamente, di White Stripes e Jon Spencer Blues Explosion, con in più qualche ballata acustica che conferisce a questo disco una certa originalità. Il disco è piuttosto breve (mezz'oretta) e parte con una stramba title track quasi “a cappella”, dopodichè si inizia a fare sul serio con Build, Destroy, Rebuild e Fuck It, You Win, due pezzi tosti, garage-blues, scorticati come si deve, poi arrivano il quasi rockabilly di Dead Wrong, Come Alive, con la chitarra acustica e coretti doo-wop e l'incalzante Loved One, semplicemente un riff possente della chitarra elettrica e la voce squarciata di Hanni. A questo punto il disco ci propone un repertorio più calmo, a partire dalla quasi irriconoscibile cover acustica della presleyana Heartbreak Hotel, con tanto di banjo. Segue la ballata sussurrata Wait Wait Wait, in fondo anche i duri come Hanni El Khatib hanno un cuore di panna. Garbage City poi, parte acustica e dolente, per offrirci un finale in feedback. Le ultime due sono covers, la prima, You Rascal You, di un pezzo del 1931 del repertorio addirittura di Louis Armstrong, la seconda, I Got A Thing, dei Funkadelic, trasformata in un garage-punk da due minuti netti: ha convinto i creativi della Nike ad utilizzarla in uno spot pubblicitario, cosa che ha portato il nostro palestin/filippin/americano all'onor del mondo. Un disco interessante, quindi.

Luca Sanna

Innovative Leisure

J.C. SATAN: "Hell Death Samba" (Uscita: 18 ottobre 2011, Slovenly Records)

2011-12-25T21:37:00.025+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Per metà francesi (di Bordeaux) e per metà italiani (di Torino) i J.C. Satan propongono una esplosiva miscela di attitudine garage rock mescolata con vorticosi arabeschi noise e heavy psych e un’attitudine da cantautorato freak-punk, il tutto suonato a volume altissimo. Il loro disco "Hell Death Samba" sembra il risultato di una jam session lisergica tra Blue Cheer, Sonic Youth, Lost Sounds
e Syd Barrett. È un lavoro evocativo e a tratti straniante, così come è straniante la copertina del disco, due piccioni di plastica assolutamente fuori da qualsiasi contesto si provi ad inserirli, scelta azzeccatissima per rappresentare le atmosfere del disco; è un disco fatto di suoni potenti che creano tappeti psico-rumoristici da cui emergono melodie beatlesiane (in un pezzo come Misunderstood ad esempio) che tentano di scavarsi una strada nelle sabbie mobili dei riff gonfi di fuzz. L’andamento del lavoro è tutto giocato sulle alternanze, tra la fredda e bella monotonia delle voci femminili e le esplosioni sonore che creano un muro di suono che gioca di rimbalzo con le dilatazioni psichedeliche. Davvero notevole Crystal Snake: un pezzo-schiaccasassi che devasta e infila nel frullatore delle distorsioni una melodia accattivante, tutto sorretto da un riff che rilegge certi Suicide in chiave vagamente stoner, se mi si passa l’accostamento più che ardito.
In Heil Mary il garage rock di base si gonfia verso una potenza di suono davvero impressionante. In the light è uno dei pochi momenti rilassati del disco, una parentesi di pisichedelia apparentemente tranquilla, da cui non tarda però ad emergere una certa inquietudine, un’inquietudine che in realtà accompagna l’ascoltatore per tutto il disco tenendolo stretto all’orgia fuzz malefica messa in atto dal gruppo. Satanicamente evocativi e potenti.

Luca Verrelli

Slovenly/J.C.Satan

JOSH T. PEARSON: "Rough Trade Christmas Bonus EP" (Uscita: 21 novembre 2011, Mute)

2011-12-25T16:31:00.012+01:00

Ritorna a noi Josh T. Pearson e questa volta non si fa attendere altri 10 anni, facendo seguire al magnifico “Last of the Country Gentlemen” di cui vi avevo parlato mesi addietro questo EP natalizio quantomeno bizzarro. Stavolta sono i tipi della Mute ad aver fatto i furbetti ed al posto della solita deluxe edition a seguire a ruota il disco hanno aspettato Natale per aggiungere queste cinque canzoni al precedente lavoro. Diciamo subito che il disco è una vera delusione
per chi come il sottoscritto ha apprezzato il Josh Pearson del disco sopra citato: 5 tracce di netta ispirazione religiosa, ma non sta qui l'inganno, cinque tediosissime nenie ottime per mettere i bambini a nanna. Se in Last of the Country Gentlemen la dilatazione delle song era anche accompagnata da certe melodie al confine con la psichedelica - termine intendiamoci sempre da prendere con cautela - veri e propri deliri vocali fatti canzoni, qui si può parlare tranquillamente di cantilene interminabili con testi quantomeno imbarazzanti e titoli che parlano di angeli che volano in alto, della piccola città di Betlemme, di notti silenziose e sante, ho detto tutto. Già nello splendido disco precedente si parlava di amore, fede e redenzione, di vedere la luce divina o di navigare nell'oscurità, ma adesso francamente è un pò troppo: mi sembra quantomeno una forzatura insistere su questi temi, a scapito della buona qualità delle musica stessa. Mr Pearson ma che ci combini? Riprenditi alla svelta, ti aspettiamo, magari di nuovo tra dieci anni, l'importante è non ricadere più in simili scivoloni artistici: ora mi vado a riascoltare i tuoi Lift to Experience, per stasarmi le orecchie.

Ricardo Martillos

Josh T.Pearson/Rough Trade Christmas Bonus EP

ROLLING STONES: “Some Girls Deluxe Edition” (uscita: 22 novembre 2011, Polydor Un.) / “Some Girls Live in Texas 1978” (DVD, uscita 21 novembre 2011, Eagle Rock)

2011-12-24T21:30:00.010+01:00

“SOME GIRLS" DELUXE EDITION & BOX SET
# Essenziale

Anche per il 2011 che se ne sta andando e questo Natale in particolare l’antichissima premiata ditta Rolling Stones attraverso Polydor Universal, Eagle Rock e Rolling Stones Records ha fatto e sta facendo man bassa delle tasche degli ultra veterani fans: ad aprile è uscito “45x45s The Singles 1971 – 2006” (Box Set, 45 CD, 173 Tracks), a novembre il live “The Brussels Affair ‘73”, la raccolta completa delle Chess Studio Sessions del 1964 a Chicago “2120 South Michigan Avenue”, e infine beccatevi (becchiamoci) questa full immersion nel 1978 di “Some Girls” il loro forse ultimo (o penultimo, pensando a "Tatto You") grande album, certamente il miglior lavoro dei tormentati anni ’70. Dopo la “Exile On Main Street Deluxe Edition” che nel 2010 ne ha celebrato i fasti tirando fuori dai cassetti alcune notevoli ‘unreleased songs’ e il documentario “Stones in Exile”, è ora la volta della “Some Girls Deluxe Edition” per la quale dobbiamo ringraziare prima di tutto il produttore Don Was, che per la prima volta ha riesumato dai soliti (benedetti? maledetti?) cassetti ben dodici brani incisi dagli Stones nei giorni di "Some Girls", addirittura più del disco originale che ne conteneva dieci. Come dire che sarebbe potuto uscire allora in versione doppia: i motivi per cui questo non si verificò rimangono a tutt’oggi misteriosi, soprattutto dopo aver ascoltato la bontà di quello che a tutti gli effetti si può considerare un Some Girls 2. Nessuna speculazione di bassa lega, tranquilli, sono soldini spesi benissimo, sempre che ne abbiate: a primo ascolto questi dodici brani possono suonare decisamente inferiori qualitativamente a capolavori del disco madre come Beast Of Burden, When The Whip Comes Down, Far Away Eyes, Just My Imagination, Miss You, Shattered, ma già a secondo quello che è apparentemente un abisso si ridimensiona in un burrone. Inarrivabili gli episodi suddetti, frutto di un’ispirazione inquieta e frastagliata, figlia di un decennio diviso schizofrenicamente tra gli splendori fatui della disco music ed il rozzo punk che fa terreno bruciato attorno in nome della nuova un ‘satisfaction’ giovanile, più o meno la stessa che gli Stones avevano cantato più di dieci anni prima. Di tutto ciò gli Stones non potevano non tener conto in quel fine seventies e in "Some Girls" ne approntarono un mix esplosivo dall’appeal decisamente americano, nel bene e nel male: lo fecero come al solito alla loro maniera, smargiassa e sarcastica, morbosa ed insolente, sadica, masochista, misogina e omosessuale, esplorando e giocando cinicamente sull’immaginario/estetica punk che spopolava in quei giorni:

‘Risate, gioia e solitudine e sesso e sesso e sesso e sesso, guardami sono a brandelli, sono a pezzi, distrutto; non sai che la percentuale di crimini sta crescendo, questa città è piena di gente avida; il mio cervello è stato fatto a pezzi, i miei amici mi vengono intorno, adulano, adulano, adulano …’ (Shattered)

‘Mamma e papà mi hanno detto che ero pazzo a restare, sarei gay a New York, ero un frocio a L.A.; vado nella 53a strada e mi sputano in faccia; c’è chi mi chiama immondizia mentre ripulisco la strada; quando la frusta si abbatte e colpisce, quando le cose si fanno dure, quando la merda tocca il ventilatore sarò seduto sul water …’ (When The Whip Comes Down)

‘Ora siamo rispettati in società, non devi più preoccuparti delle cose che una volta ti davano problemi, parliamo di eroina col presidente; sei una ragazza che rivende stracci, sei la regina del porno, sei la donna che è più facile stendere sul prato della Casa Bianca; vattene dalla mia vita, non tornare più; lei è così rispettabile’ (Respectable)

Le 'Unreleased Songs'

Tornando al secondo disco e alle unreleased songs vediamo finalmente cosa ci viene servito dalla casa: c’è un rock-boogie febbrile come Claudine che sembra uscito dai solchi di “Exile On Main street”, con un riff pianistico ipnotico alla Jerry Lee Lewis, un altro rock&roll classico, Tallahassee Lassie (Bob Crewe/Frank C. Slay Jr./Frederick A. Picariello) più volte coverizzato nella storia del rock, Flamin’ Groovies etc...), interpretato da Mick Jagger con un’insolenza davvero contagiosa; Keith Richards piazza con l’arrapante I Love You Too Much uno dei suoi ispidi ed insidiosi riff da antologia e Jagger ti chiava con perfidia accarezzandoti con lussuria gli attributi. Tanto blues servito in saporitissime salse: Keep Us Blues, So Young (con un bellissimo solo al piano di Chuck Leavell più il fedele Ian Stewart qui come in altre quattro song), When You’re Gone (di Ronnie Wood) con la sensuale harmonica di Mick a strapazzarci i sensi. Il blues mood in queste songs è davvero alle stelle e gli Stones appaiono carichi carichi! Sembra di esser tornati sul serio alle atmosfere ‘raw and dirty’ di "Exile O.M.S.", anche se in mezzo ci sono stati tre album buoni ma non esaltanti come “Goat’s Head Soup” (1973),“It’s Only Rock'n’Roll” (1974) e “Black And Blue” (1976). In Petrol Blues, che ha il sapore di una song non portata a termine o magari improvvisata in studio, Jagger è accompagnato solo da un piano, e tanto per cambiare canta splendidamente. E ancora, country: Do You Think I Really Care è una nuova stupenda Dead Flowers con la pedal steel di Ronnie Wood a insidiarti l’anima esattamente come nella cover dell’immenso Hank Williams You Win Again, un ennesimo elegantissimo tributo degli Stones alle essenziali roots country a stelle e strisce, splendidamente canonico in questo caso, altra cosa dal talkin’ ‘esagerato’ in odore di rap con cui Jagger le stupra in Far Away Eyes. Non ci fanno mancare nulla gli Stones, come sempre: ecco allora fare la loro bella figura una ballad ispirata come No Spare Parts, una spagnoleggiante e lunatica Don’t Be A Stranger con il sorprendente Sugar Blue all’armonica, lo stesso per intenderci che ha contribuito ad immortalare il riff di Miss You, e che suona in Some Girls, il brano che ha dato il titolo all’album. Sugar Blue impreziosisce con i toni caldi della sua mouth-harp anche We Had It All, ultima delle dodici nuove songs che abbiamo raccontato, un ‘lento’ afterhours pazzesco (direbbe un certo comico!) scritto da Troy Seals e Donnie Fritts, interpretato da Keith Richards con una flemma vocale carismatica inconfondibile.

No Spare Parts
The Rolling Stones - Some Girls Disc 2 Complete: 12 Songs

“SOME GIRLS LIVE IN TEXAS 1978" (DVD, Blu-ray, DVD+CD special edition, Blu-ray + CD digipack)

Ed ecco l'altra bomba a ciel sereno: in quattro formati diversi viene pubblicato un live di quasi un'ora e trenta completamente inedito, registrato il il 18 Luglio 1978 al Will Rogers Memorial Center di Fort Worth, Texas, durante il tour americano di supporto a "Some Girls", che viene considerato dai fans uno dei migliori in assoluto. Si legge nelle note anche che quando la band arrivò in Texas, a ridosso della pubblicazione dell'album, esso si trovava già al primo posto nelle classifiche di vendita statunitensi. Gli Stones sono motivatissimi: il loro show é superlativo, grintoso, pieno di energia selvaggia. Mick Jagger in omaggio al punk imperante indossa una t-shirt con la scritta Destroy ed é scatenato: flirta con Ron Wood come una puttana sfacciata toccandogli il pene in un'occasione e poi in Just My Imagination lo provoca lanciandogli un bacio più volte, subito dopo glielo posa sulle labbra. Ron é con loro da due anni, dall'album "Black and Blue" ma già integrato nel losco giro degli Stones alla grande: la maggior parte dei soli li suona un Keith Richards a sua volta in una forma da favola, chuckberry-zzando sfacciatamente, ma anche Ronnie dice più volte la sua non sfigurando assolutamente di fronte all'icona dall'altro lato di Mick. Su 17 brani in programma sette sono tratti da "Some Girls" , eseguiti in versioni lunghe, esasperate, ricche di improvvisazioni: When The Whip Comes Down, Shattered, Respectable (i tre titoli più 'punk' della raccolta) sprizzano un'eccitazione stregata, satanica, Beast Of Burden e Just My Imagination, Miss You ci sbattono in faccia il feeling soul stratosferico di Jagger, che sta vivendo davvero un momento di grazia. Da "Goat's Head Soup" viene ripescata alla grande Star Star, da "Exile On Main Street" All Down The Line, Tumbling Dice ed Happy, tre gospel 'bianchi' trasudanti gioia di vivere ed eccitazione come solo Jagger e Richards erano capaci di scrivere. Far Away Eyes é l'unico momento in cui la maledetta tempesta anfetaminica in atto sul palco si concede una tregua: con Jagger al piano, Ronnie Wood alla pedal steel e Richards raccolti in intimità complice, ospite il violino di Doug Kershaw. Ciliegine sulla torta: Ian McLagan (ex Small Faces e Faces) alle keyboards e il solito Ian Stewart al piano. Ma non basta: i Rolling tornano prepotentemente ai radiosi inizi rock'n'roll, alle basi seminali dei primissimi album anni 60 con due classici di Chuck Berry, Let It Rock e Sweet Little Sixteen: ed é nuovamente approccio ruvido, scomposto, puro STONES - sound, quello che ti fa saltare in piedi e muoverti scompostamente, mandando affanculo tutte le paranoie che ti traviano la mente e l'animo. E alla fine, dopo le rituali Brown Sugar e Jumpin' Jack Flash, tappe obbligatorie di una cerimonia pagana cui é impossibile sottrarsi, son secchiate d'acqua violente e refrigeranti di Jagger al pubblico texano in adorazione.

Wally Boffoli

Rolling Stones Official Site
Rolling Stones Italia

HUMAN SWITCHBOARD: "Who's Landing In My Hangar Anthology 1977-1984"(Uscita: 24 ottobre 2011, Bar-None)

2011-12-24T17:23:00.031+01:00

# Consigliatissimo da DISTORSIONI

Gli Human Switchboard si formano in piena era punk intorno al 1977 dal fatale incontro all'università di Syracuse fra Bob Pfeifer e Myrna Marcarian. Di ritorno alla città natale di Cleveland, Ohio, con l'aiuto del batterista Ron Metz realizzano un iniziale ep per la Rug Records con quattro songs, e nonostante l'aiuto alla consolle del genio cittadino David Thomas dei Pere Ubu non abbiamo
tra le mani niente di memorabile: il disco è ormai merce rara per collezionisti e due tracce, chissà perché solo due, sono presenti in questa provvidenziale antologia. I due leader aprono nel frattempo un negozio di dischi usati, una base logistica ideale per le loro mosse future, ma neanche i seguenti singoli, I gotta now(1978) e In my room(1979) definiscono la strada che i tre intendono percorrere. Poi, a sorpresa, considerata la scarsa produzione di brani, arriva un interessante live per la Square Two nel 1980, anticipo del piatto forte dell'anno dopo. Esattamente 30 anni fa usciva infatti “Who's Landing In My Hangar”, per la Faulty Records, sussidiaria della nota I.R.S. di Miles Copeland ma soprattutto di R.E.M. e Wall of Voodoo e registrato in quel di Cleveland. Il disco vede la luce nel bel mezzo dell’esplosione di neo-psichedelia, anzi a dire il vero le fa da spartiacque, visto che per entusiasmarci con le prime incisioni delle grandi bands del cosiddetto Paisley Underground dovremo aspettare almeno un paio d'anni. Le splendide 10 canzoni che compongono l'album sono opera di Bob Pfeifer, voce solista e chitarrista, anche se largo spazio viene lasciato alla Marcarian, che co-firma pure lei due tracce, con il suo Farfisa svolazzante in ogni dove, mentre ben tre differenti bassisti completano la band insieme al fido batterista Ron Metz. Difficile scegliere un brano migliore, (Say no to) Saturday's girl, cantata da Myrna apre alla grande, la grintosa e veloce title track segue a ruota, magnifica No heart,con un giro d'organo irresistibile, anticipo dei favolosi Green on Red di “Gravity Talks” (1983) mentre la lenta Refrigerator door, velvetiana fino al midollo, una specie di Heroin in minore, chiude con brividini quello che un tempo si chiamava lato A. Girando il disco non troviamo nè pause nè cedimenti, ancora la Marcarian deliziosa con I can walk alone, ma anche gli altri quattro brani non sono da meno, sigillando così una perla dimenticata di una delle più sottovalutate formazioni del periodo. Talmente sottostimata che un successivo live registrato in casa, a Cleveland nello stesso anno, vedrà la luce soltanto grazie alla provvidenziale Roir di Neil Cooper, una fantastica label di stanza a New York che in un epoca in cui il cd era un miraggio ci regalò memorabili audiocassette di MC5, Television, New York Dolls, Dictators eFleshtones tra gli altri. Come spesso succede per simili gruppi, e nonostante il genere neo-psichedelico tirasse da morire all'epoca, la band perde la bussola e le successive mosse vedono Bob e Myrna allontanarsi progressivamente dal magico equilibrio che segnava “Who's landing in my hangar”, per perdersi in insulse e funkeggianti devoluzioni sonore, nel segno della peggiore new wave allora imperante, Un’ altra occasione persa insomma: fortunatamente ci ha pensato la Bar-None a resuscitare la creatura di Cleveland, anche se per onestà non mi sento di consigliare nella sua interezza il cd, visto che a mio parere nessuna delle 11 songs di contorno all'album principale ne valgono una sola nota; se siete collezionisti di vinile è opportuno che vi procuriate il disco originale, che meglio rende giustizia a questa misconosciuta formazione.

Ricardo Martillos

HUMAN SWITCHBOARD at Bar-None

LIVE REPORT - “Dirty Trainload” (17 dicembre 2011, Parkway Bikers, Bari)

2011-12-23T21:30:00.026+01:00

Riesco finalmente a vedere dal vivo prima di Natale, dopo averne letto in rete le gesta, i miei concittadini pluriacclamati Dirty Trainload, un duo (sino all’altro giorno) di blues work in progress con all’attivo due cd, “Rising Rust” e “Trashtown” di cui abbiamo puntualmente parlato qui su Distorsioni. Concittadini a dir la verità per metà perché al chitarrista, il buon Bob Cillo, che conosco da una vita,
si accompagna da un po’ di tempo Livia Monteleone, una blues-lady che divide il suo tempo tra Italia e California. Bob Cillo è un amico dell’ambiente musicale barese con cui ho avuto il piacere di suonare (anche dal vivo) per un breve periodo in cui si mise su un progetto rock-blues abbastanza rumoroso ed incasinato, The Backdoor Friends, naufragato inesorabilmente per eccessiva forza centrifuga ed accidenti esistenziali. Cillo è uno strumentista che non ha mai dormito sugli allori cercando sempre con vari musicisti del panorama pugliese e non (Marco Del Noce, Martino Palmisano, Pino Montecalvo) soprattutto negli ultimi anni, nuove alchimie sonore per la sua cultura basica di blues, ma soprattutto non è mai stato uno di quei bluesmen tutti di un pezzo affetti dal morbo del purismo, nutrendo un grande amore anche per certo punk garage e per il rock storico oltraggioso e deviante (Stooges, Velvet Underground, Mc5, Blue Cheer).

Pur essendo fondamentalmente un grande cultore della tradizione e delle radici blues, il nostro da un po’ di tempo si diverte ad innestarlo su ritmiche artificiali trafficando con drum machines analogiche e loops, contando sulle performances vocali di Livia Monteleone (anche banjo, harmonica e percussioni varie), una direzione che mi ha lasciato un po’ perplesso già recensendo Trashtown: collezionano nel frattempo numerose esibizioni anche in Europa ed America. Come succede spesso nel frattempo, e forse per colpa dell’enfasi eccessiva di qualche addetto ai lavori o di un milieu artistico locale troppo generoso, le etichette affibbiate ai Dirty Trainload hanno cominciato ad abbondare e ad essere davvero troppe: blues lo-fi, garage blues, punk blues, alternative blues, sino ad un colorito, autoprogrammatico, ed anche un po’ ambizioso ‘The Dissident Blues Collective’. A prescindere dalle etichette, a parere di chi scrive, una performance live è un po’ come una cartina al tornasole di tutte le buone intenzioni di una band, e quella a cui ho assistito non si può dire abbia fatto un po’ di chiarezza almeno nel sottoscritto, contribuendo a farmi capire in quale dei suddetti generi siano meglio collocabili i Dirty Trainload. Per buona parte del concerto a far la parte del leone è stata proprio la drum machine di cui sopra, nel senso che il suo volume eccessivo aveva il sopravvento su tutto il resto, sulla voce della Monteleone - interessante senza dubbio - come sulla chitarra di Cillo, che sembravano del tutto asservite al suo monotono e pedissequo incedere. Il risultato per la prima mezzoretta , tre quarti d’ora è stato di una freddezza e piattezza notevoli nonostante la buona volontà dei due D.T..

L’impressione è che i due non riescano a conciliare la ripetitività del ritmo artificiale con il calore e le variazioni della chitarra elettrica e della voce. I Dirty Trainload in realtà erano in tre, debuttando con loro un batterista salernitano, Antonio Marino, che però stranamente non ha fatto altro che doppiare esattamente il ritmo della drum machine, sortendo un effetto davvero incomprensibile ed inconcludente. Le cose sono migliorate solo quando Cillo si è riscaldato un po’ ad ha ‘imposto’ i fraseggi concitati della sua bella, fragorosa chitarra a tutto il contesto sonoro. Può darsi, come mi ha suggerito un amico, che gestire ‘live’ un’apparecchiatura elettronica e dei loops possa rivelarsi a volte problematico: credo comunque che l’equilibrio che i D.T. cercano tra il calore espressivo del blues, del country e ritmi artificiali vintage sia ancora piuttosto lontano. Mi dispiace esprimermi in termini critici nei confronti di un amico, ma il contrario sarebbe un’ipocrisia; purtroppo a queste dolenti note se ne deve aggiungere un’altra: Bob Cillo ha deciso di cimentarsi anche alla voce (di sua spontanea volontà o spinto da qualcuno?) e il risultato non è assolutamente dei migliori, e uso un’espressione eufemistica: scusami Bob (e te lo dico da amico), ma che senso ha forzare la voce, imitare toni rugginosi e sporchi per somigliare a un vecchio bluesman di colore? La storia insegna che solo quando si è mediata (o violentata!) la grande lezione dei padri del blues di colore con le frustrazioni e la sensibilità degli artisti di razza bianca si sono raggiunti grandi risultati. A dirla tutta penso che il buon Bob Cillo dovrebbe fare un passo indietro e riflettere sul senso di che i suoi esperimenti hanno assunto.

Wally Boffoli

Dirty Trainload My Space

LIVE REPORT – “Wire” (23 novembre, Xoyo, Londra)

2011-12-23T15:41:00.039+01:00

La serata comincia in un pub non lontano dallo Xoyo insieme ad alcuni amici. E' da diversi anni ormai che questo gruppo di persone si incontra in occasione di gigs dei Wire a Londra o in altre città, e la cosa sta diventando quasi una tradizione. Fra di noi ci si chiama per scherzo Wire-heads. Si discute velocemente se andare a vedere anche il gruppo di apertura (Talk Normal) o restare
al pub a bere qualche altra birra e andare poi direttamente a vedere gli Wire. La scelta cade sulle birre. Un paio d'ore dopo arriviamo allo Xoyo a concerto dei Talk Normal quasi finito. Ascoltiamo giusto un paio di canzoni, che sembrano comunque indicare che difficilmente diventeranno uno dei nostri gruppi preferiti. E' il primo concerto che vedo allo Xoyo. E' pienissimo, ma è anche decisamente più piccolo di altri posti in cui li ho visti suonare recentemente, per esempio lo Scala. Breve pausa e salgono sul palco i quattro: Colin Newman, Graham Lewis, Robert Grey e il "nuovo" chitarrista Matt Simms, che ha sostituito l'anno scorso l'ex-Laika Margaret Fiedler nell'arduo compito di non fare rimpiangere Bruce Gilbert. Primo pezzo, prima sorpresa: Ally in Exile, mai registrata in studio e presente solo sul doppio LP del 1981 “Document & Eyewitness”. L'inizio sembra già confermare i rumours raccolti nel pub, e cioè che il set dovrebbe contenere molti brani che in teoria avrebbero dovuto far parte del mai registrato quarto album su EMI, l'abortito seguito della classica trilogia “Pink Flag”- “Chairs Missing” – “154”. E infatti dopo una velocissima Another the Letter si prosegue con altri due inediti dell'epoca: The Spare One e B/W Silence (cioè la versione dei Wire del pezzo Lorries, che abbondantemente rimaneggiata sarebbe poi finita sul solo di Colin Newman "Not To").

Riusciamo nel frattempo ad arrivare verso il centro del locale, dove vediamo alcuni volti noti: fra questi la moglie di Colin Malka Spigel, Robin Rimbaud/Scanner e Alexander Balanescu che in una breve chiacchierata tra un pezzo e l'altro mi dice di essere anche lui fan dei Wire. Del resto è da sempre una costante della storia di questo gruppo quella di essere magari non popolarissimi in termine di dischi venduti, ma beniamini di un gran numero di colleghi musicisti . Il numero di artisti che hanno suonato o registrato cover versions dei Wire è enorme e variegato: Big Black, Henry Rollins, Minor Threat, My Bloody Valentine, R.E.M., Guided by Voices, Fisherspooner, Godflesh, Lush, The Feelies, Boss Hog,Band of Susans, Therapy?, Yo La Tengo, Lee Ranaldo, Mike Watt e la lista potrebbe continuare a lungo. Il concerto continua alternando pezzi dall'ultimo album “Red Barked Tree” a vecchi classici come Map. Ref. e Drill. Giusto un paio di pezzi da Red Barked Tree (Smash e Clay, per esempio) non reggono del tutto il confronto con il resto della setlist, ma è un peccato minore che si fa dimenticare velocemente. Quindi altri due inediti dal fantomatico "quarto album": Part of Our History e Witness to the Fact, seguiti da quello che è sicuramente uno degli highlights dell'intero concerto, una tiratissima Two People in a Room suonata a velocità incredibile. Robert Grey continua a essere una roccia nonostante l'età e Matt Simms dimostra una volta di più di essersi ormai calato perfettamente nella parte che era di Bruce Gilbert. C'è davvero da sperare che Matt venga coinvolto nella registrazione del prossimo album. La prima parte del set si conclude con la splendida versione "lenta" di Underwater Experiences, altro inedito post-trilogia e finora pubblicato solo in versione demo nella raccolta di rarità “Behind the Curtain”.

Breve pausa e i nostri tornano sul palco per altri due pezzi conosciuti dal live “Document & Eyewitness”: 5/10 e la versione veloce di Underwater Experiences. Sia questi due che tutti i precedenti pezzi inediti del set sembrano molto più sviluppati delle versioni live o demo del periodo 1979/1980. Sembra che ci abbiano lavorato parecchio su negli ultimi tempi, a conferma di un altro rumour raccolto nel pub, e cioè che il prossimo disco degli Wire potrebbe contenere proprio i pezzi che in origine erano previsti per quel quarto album che mai registrarono a causa del conflitto con la EMI che portò al loro primo scioglimento nel 1980 (si riformeranno poi nel 1986 pubblicando prima l'EP “Snakedrill” e poi l'anno dopo l'album “The Ideal Copy” che diede vita alla fase comunemente definita Wire mk II, quella dei dischi su Mute Records). Altra breve pausa, quindi secondo bis con una Adapt gradevole ma anche lei non del tutto all'altezza del resto del concerto, e finale classico con Pink Flag, title track del primo album del 1977, qui in versione allungata e seguita da una coda di feedback e rumori vari. Mentre Matt fa roteare la sua Fender Jaguar davanti all'amplificatore Graham si diverte a fare rumoracci sul minuscolo Korg Monotron e Colin smanetta addirittura un iPad. E' la fine. Le luci si accendono. Ci sarà ancora tempo giusto per un pò di small-talk con gli altri Wire-heads e con la band, prima di passare al backstage dove avrò modo di discutere a lungo con Graham della appena pubblicata “Dome Box”, che raccoglie i cinque album dei Dome, vecchio progetto di Graham Lewis e Bruce Gilbert. In particolare i primi quattro album del periodo 1980-1983 sono autentiche gemme e come si dice criminally overlooked. Editions Mego li ha appena ripubblicati tutti in una lussuriosa confezione vinile remastered, e Graham ne è visibilmente contento. La bella serata (ormai diventata nottata) si conclude discutendo di quello che negli ultimi tempi sembra diventato uno dei musicisti preferiti sia di Colin Newman che di Graham Lewis: l'italiano Teho Teardo, musicista di lunga data e da diversi anni compositore di splendide colonne sonore per film come Il Divo, Il Gioiellino, L'amico di Famiglia, Una Vita Tranquilla etc. Teho ha registrato recentemente sia con Colin e Malka che con Graham. Possiamo solo essere curiosissimi di ascoltare cosa verrà fuori da accoppiate di questo calibro. Bye bye Wire e a presto.

Fabius 66

Foto 2-3-4 di Myriam Bardino

GALLARA: "Delirio in Hi-Fi" (Uscita: 16 giugno 2011, Gallara/Audioglobe)

2011-12-22T18:31:00.015+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

“Delirio in Hi-Fi” è il quinto album della band di Grosseto, dedita ad un rock strumentale dalle mille sfumature. Un disco da ascoltare, ovviamente, ma anche da leggere e guardare. Rocamboleschi inseguimenti, commedie sexy, atmosfere da romanzo noir, incalzanti boogaloo e tanto altro ancora per un sound ricco e potente, fra organi Hammond, Fender Rhodes e Farfisa,
chitarre riverberate e una sezione ritmica che macina groove come se piovesse. C'è un retrogusto inequivocabilmente rock nelle composizioni: gli stessi Gallara dichiarano un background rock' n' roll/Mod che appare evidente in un brano come Le Dive Nude, nel quale i Nostri sembrano una sorta di Dexy's Midnight Runners all' italiana, meno spavaldi e anfetaminici e senza prendersi troppo sul serio. Godzilla Vs Fulvio è una bomba robotica psycho-beat/surf che colpisce duro, un pezzo davvero eccellente, ma non è da meno Charas & Guiro, più raffinata ed esotica. Miscelano con grande gusto e stile, una Jungle Exotica contemporanea e avvincente, suonata ad un party in piscina in cima ad un grattacielo di Miami, con occhiali scuri indossati a notte fonda e un ghigno beffardo stampato sulla faccia. Ma c'è dell' altro: Kraut Limbo è un formidabile incrocio electro-punk, nel quale i Kraftwerk più pop vengono sostenuti da un basso che ricorda i Clash di Sandinista!, suonato con attitudine da Festival Beat. E si prosegue fra cha-cha-cha, samba e limbo calipso, a velocità quasi hardcore, per il Veglione di Capodanno, bassi pulsanti e bell' assolo di chitarra nella parte centrale di El Savo 007. Il finale è un omaggio, a partire dal titolo, alla Bollywood più caciarona, trash e danzereccia. La musica dei Gallara è puro soundtrack senza la menata lounge, è il poliziottesco, è il punk-beat dei 60's, è il funk dei 70's, la One Nation Under A Groove ma, soprattutto, è divertimento intelligente. Chapeau.

Andrea Fornasari

Gallara Facebook
Gallara MySpace

KARTOONS: “Where rainbows end” (Uscita: marzo 2011, Recorded and Mixed in 2007-2008, Autoprodotto, No Label)

2011-12-22T16:38:00.065+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

I cosentini Kartoons sono una delle band neo-garage italiane più longeve: sono in giro ed operativi dal 1992 - vent’anni quindi nel 2012 che sta per iniziare – a ridosso di quella incredibile stagione garage-revival che contò anche in Italia numerose e creative band. I Kartoons affondano le loro radici musicali ed artistiche nella mod culture, soprattutto grazie al (ancor oggi) leader Francesco Ficco, cantante, chitarrista e compositore: bastava assistere ad uno dei loro vibranti concerti (come è successo a chi scrive) negli anni ’90 o nei primissimi 2000 per toccarle con mano queste gloriose radici, e godersi splendide rivisitazioni di brani dei Creation, Who, Easybeats, Birds, Lower Third, Pretty Things. Notevole anche la perizia strumentale del chitarrista Johnny, del bassista Maurizio e del simpaticissimo batterista Victor. Ma voglio sottolineare che Francesco Ficco è sempre stato anche un attivo agitatore/addetto ai lavori musicale: mi piace ricordare il suo bel magazine cartaceo in lingua inglese Psychotic Web, ricco di preziose interviste ed approfondimenti su bands beat, freak beat e garage dai ’60 in poi, nonché il suo amore viscerale per il beat italiano ma soprattutto per gli anglo-italiani Rokes, di cui presto avremo l’onore ed il piacere di pubblicare suo materiale su Distorsioni. Dopo molti piccoli pezzi in vinile e partecipazioni a compilations garage i Kartoons incidono nel 1998 “Introducing …”, il loro primo lavoro full-lenght su rigoroso vinile per la For Monsters Records, ristampato qualche tempo dopo anche su cd. In questi solchi già si cimentano in squisiti brani di loro composizione, anche in lingua italiana, pur lasciando ben nitidi connotati ed ascendenze musicali. Il vero salto in avanti artistico Francesco e c. lo fanno nel 2005 facendo uscire dopo sette anni un secondo lavoro in studio, “Undelivered”, per Mania R./Now Sound di Massimo Del Pozzo: approfondiscono ulteriormente la loro vena ispirativa, apportando sensibili mutamenti in un’espressività espansa che abbandona sensibilmente gli approcci musicali iniziali, o sarebbe meglio dire li sublima. In occasione di un’intervista che mi concesse allora Francesco, alla fine affermava: ‘Per quanto riguarda la direzione musicale da noi presa posso dirti di sicuro solo che continueremo a sperimentare e scoprire nuove sonorità senza farci limitare dall’appartenenza a stili o metodi compositivi. Siamo liberi. Faremo quello che più ci piacerà fare, per farlo sempre meglio’.

Ed è stato di parola Francesco insieme ai Kartoons tutti, perché questo altrettanto pregevole “Where rainbows end”, uscito in Marzo 2011, continua esattamente dove Undelivered si era interrotto: otto brani in cui le delicate e nostalgiche liriche esistenziali di Francesco Ficco ('All my life i tried to find good vibrations for my mind …', from I can see through you) sono rivestite di un rilassato manto strumentale, nel quale le chitarre elettriche (mai troppo dirette) si lasciano affiancare senza forzatura alcuna dal ricco cromatismo di un synth analogico, di un mellotron, harpsichord, organo, piano nonché da un mandolino e gentili 12 strings guitar Rickenbaker ed Eko Ranger. Il canovaccio che i nostri privilegiano (come in “Undelivered”) è quello della ballata freakbeat pensierosa ed autunnale (Every rainy day, I am the universe, I will make you believe) impregnata di buoni e positivi sentimenti ma anche di un’inguaribile disillusione ('Now you wanna go and nowhere is the place', from Nowhere is the place). I tanto amati furori mod, ben calibrati, si possono rintracciare di sfuggita qua e là, ma soprattutto nell’epica I can see through you, introdotta dal sitar di Gianfranco Carofiglio (quel G.C.?), che sembra uscita dalla penna dei tardi maturi Small Faces di “Ogden’s Nut Gone Flake”.
I Kartoons amano sperimentare e di quali delicatezze/finezze ispirative siano capaci è lampante nello stupendo breve (purtroppo) strumentale Blossom Spring, che prevede i soli Francesco (acoustic 12 strings guitar, mandolin) e Johnny (mellotron), o nella finale Ride the rainbow, nella quale si continua e si ottimizza un lavorar di fino e di eleganti sfumature timbriche, con l’impiego di xilophone, brass arrangement, pizzicato strings. La sofisticata marcetta vaudeville Ride the rainbow non potrà non ricordare ai veterani in ascolto la lussureggiante estetica ‘Pepper – iana’ dei Fab-Four, sia (sfacciatamente) all’inizio che nel suo svolgimento, un sorta di trasognato mix tra Being for the benefit of Mr.Kite! e Something happened to me yesterday di Stones-iana memoria ('Riding, flying, and i feel like swimming in mist of time ...). Bella anche l'immaginifica Mister Livingston, interpretata dal bassista Mauri, dai distesi richiami esotici, anche parecchio radio-friendly direi.
‘“Where rainbows end” è uscito ufficialmente a marzo 2011 – mi spiega Francesco - registrato e mixato tra il 2009 e 2010. Il tempo che intercorre tra la registrazione e l'uscita è sempre lunghissimo, anche perchè si era tentato invano di farlo stampare ad un'etichetta. E' totalmente autoprodotto, infatti è un nolabel, il primo caso di autobootleg della storia forse!'.
E allora non si può non constatare ancora una volta come continui ad essere così difficile in Italia (stessissima cosa successa ai Loose del recente “Dodge This!” e chissà a quante altre bands nostrane) per artisti dotatissimi ed ispirati come i calabresi Kartoons la vita e la gestione dei loro manufatti. Si direbbe addirittura che sia in atto un ritorno massiccio all’autoproduzione (un ulteriore sintomo della crisi che attanaglia anche l’industria discografica?), cioè ad una situazione anteriore alla rigogliosa fioritura delle indie-labels. “Where rainbows end”, pur nella sua confezione artigianale, è disco che nobilita ed arricchisce lo scenario rock nazionale - e lo dico con tutto l’orgoglio meridionale di cui sono capace - quanto il nuovo album power-pop dei (più hype? più supportati?) Sick Rose e quello del clamoroso ritorno 'psichedelico' dei No Strange. Bentornati Kartoons!

Wally Boffoli

The Kartoons MySpace

NINO BRUNO E LE 8 TRACCE: “Sei corvi contro il sole” (Uscita: 14 ottobre 2011, Goodfellas)

2011-12-21T17:34:00.016+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Dopo vent’anni di carriera passata nell’underground potrebbe essere giunto il momento di una maggior notorietà per il napoletano Nino Bruno, l’occasione è l’inclusione di una sua canzone nella colonna sonora dell’ultimo film di Sorrentino "This Must Be the Place". La cosa strana è che la canzone prescelta dal regista napoletano, Every Single Moment in My Life is a Weary Wait, titolo
che riecheggia esplicitamente un famoso hit dei Talking Heads, rappresenta un episodio del tutto atipico nella musica del musicista napoletano: il brano, per le esigenze del copione si rifà in modo evidente alle sonorità new wave, mentre la cifra stilistica che caratterizza la musica di Nino Bruno è il beat psichedelico degli anni sessanta soprattutto nella sua derivazione italiana. Anche se non va dimenticato che il nostro ha iniziato la propria vita musicale con il gruppo new wave napoletano Von Masoch. Nel 2004 nasce il progetto Nino Bruno e le 8 tracce: Nino Bruno chitarra e voce, Peppe Sabbatino batteria e Giulio Fazio all’organo Farfisa, che si caratterizza per una rigida adozione di tecniche analogiche in ogni fase della produzione, secondo quella che loro stessi definiscono, parafrasando il Dogma di Lars Von Trier, la regola del Dogma 8 in ogni passaggio; tutte le registrazioni sono in analogico e nei limiti delle 8 tracce, e gli effetti utilizzati sono esclusivamente elettromeccanici. Ed è anche per questo che il suono del disco è pieno e caldo e ci riporta inevitabilmente e volutamente alle sonorità di un meraviglioso passato. E’ evidente che quella di Nino Bruno e le 8 tracce è musica per un pubblico che ha buon orecchio e sensibilità per farsi coinvolgere nel progetto di un sognatore, di un musicista che vive come dice lui stesso, in un orgoglioso isolamento. Ascoltare questo suo nuovo disco, decisamente riuscito, riporta alle sonorità dei sixties, senza però dare l’idea di una piatta riproposizione, ma con leggerezza e gusto personale, unito al rispetto e alla conoscenza verso il meglio della musica beat italiana. Senso della melodia e del ritmo, una non comune capacità di scrittura, testi di immediata comprensione, ma non banali, capaci di disegnare personaggi vivi e ben sfaccettati, caratterizzano le canzoni di “Sei corvi contro il sole”, fra le quali si fanno preferire la bellissima Storia di V., protagonista un dandy che si avvia sul viale del tramonto, la struggente vicenda di Questa donna sembra un marinaio, la psichedelica In ogni angolo o la trascinante Fare simpatia.

Ignazio Gulotta

Nino e le 8 Tracce/Goodfellas

MENDOSA AND YEASOUND “Parole e fatti” (Uscita: 10 novembre 2011, YeaSound)

2011-12-21T15:40:00.013+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Dopo due mixtape e l'album “Senso di presagio” in collaborazione con Naghe debutta sulla lunga distanza Mendosa, rapper nato a Bari nel 1974 ma milanese di adozione. Non è un disco politico in senso stretto questo. Mendosa ci racconta la sua vita quotidiana, il lavoro (Sto tranquillo), la sua musica, le difficoltà del musicista autoprodotto e venuto dalla strada. Molti i riferimenti
all'immaginario cinematografico. Ti spammo parla dei rapporti con la Rete, Paradiso e inferno del mondo di oggi. Le basi sono curate dal collettivo YeaSound, ex Penetra Posse, che si ispirano a musicisti ormai classici come KRS One o Boogie Down Production, esplicitamente citati. Nel disco ci sono anche contaminazioni col ragamuffin, come in Music, con ospite General Levy, sono i brani che personalmente preferisco. Riuscita anche Totale confusione, la canzone più calata nell'attualità. Un disco piacevole e consigliato agli amanti del genere, che cercano musicisti genuini e non inventati dai media.

Alfredo Sgarlato

Mendosa/Facebook

LE GORILLE: “Nautilus” (Uscita: 16 dicembre, autoproduzione)

2011-12-21T14:30:00.012+01:00

Gli amanti della divisione in generi andranno in tilt di fronte a questo disco: jazz rock? Acid jazz? Exotica? Non è così importante: l'errore che si potrebbe fare con "Nautilus" di Le Gorille sarebbe di non ascoltarlo. Le Gorille sono in realtà tre strumentisti classe '82: Claudio Laucci, piano e tastiere vintage, Giorgio Ramacciotti basso e chitarra e Matteo Falleni batteria. La musica è strumentale ma l'assenza di una voce non si fa sentire, organo, piano e
chitarra reggono il gioco perfettamente accompagnati da una batteria potente. Sovente le atmosfere sono da poliziesco, vedi Gli aborigeni. I ritmi sono a volte quelli del rock, a volte sono in levare, come in Terra del Fuoco. Spesso i cambi di ritmo sono all'interno dello stesso brano, come nell'iniziale Monolite e nella già citata Gli aborigeni, buona abitudine quando si suona musica strumentale. Nella piramide mescola atmosfere sbarazzine anni '60 e humour e dissonanze canterburiani. La tecnica dei musicisti non è mai fine a sé stessa e il tastierista Laucci ha uno stile fluido e inventivo, bello anche il solo di chitarra nella title track Disco molto divertente.

Alfredo Sgarlato

Le Gorille Facebook

THE FIELD: “Looping State Of Mind” (Uscita: 11 ottobre 2011, Kompakt)

2011-12-21T13:59:00.008+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

"Looping State Of Mind" è il terzo album di The Field, all’anagrafe Alex Willner, musicista svedese noto per essere riuscito con un demo nel 2005 a farsi scritturare dalla prestigiosa etichetta tedesca Kompakt. “Looping State Of Mind” è un lavoro che prosegue nella ridefinizione dei canoni della techno e dell’elettronica minimale, avviato nel 2007 con
“From Here We Go Sublime” e proseguito nel 2009 con “Yesterday and Today”. L’album è caratterizzato da una maturità oramai piena,la materia sonora è manipolata con una facilità quasi disarmante. Ne sono un esempio brani come Is this power, It’s up there e Looping State Of Mind. Il loop è una operazione elementare sulla materia sonora con cui Alex Willner costruisce i suoi edifici frattali. Pochi campionamenti replicati all’infinito e piccole variazioni sul tema consentono la costruzione di strutture auto-somiglianti. L’effetto risultante è decisamente ipnotico, quasi in una nuova forma sintetica di psichedelia, che agisce in profondità sugli stati psichici della mente. Un Alex Willner in grande forma, che eleva la minimal-techno verso le sue espressioni più mature e compiute.

Felice Marotta

Kompakt/The Field

BeMyDelay: “To The Other Side” (2011, Boring Machines)

2011-12-20T17:50:00.039+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

La battaglia italiana al piattume del mainstream imperante è condotto, da qualche anno, da una legione di musiciste in divisa nera, scarponcini militari e gonnelline grunge svolazzanti. Amazzoni coraggiose, quali Beatrice Antolini, le romane Lili Refrain e Mushy o la qui protagonista BeMyDelay, si armano di chitarre effettate, droni, campionamenti, “delay”, voci filtrate, sample loop, rumorosa ferraglia, con l’intento di trovare nuove soluzioni e restituire un po’ d’originalità alla musica nostrana e magari, perché no, conquistare il territorio straniero. BeMyDelay, nome d' arte di Marcella Ricciardi, già eroina nei Franklin Delano e Blake/E/E/E e sottufficiale nei Massimo Volume e Califone, arriva alla prima prova solista “To the other side” sotto il plotone della miglior compagnia italiana del 2011, la Boring Machines del comandante Onga. Una necessità di scendere in campo della nostra, alimentata dall’atavica esigenza di sperimentare con le loop station e i sampler, di filtrare ogni suono e stratificarlo. È un viaggio introspettivo e onirico questo lavoro, un volersi scoprire e mettersi in gioco autenticamente, un ricercare la felicità attraverso un ‘lungo e prolungato sconvolgimento dei sensi’.
La You and me and the sunshine iniziale, è l’OM degli atei, un estenuante mantra ossessivo dal cupo incedere industriale, che si arresta, seccamente, prima di arrivare al nirvana; ovvio che ‘l’altra parte’ non può esser rivelata cosi facilmente. Il viaggio quindi riparte subito con la batteria dritta e il semplice riff di chitarra di Toward the sun, i Silver Apples rivisti con la sensibilità di una donna. What it feels like to be drowned è una cantilena nello stile degli amici di cuore e di tour Father Murphy, uno scarno psych-folk con venature blues; un’atmosfera spettrale che tanto piacerebbe al fantasmino per eccellenza dell’underground americano, Jandek. Lo stato di coscienza viene rimesso a dura prova dalla drogata Cobra sun, desertica danza dall’andamento percussivo morbido e ipnotico, con il tono della sciamana Marcella che torna a farsi mistico evocando la famosa scimmia di Burroughs, che ti salta sulla schiena e non ti molla più. E a seconda che sia la Elizabeth Fraser in pelliccia e frusta di Mirror, la stasi allucinata di Tears and visions o l’epica cosmica lisergica della lunga e ciclica To the other side è tutto un voler trascendere, un estremizzare i generi, un sorpassarsi, valicare i limiti mentali, una ricerca interiore dell’artista, un movimento, ‘verso l’altra parte’, che dall’oscurità porta alla luce.

Antonio De Luca

Boring Machines
BeMyDelay
BeMyDelaySoundcloud
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MUSHY: “Faded Heart” (Uscita: 22 aprile 2011, Mannequin Records)

2011-12-19T19:50:00.035+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

Artista naif, ventiseienne laureanda in architettura, la romana Mushy è una ‘geniale dilettante’ con la passione per tutto ciò che è arte o creatività e con un talento innato e trasversale che le dà modo di riuscire, oltre che nella musica e negli studi accademici, anche nella fotografia e nella grafica. Verace, simpatica, un fiume in piena nella vita privata, Valentina F.
(il suo nome di battesimo) dimostra una sensibilità artistica fatta di chiaroscuri; un approccio alla musica, il suo, emotivo, intimo ed impatto che l’accomuna per inclinazione alle contemporanee Zola Jesus e Soap & Skin, ma che si rifà in realtà alle grandi band del dream pop e del gothic (Dead Can Dance, Cocteau Twins, Black Tape For A Blue Girl),
alla cosmic music (Tangerine Dream, Klause Shulze) e al synth pop e l’ambient più oscuro, senza dimenticare la lirica arcana della sacerdotessa per antonomasia del rock, Nico.
Per il suo “Faded Heart” (uscito per la lodevole capitolina Mannequin Rec., presso cui Valentina è anche graphic designer), progetta dieci composizioni (la versione in cd, in elegantissimo digipack, conta anche quattro remix) delicate e minimaliste, diafane di melodia, una mistura apparentemente monotona, ma capace già dopo alcuni ascolti di mostrare le sue molteplici sfaccettature e svelare il suo fascino, sfuggente come nuvola, sinistro come folata di vento. Queste elegie funebri e marziali al rallentì astrale sono ninnananne cullate da onde cicliche, nenie ripetitive come lontani lamenti che evocano il blues e i suoi canti di sofferenza di tristezza e di espiazione.
Così, tra sinfonie cosmiche e krautpsychedeliche (Child of light will burn, Objects in the mirror are closer than they appear, I will not see it), tenui ballate lynchiane dal raro e malinconico incanto (Too far, Burn me), indolenti e maliarde basi scandite da grossolane cadenze industriali su cui si dipanano voci dilatate e riverberate (Losing Days, Faded Heart, Moan), danze medievali dal bizantino fragore (No More), inquietanti synth dal profondo rosso (She was elsewhere), si rimane avvinti da un’architettura perfetta, dove ordine e disordine convivono dando vita a suggestioni oniriche, metafisiche e mefistofeliche. Nello stesso modo della sua Roma, quest’opera è ‘silenziosa e pesante, come fuori dal mondo’, statica e incantata, imprigionata in un sogno eterno e imperituro.

Antonio De Luca

http://www.mushyroom.tk/ Mushyroom

NO STRANGE: “Cristalli sognanti” (Uscita: 29 novembre 2011, Area Pirata/Psych-Out Records)

2011-12-19T16:27:00.032+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

C'era tanta attesa per il nuovo album dei No Strange. Da tempo girava voce della sua uscita negli ambienti musicali torinesi e non solo torinesi e, nonostante l'attesa si sia protratta oltre le intenzioni degli stessi musicisti, finalmente a novembre “Cristalli sognanti” ha visto la luce nella doppia versione, su cd per l'etichetta pisana Area Pirata e su vinile, in edizione limitata a 500 copie e corredata
da un bel poster a colori, per la Psych-Out Records di Ostuni, entrambe con la splendida grafica curata, come sempre, dal cantante Salvatore d'Urso “Ursus". I No Strange sono stati uno dei gruppi più significativi della scena neo-psichedelica italiana degli anni '80. Nati come No-Strani nel 1980 su iniziativa di Salvatore d'Urso e Alberto Ezzu, inizialmente dediti a suoni decisamente più duri, sono passati presto alla psichedelia,
cambiando il nome in No Strange e pubblicando alcuni album fondamentali nel genere, “No Strange” (1985), “L'Universo” (1987), “Flora di Romi” (1991), oltre al 45 giri “White Bird/Fiori Risplendenti” nel 1986, poi nel 1998 il mini-cd “Medusa”, e partecipando inoltre a numerose raccolte dedicate alla psichedelia e al neo-sixties. Oggi ritornano con “Cristalli sognanti” e il tempo non sembra essere passato poiché i No Strange ci proiettano, ora come allora, in atmosfere oniriche e sognanti fin dal brano di apertura dell'album, Aria. Questo nuovo lavoro continua idealmente il percorso avviato allora dai No Strange, a cavallo tra psichedelia e progressive, con efficaci incursioni in sonorità orientaleggianti, ma il suono di “Cristalli sognanti” è decisamente più corposo, pulito e rifinito, a tutto tondo. Il secondo brano, Riscopro i colori, è tra le punte di diamante dell'album insieme al successivo Il sudore dei pianeti, un'iniezione di energia allo stato puro, con il ritmo incalzante del basso a farla da padrone. Il quarto, Respirare il mare, ci riporta a atmosfere più rarefatte ma con una ritmica decisa che ti trascina e ti scuote. Dal pezzo successivo i suoni continuano a rarefarsi e a dilatarsi fino alla title track, la cui accattivante melodia rimane in testa già dal primo ascolto, per poi esplodere letteralmente con l'aggressiva Echidna, altro gioiellino dell'album, e procedere con sonorità dilatate ma energiche per le successive tracce, passando per la bella Il colore sognava, e fino alla conclusione del disco sul fruscio del mare nell'ultima, Sulle onde.

L'album “Cristalli sognanti” è stato presentato ufficialmente in un concerto al Caffè Basaglia di Torino il 9 dicembre scorso, nel quale la band nell'attuale formazione ha eseguito anche brani del vecchio repertorio, arricchiti dalla presenza della voce femminile di Rosalba Guastella, nuovo acquisto del gruppo, altrimenti formato da Salvatore d'Urso (voce e percussioni), Alberto Ezzu (voce, tastiere, percussioni), Tony d'Urso (chitarra elettrica), Pino Molinari (voce, chitarra acustica), Lucio Molinari (batteria), Paolo Avataneo (basso). Salvatore d'Urso ha dichiarato che si è trattato del miglior concerto che abbiano mai fatto. Avendone visti diversi in passato, ma ovviamente non tutti, non posso spingermi fino a tanto, ma è certo che al Caffè Basaglia i No Strange hanno confermato di essere davvero in un momento di ottima forma, nonostante il tempo trascorso dalla realizzazione degli ultimi lavori in studio, dando vita a una performance davvero intensa, con ampi spazi lasciati anche all'improvvisazione. Pochi giorni dopo, il 17 dicembre, sempre a Torino, Alberto Ezzu, Salvatore d'Urso e Rosalba Guastella hanno eseguito un concerto acustico presso il negozio di dischi Rubber Soul. In un'atmosfera tanto inedita quanto suggestiva i tre musicisti hanno riproposto sinteticamente il percorso musicale dei No Strange, suonando diversi brani dai primi tre album e una selezione di brani dal nuovo “Cristalli sognanti”. Inoltre, insieme a Carl Lee, altro noto musicista torinese, hanno presentato per la prima volta in pubblico il brano Talpa dell'infinito, che sarà incluso nella raccolta “Back to the Eighties Colours” la cui uscita è prevista per la prima metà del 2012. Talpa dell'infinito è un rifacimento di Mole of Infinity che Carl Lee incise negli anni '80 con il suo gruppo di jazz-progressive Eazycon, e che nella nuova versione avrà il testo tradotto in italiano dagli stessi Carl Lee e Salvatore d'Urso. Bella ciliegina su una torta che per quanto riguarda i No Strange è decisamente ricca e saporita in quest'ultimo scorcio del 2011.

Rossana Morriello

Foto di Rossana Morriello

Psych-Out Records
Area Pirata

SISKIYOU: "Keep away the dead" (Uscita: 7 ottobre 2011, Constellation Records/Goodfellas)

2011-12-18T19:23:00.016+01:00

# Consigliatissimo da DISTORSIONI

Ermetismo, esistenzialismo, folk spettrale, questo secondo disco del duo canadese Siskiyou s'inserisce perfettamente nelle corde della canadese Constellation Records. Ballate dall'estremo nord immerse in atmosfere rarefatte ma assolutamente pregne di un realismo devastante: dove il clima non è dolce deve pensarci l'animo umano a scaldare i freddi inverni e le lunghe notti canadesi. Il pezzo che
apre il disco e che gli dà il titolo è pervaso da un turbinio di chitarre che s'insinuano nel tessuto ritmico della batteria come una tempesta artica, un frastuono che lascia presto spazio alla ballata Where does that leave me, un pezzo più convenzionalmente folk, chitarra e anima (distrutta e annichilita) che culmina in un ascensione strumentale
dove si inseriscono archi e coro. Atmosfere che ritroviamo nelle tracce successive e che si materializzano in So cold, dove frequenze radio disturbate emergono tra arpeggi e violini in una desolazione dai toni sempre più cupi ed introspettivi. Dear old friend è una ballata country ed in qualche modo ridona tono ad un disco che altrimenti rischiava di smarrirsi accartocciandosi nei suoi tormenti emotivo-esistenziali. In Fiery Death si ritrova la freschezza dell'esordio della band, il banjo supportato da una sorta di basso continuo è semplicemente un raggio di luce in un igloo di vetro opaco in cui la band confina l'ascoltatore isolandolo dal mondo esterno in un alone di timida e raffinata Sing me to sleep, malinconia. Lentamente si arriva alla ninna-nanna il tema della morte che è presente in tutto il disco non può che rappresentarsi anche in questa song che scivola veloce e quasi sfacciata nella sua semplicità e si concretizza nella song di chiusura: Dead Right Now. Il disco si esaurisce con un feedback che pare un ultimo urlo lacerante in una foresta innevata, che è il luogo dove questo disco ci ha condotto attraverso un percorso lucido ed inquieto, fra lupi e sequoie fino al gelido rifugio dove risiede la nostra anima.

Nick Zurlo

Constellation Records/Siskiyou

A.V.: "Extreme 8 bit Terror“ (Lp picture disk, 2011, Sonic Belligeranza – Cervello Meccanico)

2011-12-18T18:27:00.017+01:00

Erano i favolosi anni '80, i Metallica e gli Slayer sfornavano le loro hits ed i ragazzi di tutto il mondo passavano le loro giornate giocando all'amiga, ascoltando l'ultimo disco degli Iron Maiden. Metal e chip tunes, due universi paralleli, due binari su cui per anni ha viaggiato il treno della nerdaggine metallara più acuta, ma come nell'antica Cina degli imperatori per caso fu mischiato salnitro e zolfo, come nel salotto del Conte di Sandwich fu ordinata della carne
salata fra due fette di pane, anche questi due ingredienti hanno finito per mischiarsi nella cucina sonico creativa della premiata ditta "Sonic Belligeranza & Cervello Meccanico". Il risultato è esplosivo e gustoso, 8 cover delle più blasonate band dell'heavy metal (c'è anche l'omaggio al nostrano Richard Benson) più il manifesto dell'8 Bit Metal. Fra i solchi del pregevolissimo picture lp sono contenuti alcuni dei più famosi brani metallari di sempre, ad aprire le danze ci pensa Mat64, autentico genio dell'8 bit nostrano, con una traccia che omaggia gli Iron Maiden in tutto il loro metalloso splendore, a seguire Pira666, degno compagno di merende del già citato Mat64, che ci omaggia con tre tracce al napalm (death) che terminano così il lato A. Girando il disco (ri) scopriamo una delle band più originali e divertenti di sempre: i crucco-borgatari Micropupazzo, nella loro faretra cover dei Vanadium, dei Bulldozer ed un omaggio al famigerato Richard Benson con la sua immortale Madre Parrucca. A chiudere le danze il vate del weird bolognese DJ Balli, signore della Sonic Belligeranza Records e gran ciambellano del weird italiota, la sua interpretazione degli Slayer è assimilabile ad una versione satanica di Paperboy mista al rumore dell'accensione del mitico Garelli pugnetta. A chiudere le danze l'8 Bit Metal Manifesto che qui riporto integralmente, perchè è necessario ogni tanto un pò di sano integralismo metal, diffidate sempre da chi non ha mai ascoltato un disco degli Slayer, soprattutto se ha un amiga a casa!

Nick Zurlo

8 BIT METAL MANIFESTO by DJ BALLI
We drink the vomit of the priests
on our color TVsss
We make love with the dying whore
thorugh Commodore 64
We suck the blood of the beast
pushing the floppy in the disk
And hold the key to death’s door
with our keybooooooard
8 bit is violence in the street
few pixels and 16 colors on screen
devoted to chip metal
we found our subbacultcha
Listening to prayers on walkmans
We kill aliens and zombies
Grim and frostbitten
We are legion
KVLT KVLT
Typing the inverted cross button
We praise the blasphemous amiga
hiding Satan in its Cpu
we is dj Balli, Pira 666, Micropupazzo and Mat 64
TIME FOR EXTREME 8 BIT TERROR HAS COME!
devoted to chip metal
devoted to chip metal
devoted to chip metal
devoted to chip metal

Sonic Belligeranza & Cervello Meccanico
8 Bit-Metal Manifesto" DJ BALLI

MICHAL JACASZEK: “Glimmer” (Uscita: 6 dicembre 2011, Ghostly International)

2011-12-18T17:02:00.006+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI
“Glimmer” è il settimo album di Michal Jacaszek, che fa seguito ai precedenti “Pentral” (2009) e “Treny” (2008) ed oscilla ancora una volta tra una ricerca di una estetica classica ed una sperimentazione più moderna. Jacaszek è sempre stato convinto che dietro il mondo materiale vi sia una realtà da svelare. Ridare luce a questo mondo nascosto: è questo il progetto di Jacaszek. E’ indubbia la capacità di fascinazione che il barocco esercita sul compositore polacco.
Ne è testimonianza la ricerca quasi maniacale di un equilibrio naturale tra le sonorità ottenute con il clavicembalo, il clarinetto ed altri strumenti antichi e le sonorità elettroniche realizzate attraverso texture drone molto frastagliate e frattali, che ricordano per certi versi le sperimentazioni di Tim Hecker. Il risultato di questo “Glimmer” è davvero incredibile e mostra un Jacaszek in una fase di grande ispirazione. Come detto, il barocco costituisce il baricentro di questo lavoro. Il barocco non visto come l’esaltazione dell’ornamento o della decorazione, ma al contrario come l’esaltazione dell’eccesso, dell’inesauribilità delle cose. “Glimmer” è una sorta di lente che consente di vedere la bellezza vertiginosa ed inesauribile delle cose. L’album inizia con il respiro leggero di Goldengrove. Subito dopo Dare-Gale si sviluppa con un incedere pesante e misterioso, il cui il fluire del tempo è cadenzato dagli scricchiolii di oggetti sottoposti a tensione. In Pod Swiatlo il clarinetto impone atmosfere molto cupe. Ma l’effetto disgregante e frattale del barocco esplode pienamente in Evening Strains to be Time's Vast, brano in cui una marea sonora acquista progressivamente energia sino a degradare in un’onda frastagliata di rumore. Even Not Within Seeing of The Sun esprime un’inquietudine sottile che fatica a prendere forma, mentre Windhove è una luce fievole che porta con sé una bellezza appena accennata e sfuggente. Questo “Glimmer” è un lavoro davvero enorme, certamente una delle cose più significative ed ispirate del 2011. “Ho provato ancora una volta a creare una bellezza fragile e luminosa dietro l’apparenza della realtà”, rivela Jacaszek. Come non dargli pienamente ragione.

Felice Marotta

Ghostly International/Glimmer

SHORT REVIEWS - CHRISTINA VANTZOU: "No.1" (Uscita: 24 ottobre 2011, Kranky)

2011-12-18T16:14:00.014+01:00

Abbandonate le sonorità sognanti che avevano caratterizzato il progetto The Dead Texan, Christina Vantzou ha dedicato gli ultimi tre anni alla costruzione di “No.1”, primo suo album solista. Le atmosfere diventano decisamente più severe con descrizioni di paesaggi sconfinati, spazi eterei e colori freddi, che ne accentuano fortemente il lato malinconico e solitario. Un lavoro che recupera le forme musicali del minimalismo contemporaneo all’interno di canoni classici. L’album apre con Homemade Mountains una visione lenta e solitaria di un tempo che tende a dilatarsi, mentre Prelude for Juan scorre misteriosa quasi fosse un’esperienza sovrannaturale. Super interlude pt. 1 e Super interlude pt. 2 sono decisamente i brani più belli dell’album. Ma sono molti i passaggi che richiamano Claude Debussy come Small choir ed in 11:11 e sono molte le sonorità che rimandano ad elementi naturali dilatati sino all’inverosimile come in Your changes have been submitted ed in Joggers. Christina Vantzou è anche un artista visivo. Su youtube sono disponibili alcuni video realizzati dalla stessa Vantzou (Homemade Mountains e Prelude for Juan), che mostrano paesaggi cromatici al cui centro è presente un quadrilatero che assorbe la luce come in un tunnel e che canalizza lo sguardo. Viene da pensare subito ad una porta verso l’aldilà, ad un’esperienza di confine. Forse è davvero questo il senso nascosto di “No.1”.

Felice Marotta

Kranky

SHORT REVIEWS - HAMMOCK/STEVE KILBEY/TIMEBANDIT POWLES: "Asleep in the downlights" EP (Data Uscita: 25 Ottobre 2011, Hammock Music)

2011-12-18T14:55:00.008+01:00

# Consigliato da DISTORSIONI

A distanza di un anno dal precedente acclamato “Chasing After Shadows ... Living with the Ghosts”, gli Hammock, all’anagrafe Marc Byrd e Andrew Thompson, duo proveniente da Nashville, ci riprovano con "Asleep in the downlights”, lavoro dream-ambient che si sviluppa su quattro brani e che vede la collaborazione di Steve Kilbey e Tim Powles, storici componenti dei Church. "Asleep in the downlights” è un lavoro che se da un lato rende omaggio ai Church, band che i nostri dichiarano di aver sempre amato in gioventù, dall’altro è un tentativo, decisamente ben riuscito, di caratterizzare il sound sognante ed evocativo degli Hammock con una presenza più marcata della voce. Tra le cose da segnalare c’è sicuramente No agenda, che prende avvio con atmosfere soffuse e sognanti per essere impreziosito dalla voce di Steve Kilbey e Parkers Chapel, cantata da Marc Byrd che chiude in modo egregio l’album. Notevole anche Sinking Inside Yourself. Gli Hammock confermano ancora una volta la loro grande capacità di realizzare albums dal forte impatto evocativo.

Felice Marotta

Hammock music